ESTRENO CINE

Inquietante retrato del regreso al estado más primitivo
SobrevivienteS: deSpuéS del terremoto 

Marcelo StiletanoCon gran crudeza, la película muestra un futuro posible
(Corea del Sur). direCCión: Um Taehwa. Guión: Um Tae-hwa y Lee Shin-ji. FotoGraFía: Cho Hyoung-rae. múSiCa: Kim Hae-won. ediCión: Han Mee-yeon. elenCo: Lee Byung-hun, Park Bo-young, ParkSeo-jun,ParkJi-Hu,KimDoo-yoon. diStribuidora: BF Paris. duraCión: 130 minutos. CaliFiCaCión: solo apta para mayores de 13 años, con reservas.
El juego del calamar, Parasite,
Estación Zombie son títulos que representan una tradición reciente de la prolífica y cada vez más influyente producción audiovisual surcoreana. Desde perspectivas, estilos y géneros diferentes las tres reconocen el común denominador del relato de supervivencia en situaciones límite, aquellas en las que se ponen a prueba los límites éticos y morales de la conducta humana. En otras palabras, ¿cuáles son los valores que estamos dispuestos a resignar frente a una situación en la que no hay otra alternativa que perder la vida?
Sobrevivientes: después del terremoto nos lleva a un futuro posible en el que esa pregunta queda expuesta en toda su crudeza. La película elegida para representar a Corea del Sur en la carrera por el Oscar internacional 2024 es una genuina expresión del cine post-apocalíptico, a partir del cual se dispara un tenso y crudo relato distópico. Todo comienza con un terremoto devastador que deja a Seúl reducida a un montón de escombros, dicho esto en el más literal sentido de la expresión. Solamente queda en pie el edificio Hwang Gung, una mole de cemento cuyos departamentos fueron diseñados únicamente con destino de vivienda personal o familiar. En circunstancias normales allí no hay lujos visibles ni estrechesiempre
ces imposibles de remontar. Pero cuando el lugar se convierte en el único espacio habitable, el austero despliegue de comodidades que la cámara registra en cada departamento convierte a sus dueños en verdaderos privilegiados. El primer impulso de esta nueva e inesperada élite es asegurarse para sí todos los elementos de primera necesidad que hacen falta para garantizar una vida mínimamente digna. Algo que solo se consigue con una estrategia de brutal acopio, que deja a quienes no son residentes o propietarios acreditados a vivir en la calle, casi como animales.
En esencia, Sobrevivientes: después del terremoto es un relato sobre el regreso del estado de naturaleza. El cuadro descripto por los grandes teóricos del contrato social como disparador de la primera experiencia de vida en sociedad. En este caso, frente a la desaparición completa de cualquier instancia mediadora o representativa de la convivencia previa (no hay policías, funcionarios o figuras con espíritu organizativo), el grupo del edificio entrega el liderazgo a la única persona capaz de garantizar protección, seguridad y mística comunitaria, un “delegado” de pasado resbaladizo. A su influjo, a sus caprichos y a su comportamiento arbitrario se abrirán muchos más conflictos de los que supuestamente se evitarían con su presencia.
Con un imponente diseño de producción que le aporta realismo extremo a la destrucción y una colección de tipos humanos abierta a todas las situaciones esperables (algunas casi estereotipadas) en un cuadro de tanta degradación, Sobrevivientes cumple con su inquietante propósito: preguntarse qué podría pasar con el género humano cuando los peores instintos aparecen en medio de la urgencia por reconstruir una sociedad desde sus cimientos.

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ESTRENO CINE

Un  romance que apela a un melodrama arbitrario
Destino Pasional
Milagros AmondarayAndrea Torres y Norberto Melingo
(Argentina-filipinas/2023). Dirección: Juan Romero. guion: Francisco D’Intino: Edición: Santiago Seminara y Gio Croatto. Fotografía: Gio Croatto. elenco: Andrea Torres, Marcelo Melingo, Miguel Faustmann. Duración: 118 minutos. Distribución: Batata Films.
La película de Juan Romero no parte precisamente de una idea demasiado original, pero había algo de potencial en el inicio: dos extraños, Mahalia (Andrea Torres) y Norberto (Marcelo Melingo, quien le aporta matices a un rol chato), se conocen en un vuelo y forjan un vínculo luego de que un aterrizaje inesperado los sitúa en una isla idílica donde esa relación se va volviendo cada vez más profunda.
Sin demasiadas sutilezas, se nos muestra cómo el hombre padece una enfermedad y esa mujer se enamora de él al punto tal de querer mejorar su vida cuando todo los pronósticos parecen estar en su contra. Así, el relato de Destino pasional (cuyas escenas eróticas van a contramano de ese presunto frenesí incontrolable) está envuelto por esa burbuja un tanto superficial, con el registro de paisajes bellos de Filipinas que contrastan con la realidad que debe sobrellevar esa pareja y que le restan peso al derrotero de Norberto, quien no es más que un arquetipo de figura quebrada que busca aprovechar el tiempo que le queda (analogías con las mariposas mediante).
La construcción del personaje de Mahalia es también un tanto endeble, sus motivaciones se desconocen con excepción de la inclusión de una voz en off que busca explicar por qué, de un momento a otro, se sintió compelida a ayudar a una persona desconocida. Por lo tanto, nada contribuye a que su unión resulte verosímil y el relato se estira más de lo debido, girando siempre en círculos: el hombre necesita ayuda y su pareja no quiere verlo bajar los brazos.
Sobre el final, el largometraje de Romero se aproxima a una idea inspirada cuando cambia el foco y muestra cómo el viaje retratado siempre tuvo como figura central a Mahalia y a su búsqueda de identidad (personal y profesional). A esa altura, sin embargo, puede que el interés por su historia haya mermado tras la inclusión de un puñado de secuencias con más appeal turístico que cinematográfico y con viñetas que viran al melodrama insustancialmente.

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ESTRENO CINE

Krakens y sirenas.
Una adolescente atípica en busca de su identidad
Marcelo Stiletano Ruby Gillman, la protagonista animada de la historia
(Ruby Gillman, Teenage Kraken, estados unidos, 2023). Dirección: Kirk DeMiccoy Faryn Pearl. Guion:PamBrady, Kirk DeMicco, Elliott DiGuiseppi y Brian Brown. música: Stephanie Economou. edición: Michelle Mendelhall. Voces originales: Lana Condor, Jane Fonda, Toni Collette, Colman Domingo, Blue Chapman y Will Forte. distribuidora: UIP. duración: 90minutos. calificación: apta para todo público.
A veces Hollywood nos sorprende por el modo en el que se asemejan ciertas ideas en medio del cada vez más competitivo mundo de las producciones animadas a gran escala, que encaran los grandes estudios. Sin embargo, Krakens y Sirenas es el ejemplo más reciente de una práctica que aparece con más frecuencia de la que podríamos imaginar.
Ruby Gillman, la adolescente que protagoniza el nuevo largometraje de la división animada de los estudios DreamWorks, tranquilamente podría verse como una versión algo crecida de la figura principal de Red, el notable largometraje de Pixar estrenado el año pasado. Entre la púber chinocanadiense Meilin Lee, que a los 13 años vive con su familia en Toronto la tensión entre ser fiel a sus raíces y adaptarse a su nuevo entorno cultural y la inquieta Ruby Gillman, cuya única aspiración es ser vista como una típica adolescente, solo hay una pequeña diferencia de edad.
Como si todo esto fuera poco, los dos personajes conviven con sendas madres caracterizadas por sus tendencias sobreprotectoras. Y de paso, a modo de chiste involuntario, Ruby y su familia les dicen a los humanos que ingenuamente se preguntan por sus rasgos bien diferenciados y el color azulado de su piel que ellos ¡son canadienses!
Alcanza esa afirmación para que todos los demás les crean. Especialmente el desconfiado capitán Gordon Lighthouse, un viejo lobo de mar obsesionado con cazar krakens, especies que como todos sabemos representan dentro de la fauna marina de las sagas nórdicas a mitológicos monstruos marinos, parecidos a gigantescos pulpos o calamares, que emergen de las profundidades para atacar navíos y devorar a sus tripulantes.
Estos krakens, en cambio, son muy pacíficos y tranquilos, integrados plenamente a la vida de la comunidad de Oceanside. Están dibujados, como el resto de los personajes y los escenarios de esta historia, con trazos básicos, ingenuos y muy coloridos que reflejan, sobre todo, la vida prototípica de los adolescentes de hoy, atentos a los estímulos de las redes sociales y a una vida de relación llena de incertidumbre.
La historia, narrada a puro vértigo visual y con cambios de estímulos permanentes, deja en un momento de lado la descripción de este mundo adolescente (lo más atractivo del relato, sin duda) para concentrarse en la peripecia de Ruby, el reconocimiento de su identidad y la batalla que terminará librando con más ruido que sustancia contra su némesis, una sirena que podría verse como el reverso del clásico personaje de Disney.
Debajo de todo el estruendo de este choque hay algunos personajes muy tiernos (empezando por la propia Ruby) y una ambientación llena de colores vivos, especialmente pensada para el disfrute de los más chicos. Para el disfrute de sus acompañantes adultos (si hay copias disponibles) están las magníficas voces originales, esenciales para la construcción de los personajes. Se lucen especialmente aquí Jane Fonda y Toni Collette, imposibles de reemplazar por ignotas doblajistas. Pero no queda más remedio que hacerlo.

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ESTRENO CINE

Una alquimia efectiva entre la nostalgia y las nuevas tecnologías
Indiana Jones Y El Dial Del Destino
Paula Vázquez PrietoHarrison Ford en la nueva reencarnación de un héroe
(indiana Jones' and The dial of The Destiny, Estados unidos/2023). dirección: James Mangold. Guion: James Mangold, Jezz Butterworth, JohnHenry Butterworth, David Koepp. fotografía: Phedon Papamichael. edición: Andrew Buckland, Michael, McCusker, Dick Westervelt. elenco: Harrison Ford, Phoebe Waller-Bridge, Mads Mikkelsen, Tobi Jones, Antonio Banderas, Karen Allen, Ethan Bergua Isidore. calificación: Apta para mayores de 13 años. Distribuidora: Disney. 155 minutos.
¿Cuál es el sentido de una nueva entrega de Indiana Jones a más de cuarenta años de su estreno? Los intentos de respuesta pueden ser sencillos. En primer lugar, el atractivo que en este tiempo tienen las sagas para el mainstream, en tanto son la perfecta amalgama entre un universo ya digerido y el goce de la nostalgia. Pero siempre hay algo más, quizás la convicción de que aquel cine nacido en los tempranos 80 tenía un aire genuino, un ímpetu de renacimiento para una industria aguijoneada por los cines europeos modernos, una originalidad propia de lo analógico que hoy es difícil de producir pero fácil de reinventar. En esa línea, Steven Spielberg -artífice de toda esta historia junto a George Lucas- deja su lugar a James Mangold, aplicado alumno de aquella generación que dio nuevos aires al cine de aventuras y nueva hegemonía a Hollywood.
Ahora bien, reverdecer la saga también implica rejuvenecer a su héroe, un Harrison Ford a quien conocimos en la piel del joven Indiana Jones en Los cazadores del arca perdida (1981), explorando las maquinaciones del nazismo en el mundo de entreguerras. Aquel era el año 1936, y ahora en 1944 los nazis siguen siendo los villanos, en este caso tras la pista de una misteriosa daga con la que Hitler espera detener su caída. El Harrison Ford que asoma al comienzo de Indiana Jones y el dial del destino, en esos días de rapiña desesperada, es una versión rejuvenecida digitalmente, diseñada con capturas del rostro del actor en sus años mozos, que nunca reniega de su condición de artificio. Puede ser una prueba de fuego para los ya maduros fans de los 80 -que deberán ensayar cierto reajuste en la mirada- y una constatación para los jóvenes espectadores que ya saben que el cine de hoy le debe más a la técnica que a la magia.
El preámbulo de la película es un honesto punto de partida: una escena a pura adrenalina en un tren que es escenario del escape de la dirigencia nazi con un suculento botín de objetos de arte, de la amistad entre el doctor Jones y su colega de Oxford, Basil Shaw (Tobi Jones), y de la presentación de la Anticitera de Arquímedes, el McGuffin de turno, una creación del matemático griego que parece ser la piedra angular para posibles viajes temporales. Con las coordenadas establecidas, Mangold nos traslada a la Nueva York de 1969, en plena euforia por el alunizaje, cuando los nazis ya camuflados como activos de la carrera espacial para los Estados Unidos deciden reavivar su agenda conquistadora del pasado. Por entonces, el profesor Henry Jones -próximo a su retiro académico del Hunter College, propenso a la bebida y amargado por su inminente divorcio- recibe la visita de su ahijada Helena Shaw (Phoebe Waller-Bridge), quien tras la pesquisa de la Anticitera desata un vendaval de intrigas y ambiciones para hacerse con el legado triunfal de Arquímedes.
Lo que sigue puede parecer previsible pero ello no lo hace menos entretenido. Y el mayor mérito de Indiana Jones y el dial del destino consiste en despojarse del coqueteo sci-fi de la última entrega, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (2008), para hundir nuevamente sus raíces en la Antigüedad. El universo de Arquímedes y el sitio de Siracusa, hitos que tiñen el relato con más mitología que rigor histórico, le permiten a Mangold recrear el espíritu de la primera trilogía, quizás con menos oscuridad que en Indiana Jones y el templo de la perdición (1984), pero con clara conciencia de lo que se necesita para un espectáculo contemporáneo: persecuciones rocambolescas, un villano de gran talla (muy buen aporte de Mads Mikkelsen), despliegue geográfico y la idea tan difundida de que el destino del mundo está en pocas manos. Tiempos de narcisismo y tecnología que se cristalizan en un derrotero vertiginoso y divertido, en el que nuestros personajes no admiten la periferia de la Historia.
Una de las más originales incorporaciones de esta entrega es la de Phoebe Waller-Bridge, actriz y guionista que sacudió a la comedia británica en la pasada década y que ahora parece destinada a desempolvar a las viejas franquicias de los rastros de sexismo. No es la chica rubia y linda que grita ante un sobresalto, sino una mujer adulta e independiente, ambiciosa y algo cínica, que esquiva en su periplo toda condición de accesorio. Una especie de Katharine Hepburn inglesa, eso sí, con pocos aires de Connecticut y evidentes anticipos del feminismo de los 70, quizás demasiado tentada por el individualismo del nuevo milenio. Aun así, logra impulsar la película hacia adelante, su dinámica con Ford es orgánica para la historia y nunca deja de ser un activo para el rumbo de la acción.
Si en una película como Logan, Mangold había demostrado su oficio para moverse dentro de los límites y exigencias del cine de superhéroes, aquí se pone al servicio de una franquicia modelada en los 80, hoy venerados sin demasiados reparos. Una ventana al pasado, a una era analógica que necesita de lo digital para concretar la nostalgia. Una alquimia efectiva, sin hallazgos ni estridencias, pero muy, muy disfrutable.

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ESTRENO CINE

Una pastelería en Nothing Hill.
Una correcta comedia que no toma demasiados riesgos

Milagros AmondarayCelia Imrie
UNA PASTELERÍA EN NOTTING HILL
 (LOVE SARAH, REINO UNIDO / 2020). DIRECCIÓN: Eliza Schroeder. GUION: Jake Brunger. MÚSICA: Enis Rotthoff. FOTOGRAFÍA: Aaron Reid. EDICIÓN: Jim Hampton, Laura Morrod. ELENCO: Celia Imrie, Shannon Tarbet, Shelley Conn, Grace Calder, Bill Paterson. DISTRIBUIDORA: CDI Films. DURACIÓN: 98 minutos.
La realizadora alemana Eliza Schroeder, se propuso, con su ópera prima, gestar una comedia autorreferencial abriendo varias líneas argumentales y no siempre con resultados óptimos.
Una pastelería en Notting Hill comienza, a contramano de lo que veremos a posteriori, con una tragedia: la muerte de Sarah, una mujer estrella de la pastelería que sufre un accidente y deja atrás a una hija adolescente, una madre con la que tenía una relación áspera y una amiga con la que iba a abrir el local gastronómico en el borough de Kensington y Chelsea. Esto conduce a esas tres mujeres de diferentes generaciones a cumplir ese sueño a pesar de los contratiempos.
Ese golpe bajo con el que abre el film se siente un tanto artificioso, un mero artilugio para poder mostrar la creación de la pastelería con situaciones salidas de una comedia de enredos. Por tratarse de una película que pretende girar en torno a la ausencia de Sarah y el homenaje que buscan hacerle con la puesta en marcha de ese negocio que era el sueño de su vida, el guion se toma apenas unos minutos para que la conozcamos, e incluso los propios personajes la olvidan tiempo después. En Una pastelería en Notting Hill también hay un intento de emular los largometrajes feel good de Richard Curtis como Realmente amor, aunque aquí las subtramas no cobran vuelo porque esas figuras que ingresan al local para compartir anécdotas tampoco tienen suficiente peso.
Con excepción de una acertada mirada cosmopolita de Schroeder sobre el universo de la gastronomía y de la interpretación de Celia Imrie como la madre de Sarah, el film tiene pasajes forzados (como la historia de una prueba de ADN de previsible resolución) y carece de la emotividad que su realizadora pudo haberle imprimido al basar su obra en tópicos que la tocan de cerca.

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ESTRENO CINE

Otro film de terror que contiene elementos ya conocidos
Guillermo Courau
GEMELO SINIESTRO

THE TWIN, FINLANDIA/2022). DIRECCIÓN: Taneli Mustonen. GUION: Taneli Mustonen, Aleksi Hyvärinen. ELENCO: Teresa Palmer, Steven Cree, Barbara Marten, Tristan Ruggeri, Andres Dvinjaninov. DURACIÓN: 109 minutos. DISTRIBUIDORA: BF Paris. CALIFICACIÓN: apta para mayores de 16 años
El primer tercio de Gemelo siniestro ofrece un punto de partida más que prometedor. Un matrimonio feliz, un accidente de auto y el horror de ver morir en él a uno de sus hijos gemelos. Buscando la manera de recuperarse de la tragedia, Rachel (Teresa Palmer), Anthony (Steven Cree) y el pequeño Elliot (Tristán Ruggeri) se mudan a una casa en medio de la nada en Finlandia, para alejarse del dolor y empezar una nueva vida.
Pero a poco de llegar, Elliot comienza a hablarle a su madre de su hermano muerto, como si todavía estuviera con él: “Nathan quiere volver”, le repite. Sueños extraños, la aparición de una mujer misteriosa y la sospecha de una situación sobrenatural que podría involucrar al resto de los habitantes del pueblo, como así también al mismísimo Anthony, llevan a Rachel a un estado de desesperación por mantener la cordura.
Conforme avanza la trama, el director y guionista Taneli Mustonen abre más y más puertas, los caminos a seguir se ramifican de tal manera que llega un momento en el que el guion se vuelve tan laberíntico como la casa innecesariamente grande a la que se muda la familia. Que un fantasma, que una secta, que una conspiración demoníaca, las hipótesis se entrecruzan ante los ojos de la protagonista, que termina tan confundida como el espectador. O quizá menos, porque el ojo atento y cinéfilo encontrará en los primeros minutos algunas claves que serán decisivas en el desenlace.
En sus múltiples caminos hacia la pendiente final, Gemelo siniestro recuerda a muchas otras: de Midsommar a El bebé de Rosemary rozando, por qué no, Sexto sentido. Por nombrar solo algunas.
Sin embargo, lo virtuoso que podría suponer una mezcla de clásicos se ahoga en su propio mar de acumulación. La fotografía es excelente, la puesta en escena y los escenarios naturales también; el problema es el guion, que avanza lenta y pesadamente, rutinario y sin destellos. Lo peor que le puede pasar a una película de terror cuya estructura está construida en base a una vuelta de tuerca final, es que esta se adivine de entrada. Si sucede, el resto del tiempo será solo seguir adelante apáticamente para comprobar que uno tenía razón. Y el camino puede ser muy largo.

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Una historia que resigna eficacia en su afán por perturbar
Alejandro Lingenti

CADÁVER EXQUISITO
(ARGENTINA, 2022). DIRECCIÓN: Lucía Vassallo. GUION: Lucía Vassallo y Sebastián Cortés. FOTOGRAFÍA: Fernando Marticorena. EDICIÓN: Martín Blousson. ELENCO: Sofía Gala Castiglione, Nieves Villalba, Rafael Spregelburd, Nicolás García, Lola Banfi, Lorena Vega, Analía Couceyro y Santiago Gobernori. DISTRIBUIDORA: Cinetren. DURACIÓN: 88 minutos. CALIFICACIÓN: apta para mayores de 16 años.
Debut en la ficción de Lucía Vasallo –directora de los documentales Transoceánicas, Línea 137 y La cárcel del fin del mundo–, Cadáver exquisito tiene como epicentro a la obsesión patológica de una joven maquilladora que encuentra a su novia flotando inconsciente en la bañera de su casa y entra crisis. La historia de la película se desarrolla a partir de ese punto de partida traumático y avanza a tientas con la premisa explícita de correrse de las narrativas más convencionales: juegos de dobles y apropiación de identidades ajenas, el mundo del sadomasoquismo, la curiosidad de un personaje afectado por el trastorno genético del albinismo e incluso algunas indagaciones superficiales sobre el papel de la oxitocina en su comportamiento.
Pero ese afán de inclinarse por perturbar al espectador con un clima de constante extrañamiento queda por encima de establecer con convicción un relato que siga alguna lógica: en algún momento, la sucesión de escenas inconexas confunde e incluso provoca el ingreso del film en el terreno de la comedia involuntaria (en ese sentido rankean alto las escenas protagonizadas por un grupo de danza butoh, cargadas de solemnidad pero al borde de la parodia).
En ese marco complicado, Sofía Gala se mueve con más soltura que la debutante Nieves Villalba, exigida por un papel con unos cuantos ribetes extravagantes. La voluntad por elaborar un discurso singular siempre es valiosa, pero aquí el peso de las arbitrariedades conspira notoriamente contra su despliegue eficaz.

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