ESTRENOS DE CINE

Un film con todos los límites de las biografías oficiales
Marcelo StiletanoUn ícono que queda a medio camino
BoB Marley: la leyenda (estados unidos). dirección y Guion: Reinaldo Marcus Green. Guión: Terence Winter, Frank Flowers, Zach Baylin y Reinaldo Marcus Green. FotoGraFía: Robert Elswit. Música: Kris Bowers. Edición: Pamela Martin. elenco: Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Morton, Tosin Cole, Anthony Welsh. caliFicación: apta para mayores de 13 años.
La biografía que el cine le debía desde hace mucho tiempo al arte y a la memoria de Bob Marley tiene el ingrediente más esperado por sus fans: allí están con su voz casi todas las canciones que pusieron en la historia al artista de mayor relevancia en toda la historia del reggae, sin contar lo que influyó su obra en un mapa todavía más amplio dentro de la música popular del siglo XX. Satisfacer de esa manera la expectativa de la vasta legión de seguidores de Marley tiene su precio. Para escucharlo hay que aceptar la mirada que guardan sobre él sus seres más cercanos. Rita Marley (su viuda), Ziggy Marley (su hijo) y la esposa de este, Orly Marley, son los productores de este relato oficial en el que la vida del autor de “No Women No Cry” no tiene una sola mancha.
Los herederos de Marley anticipan aquí todas las respuestas posibles a las preguntas que podríamos hacernos sobre la existencia de un artista que siempre se vio a sí mismo como un gran transformador, casi como un revolucionario. La película menciona todas las capas de la breve e intensa vida de Marley: esa suerte de utopía mística que promovía desde la música, la agenda política de la que fue protagonista en la tumultuosa Jamaica de fines de los años 60, su empeño por escapar de las exigencias impuestas por la fama, las complejidades de su vida personal, conyugal y familiar.
Pero lo hace reduciendo cada uno de estos componentes de la vida de Marley a frases hechas y consignas aleccionadoras. La película se transforma así en una sucesión de carteles, mensajes y leyendas de póster que se activan y se ponen en movimiento desde la imagen para redondear una imagen transparente en la que no queda al final ni una sola duda. Una temprana muerte encontró a Marley, cuando tenía 36 años, en un héroe: había alcanzado la grandeza musical de la mano de Exodus, un álbum único, esencial, decisivo, y a la vez había cumplido el sueño de promover la paz, la unidad y la armonía en su dividida patria, evitando la amenaza cierta de una guerra civil.
Lo único que nos queda claro, porque aparece expuesto en toda su crudeza, es ese momento crucial de 1976 en el que Marley y su esposa sobreviven de milagro a un atentado perpetrado por alguna de las facciones políticas enfrentadas en la cruenta lucha por el poder que estaba desangrando a Jamaica. Rita y sus hijos emprenden un exilio forzado a los Estados Unidos. Bob viaja a Londres y allí empezará a forjar su leyenda.
Todo lo que ocurre desde allí con Marley (las búsquedas creativas que llevan al reggae a su máxima expresión, las infidelidades, el vínculo entre arte y política, la influencia de sus mentores Haile Selassie y Marcus Garvey) no superan los límites de un manual escolar ilustrado. La película no responde a cada una de las grandes preguntas que nos hacemos sobre el ánimo, el espíritu y los instintos que llevan a la acción a un artista fuera de lo común. Ver a Kingsley Ben-Adir personificándolo con esfuerzo y compromiso, y escuchar los grandes éxitos de Marley con su propia voz no alcanzan

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ESTRENOS DE CINE

Un esquema ya desgastado vestido con falsas emociones
(ESTADOS UNIDOS-REINO UNIDO/2023). diREcción: Adele Lim. GUion: Adele Lim, Cherry Chevapravatdumrong, Teresa Hsiao. FOTOGRAFÍA: Paul Yee. EDICIÓN: Nena Erb. ELENCO: Ashley Park, Sherry Cola, Stephanie Hsu, Sabrina Wu, Debbie Fan, Kenneth Liu. 
LOCAS EN APUROS Paula Vázquez PrietoUna despedida de soltera como puntapié de escenas remanidas
Las historias de viaje y desenfreno ya han transitado por todas las combinaciones posibles. Despedida de soltero, altas dosis de alcohol e inconsciencia (¿Qué pasó ayer?). Despedida de soltera, descontrol y amistades impensadas (Damas en guerra). Despedida de soltera, Miami y strippers (Hasta que el cuerpo aguante). El molde siempre parece estirarse para habilitar un nuevo desvío, una excusa mejor o peor para el caos y las risas. Locas en apuros despeja la despedida de soltera como punto de partida y elige un viaje de negocios a China como pretexto para fiestas, borracheras y malentendidos. Las viajeras son mujeres, algunas nacidas en China y emigradas a los Estados Unidos, otras desorientadas o en busca de su origen, todas empujadas por la euforia del guion antes que por el propio anhelo de diversión. Un poco de comedia, otro de melodrama lacrimógeno, una travesía algo accidentada con más altibajos de ritmo que buen humor.
El prólogo presenta a Audrey y Lolo en su niñez, en su primer encuentro en una plaza. Audrey es hija adoptiva de padres blancos, Lolo es hija de inmigrantes chinos en Estados Unidos. Juntas afrontarán la adolescencia y forjarán un vínculo de amistad y resiliencia pese a sus personalidades dispares. Audrey es disciplinada y estudiosa, Lolo está siempre a un paso de la sanción. En el presente, Audrey (Ashley Park) es una abogada responsable y trabajadora, a punto de convertirse en socia de un estudio importante si logra cerrar un acuerdo en China. Lolo (Sherry Cola) es artista free lance, vive en el garaje de Audrey y espera triunfar con sus esculturas genitales. Pese a las diferencias, son las mejores amigas. Y la oportunidad de celebrar esa amistad llega con el viaje de trabajo a China, en el que Lolo oficiará de traductora y llevará como mascota a “Ojitos” (Sabrina Wu), una prima algo antisocial que trae a Audrey malos recuerdos. En Pekín el trío se convierte en cuarteto cuando Audrey suma a Kat (Stephanie Hsu), su compinche de la universidad, ahora convertida en estrella de telenovelas.
Lo que parece un grupo heterogéneo se convierte en una sumatoria de arquetipos equilibrados para llevar adelante el caos prometido. Por ello desde que desembarcan en China pasará de todo: extravío de pasaportes, líos con un narcotraficante, vómitos y desmayos, sexo de a uno, dos y tres. Lo que China aporta como contexto no es más que una serie de tópicos usuales que refieren a la comida, el rol de la familia y las inmensas planicies del país sin trascender de la condición de decorado como en otras películas fueron Miami o Las Vegas. La identidad como eje de exploración que propone la veta melodramática no alcanza a desarrollarse más que en algunas escenas sensiblonas, que se tramitan con los reencuentros esperables y un constante reinicio de la fiesta interrumpida. Si bien varios de los gags resultan divertidos y la idea de chicas experimentando el sexo y la diversión sin tabúes ni pudores puede resultar liberadora, la amalgama entre comedia escatológica y melodrama maternal termina forzada dentro de un esquema ya desgastado al que se termina vistiendo con falsas emociones. 

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Reparo, una película delicada e intimista en un paisaje imponente
Ópera prima de la chubutense Lucía Van Gelderen, tiene un elenco sólido en el que destacan Florencia Torrente, Luciano Cáceres, María Ucedo y el experimentado músico Daniel Melingo.
Alejandro Lingenti
Reparo,
Reparo (Argentina-Chile/2022). Dirección: Lucía Van Gelderen. Guion: Lucía van Gelderen, Salvador Roselli. Fotografía: Alejandro Ortigueira. Edición: César Custodio. Elenco: Florencia Torrente, Luciano Cáceres, María Ucedo, Daniel Melingo. Duración: 85 minutos. Calificación: apta para todo público. 
Los recuerdos de un pasado entrañable en un paisaje imponente, los lazos familiares y amistosos, los intrincados caminos del amor. En todo eso pone el foco Reparo, ópera prima de la chubutense Lucía Van Gelderen estrenada en la última edición del Festival de Mar del Plata.
A los 30 años, Justina vuelve a Puerto Pirámides, un lugar donde vivió de niña y adolescente unas cuantas experiencias que la marcaron. El regreso coincide con un suceso que, aunque ella no lo admita explícitamente, la inquieta: el casamiento de Patricio, un ex novio con el que todavía parecen quedarle cuentas pendientes. Mientras gestiona como puede esa novedad que la incomoda, ayuda a la hermana de su madre (ya fallecida) en un pequeño restaurante y entra de nuevo en contacto con personas y lugares que indudablemente la marcaron y forjaron su identidad.
Tanto Florencia Torrente como Luciano Cáceres, María Ucedo y Daniel Melingo (un músico siempre ajustado en sus trabajos actorales) aportan sensibilidad y aplomo en sus roles. La trama de la película es sencilla y fluida. Y el entorno, ideal para el tono melancólico de la historia.
Lugar conocido por el avistaje de ballenas que atrae a turistas de todo el mundo, Puerto Pirámides también suena de una manera especial: el mar, viento, la aparición intermitente de esos cetáceos gigantes, un rumor muy particular que también juega un rol importante en el relato y que escuchamos de fondo mientras la protagonista toma conciencia del paso del tiempo y de los cambios que inevitablemente debe enfrentar y asumir.

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Sobrio retrato de un costado poco conocido de la Segunda Guerra Mundial
Milagros AmondarayEl caso Cioma Schönhaus
EL FALSIFICADOR (DerPassfalscher,alemania/2022). Dirección y guion: Maggie Peren. fotografía: Christian Stangassinger. eDición: Robert Sterna. elenco: Louis Hofmann, Jonathan Berlín, Luna Wedler, Nina Gummich, André Jung. Duración: 116 minutos. Distribución: CDI Films.
El flamante largometraje de Maggie Peren toma como punto de partida el caso de Cioma Schönhaus, un joven judío quien, en plena Segunda Guerra Mundial, emplea una identidad falsa para no ser capturado por el régimen nazi. En esa búsqueda incansable por la supervivencia, Cioma advierte que tiene la capacidad para falsificar pasaportes y documentos y, así, permitir que aquellos que viven con temor puedan encontrar un refugio seguro.
En este punto, Peren, también responsable del guion, no toma demasiados riesgos en el momento de retratar lo que llevó a cabo su protagonista (una hazaña que se reduce a una placa final un tanto perezosa), y su enfoque de la cotidianidad de Cioma y su mejor amigo no se aleja nunca de la sobriedad. En algunos tramos, la decisión funciona a favor de la película, especialmente cuando se presenta una urgencia dramática en el relato, a medida que los movimientos del protagonista empiezan a ser puestos bajo la lupa. La cineasta no apela a los golpes bajos y, a través de acertadas elipsis, genera secuencias poderosas y angustiantes en las que el joven protagonista debe permanecer impertérrito mientras todo a su alrededor empieza a desmoronarse. Por lo tanto, aunque a El falsificador le falte fuerza y le sobren escenas vinculadas al interés romántico de Cioma, al llegar el desenlace, la interpretación de Louis Hoffman (más reconocido por su rol en la serie Dark) va adquiriendo matices que tienen su correlato con el contexto claustrofóbico en el que su personaje intenta pasar inadvertido, con el pánico omnipresente

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La nueva entrega de una irregular épica animada japonesa

Martín Fernández CruzSaga animé
SWORD ART ONLINE, LA PELÍCULA: PROGRESSIVE SCHERZO DE UNA PROFUNDA OSCURIDAD(JaPón/2022) Dirección: Ayako Kono. Guion: Yukito Kizawa. música: Yuki Kajiura. elenco: Yoshitsugu Matsuoka, Haruka Tomatsu. DistribuiDora: UIP. Duración:100 minutos.
Bajo el kilométrico título Sword Art Online, la película: Progressive Scherzo de una profunda oscuridad, el film gira alrededor de Kirito y Asuna, héroe y heroína de una saga que comenzó hace más de veinte años, y que se desarrolla en novelas, videojuegos e historietas. En esta aventura, los protagonistas deberán hacerle frente a un poderoso monstruo que esconde en su interior una poderosa lanza. Y aunque es evidente que la trama no pretende inventar la pólvora, el atractivo de Sword Art Online se apoya en que se trata de un mundo de brujerías y caballeros, en el que los personajes son jugadores de un RPG (por Role Playing Game), estos juegos en los cuales los participantes aumentan sus capacidades de combate y armamento a medida que superan a monstruos cada vez más grandes.
El de los RPG es un género muy popular en Japón, y la saga de Sword Art Online es una de las que mejor trasladó al campo de las historietas y la animación la lógica de esos videojuegos. Frente a la inmensidad de esta franquicia, la inevitable pregunta es si los no iniciados en este mundo pueden encontrar atractivo a este título. Y la respuesta es que no. Pero el verdadero problema no es necesariamente desconocer los códigos del RPG, sino que el film en sí mismo tiene una despareja narración que no construye un vínculo con el espectador. Que el largometraje resulte apático en la mayoría de sus pasajes no es responsabilidad de la saga Sword Art Online, sino de una perezosa dirección y de un guion que solo busca monetizar una trama irregular, contextualizándola bajo el ala de una franquicia millonaria

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Una fábula entre infantil e incendiaria sobre madres e hijas
Vázquez Prieto PaulaAdèle Exarchopoulos
LOS CINCO DIABLOS
(Les cinq diabLes, Francia/2022). dirección: Léa Mysius. Guion: Léa Mysius, Paul Guilhaume. FotograFía: Paul Guilhaume. edición: Marie Loutalot. eLenco: Adèle Exarchopoulos, Sally Dramé, Swala Emati, Moustapha Mbengue, Patrick Bouchitey, Daphne Patakia. caLiFicación: apta para mayores de 13 años con reservas. distribuidora: Zeta Films-Mubi. duración: 103 minutos.
Una mujer divisa su futuro entre las llamas de un incendio. Esa idea funciona como preámbulo de Los cinco diablos, segunda película de Léa Mysius, directora francesa que ya había asomado a la luz pública con su debut en Ava (2017), premiada en la Semana de la Crítica en Cannes y convertida en un inesperado éxito en su país (está disponible en Mubi).
Guionista de directores como Arnaud Desplechin, André Techiné, Jacques Audiard y Claire Denis, Mysius vuelve a ser reconocida en el festival francés con Los cinco diablos, esta vez en la Quincena de Realizadores de 2022, donde se afirma con una mirada propia sobre las relaciones entre madres e hijas, las tensiones raciales en la sociedad francesa y el mundo de los sentidos como fructífero camino hacia la creación. Filmando en 35 milímetros con texturas que cristalizan los contrastes de la luz y la oscuridad, el espesor del pasaje y la magia que aguarda bajo el registro de la realidad, la directora consigue capturar aquello que parece ajeno al cine, la memoria escondida en los olores y las fantasías que agitan a sus personajes, en el caos que preludia a toda pasión. A sus ocho años, Vicky (Sally Dramé) vive con sus padres en un pequeño pueblo bajo la silueta de los Alpes franceses. Joanne (Adèle Exarchopoulos), su madre, fue una promisoria gimnasta en su adolescencia y hoy es guardavidas e instructora de natación, explorando su anhelo de trascendencia en sus travesías por el lago helado de la región. Hostigada por sus compañeros de colegio debido a su color de piel, Vicky recoge en pequeños frascos fragmentos de un mundo privado, secreto y resistente a las agresiones. Los olores que atesora, esquivos y peligrosos, resultan pequeños puentes a la memoria de sus poseedores. Es el olor de su madre el que conserva con mayor cuidado, el último tesoro de su colección. La intempestiva llegada de Julia (Swala Emati), la hermana de su padre que había sido desterrada del pueblo hacía diez años, enfrenta a Vicky con nuevos aromas y descubrimientos, a extraños viajes hacia el pasado que revelan del presente su oculto significado. Los cinco diablos recupera por fin la asombrosa potencia de una actriz como Adèle Exarchopoulos, quien había aparecido –curiosamente hace diez años– en La vida de Adèle (2013) y luego se extravió en películas que no estuvieron a su altura. Mysius explora con astucia el potencial enigmático de la expresión de la actriz ya desde la primera escena, frente a las llamas de un incendio que sintetiza el rumbo de su vida. Y luego la filma distante y algo glacial con esa hija que la venera sin entenderla del todo, que huele en su rastro un posible origen en el que sentirse más querida.
Con su extraño pendular entre presente y pasado, entre el mundo real y la magia de la imaginación infantil, Los cinco diablos recorre las distintas aristas de la relación entre una madre y una hija (eje también de Ava) y los ecos trágicos de un renunciamiento, siempre desde la misma materia de sus sentidos, esquivos como el olfato al registro cinematográfico, pero cautivos en el territorio sensible de su persistencia.

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ESTRENOS DE CINE

Los cinco diablos.
Una fábula entre infantil e incendiaria sobre madres e hijas
Ferreirós HernánUna épica ochentosa con elevadas dosis de humor
CALABOZOS Y DRAGONES: HONOR ENTRE LADRONES
(dungeons & dragons: Honor Among Thieves, Estados Unidos/2023). dirección: Jonathan Goldstein y John Francis Daley. guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley y Michael Gillio. FotograFía: Barry Peterson. edición: Dan Lebental. Música: Lorne Balfe. eLenco: Chris Pine, Michelle Rodriguez, Hugh Grant, Regé-Jean Page, Justice Smith, Sophia Lillis, Chloe Coleman, Daisy Head y Jason Wong.guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley y Michael Gillio. FotograFía: Barry Peterson. edición: Dan Lebental. Música: Lorne Balfe. distribuidora: UIP. duración: 134 minutos. caLiFicación: Apta para mayores de 13 años.
Calabozos y dragones es el más famoso y, a 49 años de su lanzamiento, uno de los más viejos juegos de rol, ciertamente el primero en incorporar elementos de fantasía a su mundo. En 2000, la alquimia de Hollywood lo transformó en un film con Justin Whalin y Marlon Wayans que interpretan a dos ladrones de poca monta y con Jeremy Irons en su primer rol como mercenario (en su carrera; en la película aparece 15 minutos haciendo de un hechicero llamado Profion).
La adaptación fue un rotundo y merecido fracaso que, sin embargo, generó dos secuelas rodadas sin actores reconocibles fuera de su núcleo familiar y que nadie esperaba ni necesitaba: una de ellas se estrenó directamente en TV y la otra solo en video. Como se ve, este rebooteo de la franquicia no tiene la más ilustre de las estirpes y, sin embargo, no solo no decepciona (aunque esto era difícil dada la profundidad del sótano en el que estaban las expectativas) sino que hasta sorprende con un ingenio y brío ausente en toda su genealogía.
Los responsables de sus méritos son indudablemente los guionistas y directores Jonathan Goldstein y John Francis Daley, el mismo equipo creativo que se hizo cargo del “rebooteo” de Spiderman con Tom Holland. Es hoy inevitable que un film de acción y fantasía dirigido al público juvenil, que es como se autoperciben los jugadores de juegos de rol aunque hayan comenzado en la actividad en 1974, tenga algo de película de superhéroes, tal es el virus que Marvel esparció por toda la industria. Sin embargo, esta historia se permite abrevar en otras fuentes para construir a sus personajes y sus circunstancias, como la mitología de El señor de los anillos, el humor de La princesa prometida o el vértigo de las Indiana Jones. No hay una gran dosis de originalidad en su creación, pero la recombinatoria de elementos está hecha con competencia y precisión, como no es frecuente en la cuarta iteración de un pretendido blockbuster.
La historia es clásica en el sentido de que recurre, como buena parte del cine actual de superhéroes, a cada una de las funciones narrativas que se encuentran en el cuento popular desde la edad media: el héroe que pierde un objeto mágico, el antagonista que se apodera de tal objeto, la búsqueda de ayudantes para la gesta heroica, el destinatario que recibirá el beneficio de tal acción, etc. Con nombres propios, la historia es así: Edgin (Chris Pine) es un vividor de buen corazón que, tras el asesinato de su esposa, debe criar a su hija Kira (Chloe Coleman), a quien eventualmente pierde a manos del villano Forge (Hugh Grant, canalizando a su personaje de Paddington 2). Para revivir a su mujer y recuperar a su hija debe encontrar la Tabla de la Resurrección, pero antes de eso también el Casco de la Disyunción. Para tamañas tareas cuenta con la ayuda de la bárbara (como gentilicio y como calificativo) Holga (Michelle Rodriguez) y de un grupo variopinto de pícaros y hechiceros a los que recluta a medida que avanza su derrotero hasta llegar a la gran batalla final contra la maga roja Sofina (Daisy Head), un dragón con sobrepeso y otras fuerzas del mal.
La película va más allá de la aplicación mecánica de estos dispositivos y se encarga de potenciarlos con un ritmo narrativo que no decae y elevadas dosis de humor entre inventivo e irreparablemente idiota que no siempre da en el blanco pero contribuye eficazmente a incrementar el carisma de los personajes. Como en Indiana Jones, muchos problemas son resueltos a través del bienvenido humor antes que con las reglas que se impone a sí mismo este mundo. Una escena en la que el protagonista malgasta torpemente las únicas cinco preguntas que puede formularle a un muerto tras un trabajoso trabajo de resurrección resulta especialmente efectiva. No solo no es necesario conocer nada de la extensa mitología de Calabozos y dragones para disfrutar de este film, sino que dada su inspiración recurrente en el cine de los 80, es probable que resulte incluso más atractivo para quienes nunca lo jugaron

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Estrenos de cine

Rock Dog 3 se destaca en los momentos musicales pero falla como film de aventuras
La película familiar de Anthony Bell muestra la veta más despiadada de la industria musical, pero sus escenas a gran escala carecen de fuerza
Milagros Amondaray
Rock Dog 3, estreno del jueves
Rock Dog 3: rockeando juntos (Rock Dog 3: Battle the Beat, Estados Unidos/2022). Dirección: Anthony Bell. Guion: Rob Muir. Edición: Richard Finn, Stan Webb. Música: Richard Evans, Matthew Gerard, Matt Mahaffey. Voces: Graham Hamilton, Ashleigh Ball, Andrew Francis, Eddie Izzard. Distribuidora: BF + Paris Films. Duración: 90 minutos. 
La saga animada de Rock Dog — hasta el momento, una trilogía, pero con la puerta abierta para más entregas — fue alterando su equipo con cada film y esos cambios bruscos se fueron reflejando en las diversas historias protagonizadas por Bodi, el perro protagonista cuyo sueño siempre fue el de abrirse paso en la industria musical. El primer largometraje fue el más logrado, con un director interesante como Ash Brannon (Reyes de las olas), y con las voces en su versión original de J.K. Simmons, Sam Elliott, Matt Dillon y Luke Wilson, como el perro rockero.
En 2021 llegó su secuela, Renace una estrella, con Mark Baldo como realizador, voces renovadas (Wilson se fue para no volver) y la historia de Alec Sokolow, coguionista de Toy Story, centrada en la concreción del anhelo de Bodie y su alejamiento del entorno familiar, una comedia musical sin demasiadas aspiraciones que se quedaba a mitad de camino entre la crítica a la industria y el abordaje sentimental de la relación del perro con sus seres queridos.
La flamante Rock Dog 3: rockeando juntos presenta, otra vez, modificaciones en su tándem, con Anthony Bell (Adult Swim) como director de esta entrega que tiene una primera hora muy atractiva, con Bodi sumándose como jurado y coach a un cruel certamen de canto y su lucha por hacerles encontrar “la armonía en la música” a las integrantes de una girl band que perdió el rumbo. La propuesta, aggiornada para los tiempos que corren, cuenta con canciones pegadizas y diatribas filosas sobre la complejidad de ser genuino cuando se fomenta lo prefabricado. Sin embargo, sobre el final, Rock Dog 3 cae al incluir caprichosamente escenas de aventura que no aportan demasiado y que estiran el metraje más de lo necesario.

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Estrenos de cine

Llaman a la puerta, un recargado manual de instrucciones para enfrentar el apocalipsis
La nueva película de M. Night Shyamalan es un relato de suspenso lineal, narrado con la elegancia habitual del realizador, pero con demasiadas explicaciones que corroboran sin necesidad todo lo que estamos viendo
Marcelo Stiletano
Llaman a la puerta, estreno del jueves
Llaman a la puerta (Knock at the Cabin, Estados Unidos-China/2023). Dirección: M. Night Shyamalan. Guion: M. Night Shyamalan, Steve Desmond y Michael Sherman, basado en la novela de Paul Tremblay. Fotografía: Jarin Blaschke y Lowell A. Meyer. Música: Herdís Stéfansdottir. Edición: Noemi Katharina Preiswerk. Elenco: Dave Bautista, Jonathan Groff, Ben Aldridge, Kristen Cui, Nikki Amuka-Bird, Abby Quinn, Rupert Grint. Duración: 100 minutos. Distribuidora: UIP. Calificación: solo apta para mayores de 13 años con reservas.
Nadie puede negarle a M. Night Shyamalan su condición de artista honesto y transparente. Jamás dejó de mostrar todas sus cartas en una carrera que lleva ya quince películas, con la irregularidad como marca más visible. En todas ellas, desde las más logradas (Sexto sentido, El protegido, La aldea, Señales, Los huéspedes) hasta las decepcionantes (El último maestro del aire, La dama en el agua, Viejos, Después de la Tierra) están todo el tiempo a la vista las preocupaciones ecológicas, la inquietud existencial sobre el destino del planeta y de la humanidad como especie, la necesidad del diálogo y de la comprensión entre las personas inclusive en las situaciones más aterradoras, la atención que siempre merecen los extraños o los distintos.
Shyamalan también parece haber abandonado ese toque mediante el cual logró que en sus primeras y rutilantes apariciones las películas con su firma fueran vistas como algo distinto a todo lo demás. Aquel giro sorpresivo que aparecía en un momento de la trama, de inmediato modificaba todo lo visto hasta allí y encaminaba las cosas hacia otro lugar ante la feliz perplejidad del espectador. Todo eso permanece solamente en el recuerdo y la atención de quienes siguen estudiando todavía con cierto asombro el primer (y mejor) tramo de su obra fílmica.
Llaman a la puerta es la muestra más contundente de las actuales convicciones de Shyamalan. En vez de aprovechar, como lo hacía en sus primeros films, el poder de la imagen, el lenguaje visual, los silencios y esas atmósferas llenas de inasibles amenazas que siempre salen de su imaginación, ahora siente una necesidad incontenible de salir a explicar todo lo que pasa (y que entendemos de sobra, porque lo estamos viendo) en los momentos menos adecuados.
Esto ocurre en un momento determinado de la trama después de que Shyamalan, con sus elegantes movimientos de cámara y un dominio absoluto de la acción, había logrado al principio construir genuino suspenso alrededor del eje básico del relato: una pareja gay y su pequeña hija adoptiva, de vacaciones en una cabaña rodeada de verde en un bello paraje boscoso, recibe la amenazadora visita de un cuarteto de desconocidos que plantean un reto casi terminal: un miembro de esa familia debe ser sacrificado para evitar la destrucción del planeta, expuesto a un espiral de catástrofes encadenadas que ya se puso en marcha.
El director debe haber llegado a la conclusión de que el mundo es demasiado peligroso como para dejar a los demás sin un manual de instrucciones sobre situaciones apocalípticas que sirva para calmar estados extremos de incredulidad o alarma. Shyamalan parece genuinamente preocupado por el estado actual del mundo, las visiones conspirativas sobre el futuro y los prejuicios de toda clase (empezando por la homofobia), pero expone toda esa angustia de la peor manera: despojándola en una trama lineal de cualquier clase de misterio o enigma y cargándola de explicaciones innecesarias. De todos los disparos que resuenan en esta película el más fuerte es el que el director destina a su propio pie.

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Estrenos de cine: La audaz y lírica Alcarràs confirma el singular talento de la catalana Carla Simón
La directora de Verano 1993 regresa con otra historia elegíaca, en este caso centrada en una familia que deja la agricultura ancestral del pueblo que da nombre a la película, atrapado en las redes del progreso, y comienza una lenta desintegración emocional y económica
Paula Vázquez Prieto
Alcarrás, estreno del juevesen salas y disponible también en Mubi
Alcarràs (España-Italia/2022). Dirección: Carla Simón. Guion: Carla Simón, Arnau Vilaró. Fotografía: Daniela Cajías. Edición: Ana Pfaff. Música: Andrea Koch. Elenco: Jordi Pujol Dolcet, Josep Abad, Anna Otin, Albert Bosch, Xènia Roset, Ainet Jounou. Calificación: apta para mayores de 13 años. Distribuidora: Zeta Films. Duración: 120 minutos. Disponible en: Mubi y en salas. Nuestra opinión: excelente.
Si Verano 1993 suponía la presentación del talento y la mirada de la catalana Carla Simón, Alcarràs la confirma como una de las directoras más importantes del cine español de la actualidad. Lúcida, audaz y profundamente emotiva, su película ahonda sobre la memoria de un país y su tierra a partir de personajes aferrados a sus raíces y al mismo tiempo tratando de trascender, y discute ese legado a la luz del presente, esquivando la tentación fácil de la nostalgia. Alcarràs es un salto hacia adelante en su universo, supone la madurez de una voz que ya asomaba con fuerza en su ópera prima, y resulta una película que expande la tradición realista del cine ibérico con una pulsión poética original.
La familia Solé habita en las afueras del pequeño pueblo de Alcarràs, dedicada a la agricultura y la recolección de frutas. Han llegado los cálidos aires del verano y los duraznos ya caen maduros de los árboles. Las voces superpuestas pueblan el lugar pero la que asoma con fuerza es la de Iris (Ainet Jounou), una niña atenta e imaginativa que juega en el campo con sus primos. En el frondoso mundo de sus creaciones, un viejo Citroën abandonado oficia de nave espacial, o de improvisado trasbordador hacia sus aventuras. Pero para sorpresa de los niños, una enorme grúa levanta su codiciado vehículo y se lo lleva junto con sus horas de juego.
Alcarràs (Zeta Films/Mubi).
La intempestiva desaparición del inmenso juguete y la voz de alerta de Iris anuncian la llegada de un inminente cambio: el final de una promesa que unía a los Solé con los dueños de la tierra y el arribo de la última recolección. Agricultores devenidos en cuidadores de paneles solares, dispuestos en esa tierra ahora concebida como depósito de un nuevo negocio rentable. Lo que filma Simón no es tanto la ominosa presencia de los dictados capitalistas, sino la erosión interna que sobreviene en la familia ante ese cambio; el hermano mayor que quiere sostener el legado de su padre, la hermana y su familia que prueban otros horizontes, los chicos y los viejos que intentan comprender un mundo que escapa a su voluntad y sus deseos.
Mientras tanto, los rituales del pueblo tiñen de colores esa inminente tristeza, revelan la convivencia de lo ancestral y lo moderno, una Cataluña vital y contradictoria. La cámara se acerca con firmeza a las texturas de ese universo, consiguiendo una poética atípica para el cine español, quizás heredada de los tiempos breves de Víctor Erice, de un ánimo más meditado que el feroz de aquella Escuela de Barcelona con Vicente Aranda y Bigas Luna a la cabeza. Simón se apropia de lo autobiográfico sin ninguna ingenuidad, lo recrea con temple y pasión, lo magnifica con única intuición.
Alcarràs (Zeta Films/Mubi).
Y Alcarràs descubre increíbles personajes, no solo Iris y sus primos –los mellizos con los que comparte travesuras– sino el extraordinario Quimet de Jordi Pujol Dorcet, hermético y testarudo, quien intenta sostener esa familia sobre sus espaldas, silenciar sus miedos, llorar en soledad sus pérdidas. En su aspereza, Quimet batalla lo inevitable con una rebeldía bienvenida. La tierra que lo sostiene es la misma que Simón delinea como suelo de batallas todavía no saldadas. Allí, en ese verde fértil, se fija su mirada; allí se engrandece su película.

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ESTRENOS DE CINE

Con dirección de Jean-François Richet
Alerta extrema: la catástrofe después de la tormenta
La película protagonizada por Gerard Butler satura tanto los niveles de irrealidad que la gracia acaba por colarse de manera tan inevitable como bienvenida.
Por Juan Pablo Cinelli


Plane, Reino Unido/Estados Unidos, 2023
Dirección: Jean-François Richet
Guión: Charles Cumming y J. P. Davis
Duración: 107 minutos
Intérpretes: Gerard Butler, Daniella Pineda, Mike Colter, Tony Goldwyn, Evan Dane Taylor, Paul Ben-Victor, Yoson An.
Estreno: Disponible en salas.
¡Ah, el cine catástrofe! Terremotos por acá, desastres climáticos por allá. Edificios que se incendian, aviones (muchos aviones) haciendo equilibrio entre “me caigo” y “no me caigo”. El actor escocés Gerard Butler ya había atravesado anteriormente varias de estas contingencias, pero hasta ahora nunca había estado en un avión que se cae. Bueno, dicen que para todo hay una primera vez. Y es que de eso se trata, al menos al principio, Alerta extrema. Acá Butler es el capitán Torrance, piloto de una aerolínea para la que realiza vuelos por las rutas del sudeste asiático y el Pacífico. Es la víspera de año nuevo y el capitán le promete a su hija, que vive en California, llegar a tiempo para brindar. Pero primero debe hacer un viajecito a Hawai que lo llevará a sobrevolar una tormenta, obligado por la compañía, para quienes un desvío equivaldría a un sobrecosto de varios miles de dólares. Como corresponde, la cosa no tarda en salir mal.
Igual que otras películas de accidentes aéreos, como El vuelo (2012) o Sully (2016), dicha contingencia es apenas un aperitivo para los problemas que se desatarán luego de la misma. A diferencia de los trabajos de Robert Zemeckis y Clint Eastwood, respectivamente, donde todo derivaba en entuertos legales tan insensatos como graves para sus protagonistas, acá el capitán Torrence, su tripulación y los pasajeros deberán enfrentarse a cuestiones más prosaicas. Porque quienes sobrevivan al impacto en una isla perdida en el inmenso mapa del océano, pronto descubrirán que ahí tampoco están a salvo.
Aunque Alerta extrema parte de presupuestos cuya sumatoria potencia el carácter absurdo del conjunto, debe decirse que la experiencia resulta aceptablemente divertida. La clave para explicar ese moderado éxito reside en que sus responsables manejan el crescendo de sinsentido de manera lúdica. Así, el capitán y sus laderos avanzan sobre la historia que el destino del guión les ha deparado como los personajes de un juego de video, superando niveles de dificultad creciente de manera gradual. Sin embargo, la película nunca llega al saludable extremo de poner en escena detalles que revelen la presencia del humor autoconsciente, que hubiera resultado un buen aporte. Aún así, Alerta extrema por momentos satura tanto los niveles de irrealidad que la gracia acaba por colarse de manera tan inevitable como bienvenida.
Además logra que cada segmento funcione bastante bien de forma unitaria. Es decir, Alerta extrema maneja el momento de la catástrofe con buen pulso, dosificando la tensión hasta explotar. Lo mismo ocurre cuando la cosa se convierte en un relato de pura acción. Se trata, en resumen, de una película que logra mantener vivo el querido espíritu de la clase B y, por lo tanto, pedirle originalidad equivaldría a un vanidoso exceso de purismo.

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ESTRENOS DE CINE

En Los Fabelman, Spielberg escribe su propia historia desde una memoria poética y amorosa
El realizador de E. T. y Tiburón rememora la década fundamental de su formación como cineasta, marcada por las tensiones entre su vocación artística y algunas complicaciones familiares
Marcelo Stiletano
Los Fabelman, estreno del jueves 
Los Fabelman (The Fabelmans, Estados Unidos/2022). Dirección: Steven Spielberg. Guión: Tony Kushner y Steven Spielberg. Fotografía: Janusz Kaminski. Música: John Williams. Edición: Sarah Broshar y Michael Kahn. Elenco: Michelle Williams, Paul Dano, Gabriel LaBelle, Seth Rogen, Jeannie Berlin, David Lynch, Judd Hirsch. Distribuidora: UIP. Duración: 151 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años. Nuestra opinión: excelente.
“Lo raro para mí es que no creía la verdad que me decían mis ojos. Solo creía lo que me decía la película. Y eso se convirtió en mi verdad para muchas cosas. Si la película me dijera la verdad creería que es un hecho”. Al hablar de Los Fabelman, Steven Spielberg nos dice una vez más, por si alguien todavía no lo sabe, que la única religión en la que cree de verdad es la del cine. Y lo afirma haciendo propia la clásica frase de Un tiro en la noche: “Esto es el Oeste, señor. Cuando la leyenda se convierte en hecho, imprima la leyenda”.
La leyenda, en el caso de Los Fabelman, es nada menos que la propia memoria personal que Spielberg, a los 75 años, revela de un modo que se parece mucho menos a un testamento que a una especie de expiación. De sus sabias manos nace un relato disfrutable como entretenimiento y lleno de poesía cada vez que regresa al lugar en el que se siente más seguro y protegido: el refugio familiar.
La vida de Spielberg no es otra cosa que un aprendizaje constante e incansable de lo que significa el cine como arte y entretenimiento. Así lo sugiere el documental en clave de biografía autorizada que lleva su apellido como título, disponible en HBO Max. Allí cuenta otra parte esencial de su propia historia personal: a los 16 años quiso abandonar su sueño de ser director después de ver Lawrence de Arabia y sentir que no estaba a la altura. Hasta que se convenció que las grandes películas empiezan y terminan con una única y decisiva pregunta: ¿quién soy yo?
El “otro yo” de Spielberg se llama Sam Fabelman. En la primera escena de esta película tiene apenas ocho años y está por entrar por primera vez en un cine. Le impresiona la sola idea de ver “personas gigantes” en la pantalla y encontrarse con sueños que pueden darle mucho más miedo que placer. Su padre, un hombre de ciencia (Paul Dano, extraordinario), trata de explicarle todo desde la razón, y su madre (la conmovedora Michelle Williams), una concertista de piano que dejó los anhelos de fama para consagrarse a su familia, lo persuade con palabras más cercanas a la emoción y a la magia.
Lo primero que el pequeño Sammy observa en la pantalla le dejará una marca de por vida. Es la escena del choque de trenes de El espectáculo más grande del mundo, de Cecil B. DeMille. Todo lo que aparecerá a partir de ese momento en este bello, catártico, emocionante, divertido e irresistible cuento (una fábula con los pies y la cabeza bien afirmados en la realidad) tendrá esa impronta. Las sencillas películas caseras surgidas de la imaginación de Sammy, las vivencias familiares de las que es testigo y protagonista y los distintos planos de su educación, la formal y la sentimental, poseen esa grandeza.
Gabriel LaBelle y Michelle Williams en una escena de Los Fabelman, película que cosechó siete nominaciones al Oscar
Primero, porque son los recuerdos más poderosos de una década decisiva (de 1952 a 1964) en la formación del joven Sammy, o el joven Spielberg, que es lo mismo. Y segundo, porque adquieren sentido y se engrandecen todavía más cuando interpelan a un espectador que el Spielberg director imagina curioso, comprometido y atento al detalle. En el fondo, lo que quiere es que en algún momento quienes vemos la película nos preguntemos, como él, dos cosas: qué nos pasa cuando sentimos que la vida es mucho más complicada de lo que imaginamos, cuáles son los misteriosos mecanismos que ponen en juego una tensión entre familia y arte que puede durar toda la vida. Aquí está, nos dice Spielberg, la pregunta más importante de todas, expuesta en una breve y memorable escena concebida para el lucimiento de Judd Hirsch.
A Sammy (interpretado con genuina pureza desde la adolescencia por Gabriel LaBelle) lo vemos cada vez más deslumbrado por el cine, aprendiendo de a poco a narrar y a montar películas. Mientras tanto se enfrenta por primera vez al antisemitismo y sobre todo descubre una verdad inesperada que desgarra a su familia y lo lleva siempre a ponerse del lado de su amorosa e inestable madre.
La leyenda empieza a imprimirse en múltiples pantallas (la real, la simbólica, la que se multiplicará en el futuro) cuando Sammy llegue finalmente a Los Angeles (a su Oeste) y se sienta más seguro que nunca sobre su destino tras un revelador encuentro dentro de un estudio de cine. No se habla en Los Fabelman de Lawrence de Arabia y tampoco hay huellas de la complicada historia política y social de Estados Unidos en esa década. Spielberg nunca eludió el compromiso con la realidad en sus películas, pero aquí nos cuenta otra cosa. Y lo hace a partir de la pregunta que lo convirtió en director: ¿quién soy yo?

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Un amor que parece imposible pero se vuelve real, más allá de las diferencias
Alejandro LingentiFanny Ardant, la estrella francesa que brilla en el film
Los jóvenes amantes
(Les jeunes amants, Francia/2021). Dirección: Carine Tardieu. Guion: Solveig Anspach, Agnès de Sacy, Carine Tardieu. FOTOGRAFÍA: Elin Kirschfink. EDICIÓN: Christel Dewynter. ELENCO: Fanny Ardant, Melvil Poupaud, Cécile De France, Florence Loiret-Caille, Sharif Andoura, Sarah Henochsberg, Martin Laurent, Olenka Ilunga, Manda Touré, Julia Gómez, Corey McKinley. Duración: 108 minutos. CALIFICACIÓN: apta para mayores de 13 años.
La historia que cuenta esta película francesa es inusual: un médico (Melvil Poupaud) se enamora de una mujer que le lleva unos veinte años (Fanny Ardant, que hoy tiene 73 y en el film interpreta a una arquitecta jubilada), a la que había visto solo una vez, mucho antes de caer en ese embrujo definitivo. El doctor tiene esposa e hijos, pero el flechazo es inapelable: muy pronto contará la verdad e intentará que esa relación iniciada furtivamente se consolide. El contexto no es sencillo: además de la crisis familiar que desata la noticia, el vínculo empieza a tambalear muy pronto.
No es falta de deseo lo que experimenta ella, ya muy acostumbrada a una vida en solitario y sorprendida por la aparición de ese romance intenso cuando claramente no lo esperaba. La indecisión parece más motivada por los prejuicios sociales que normalmente sobrevuelan un caso así y por una inseguridad personal que la conduce a la fría incredulidad. El planteo de la historia es interesante: ¿no puede una septuagenaria tener aspiraciones amorosas con alguien más joven? Y el film responde el interrogante con sutileza, con discreción, sin declamaciones.
Originalmente, quien trabajaba en el proyecto de este largometraje estrenado en 2021 en el Festival de Roma era la islandesa Solveig Anspach, cineasta que desarrolló la mayor parte de su carrera en Francia. Falleció en 2015, a los 54 años: Los amantes jóvenes está dedicada a ella. Antes de morir, Anspach manifestó su voluntad de que la película alguna vez se rodara y estrenara. Tomó la posta la parisina Carine Tardieu, cuyo interés principal fue, según sus propias palabras, “reflejar la presión que sufren las mujeres en la lucha contra el tiempo y contra su cuerpo”.
En el guion original había un desnudo frontal del personaje de Ardant que Tardieu y la propia actriz prefirieron suprimir. Sí se conservó, en cambio, una escena en la que la protagonista comparte una jornada en un natatorio con varias mujeres de su edad, todas con los cuerpos marcados por el paso del tiempo pero también embargadas por una alegría palpable que solo pueden disfrutar cuando están protegidas de la presión social.
Es una mirada atenta y amorosa de la directora y uno de los pasajes más emotivos de una película pensada principalmente para el lucimiento de una estrella –Ardant, una gran profesional que trabajó a lo largo de su extensa trayectoria con directores como François Truffaut, Alain Resnais, Ettore Scola y Sidney Pollack–, pero que además cuenta con muy buenos intérpretes de reparto, en especial Cécile de France, la magnífica actriz belga que Clint Eastwood convocó para Más allá de la vida (2010) y que brilló en El niño y la bicicleta (2011), de los hermanos Dardenne.
Le toca encarnar a una mujer despechada que igual logra reaccionar con valentía y entereza cuando se da cuenta de que aquello que parecía imposible se vuelve inevitablemente real. Y lo hace con una sensibilidad que conmueve, complementando a la perfección la que Ardant deja traslucir en cada una de sus apariciones.

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Cómo dinamitar el concepto de “familia funcional”
Milagros AmondarayCecilia Roth y Dolores Fonzi, madre e hija
LAS FIESTAS
ARGENTINA/2021). Dirección: Ignacio Rogers. guion: Ignacio Rogers, Julieta Zylberberg, Esteban Lamothe, Ezequiel Díaz, Alberto Rojas Apel. FOTOGRAFÍA: Guillermo Saposnik. EDICIÓN: Manuel Ferrari. MÚSICA: Pedro Onetto. elenco: Cecilia Roth, Dolores Fonzi, Daniel Hendler, Ezequiel Díaz, Margarita Israel Gurman, Maitina De Marco. DISTRIBUIDORA: Star Distribution. DURACIÓN: 89 minutos.
María Paz (Cecilia Roth) se despierta tras una larga internación por complicaciones de una afección cardíaca y lo primero que verbaliza después de tranquilizar a sus hijos es que se siente diferente. “¿Diferente?”, le preguntan los tres con cierta incredulidad y desconcierto ante el calificativo elegido para describir un momento crucial: nada menos que el despertar a la vida. En lugar de repetir lo que ella está aseverando, lo cuestionan, como si no fuera posible que esa mujer, luego de esa experiencia cercana a la muerte, pudiese mostrarse distinta.
En esa primera secuencia en la que los personajes principales de Las fiestas están reunidos (en ese caso, en la habitación de un hospital, en contraste con un final a cielo abierto) notamos la disfuncionalidad de esa familia no solo por esa interpelación a la madre sino también por las miradas y la forma en la que cada uno se va acercando al otro. Allí están esas dos hermanas que tienen una relación más estrecha (interpretadas por Dolores Fonzi y Ezequiel Díaz), ese hermano que intenta acercar a las partes y conciliar (Daniel Hendler) y esa mamá que se presenta como un y que es personificada por Roth, en un gran trabajo de manifestaciones subrepticias.
Luego de su debut como cineasta con El diablo blanco –donde Díaz también fue protagonista–, Ignacio Rogers ratifica con su segundo largometraje (exhibido el año pasado en la 37a. edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata) que sabe cómo fusionar los géneros con esa oscilación entre la comedia familiar costumbrista, ciertos pasajes de humor negro y algunos tramos dramáticos, con el agregado de un manejo de la tensión que, in crescendo, sobrevuela esa convivencia del cuarteto en la quinta en las afueras de la ciudad, donde María Paz invitó a sus hijos a pesar de percibir su reticencia (pero sin asumirla del todo).
Con un guion concebido por Rogers, Díaz, Julieta Zylberberg, Esteban Lamothe y Alberto Rojas Apel, Las fiestas toma la convención de cómo, en el marco de la previa a Navidad, las internas de una familia se ponen de manifiesto cuando el ocio juega su parte. El requerimiento de María Paz, un personaje que contempla en silencio para luego lanzar una daga disruptiva en esa calma aparente, es lo que permite que sus hijos la enfrenten cuando pueden correrla del lugar de víctima.
En ese punto se lucen las secuencias en las que Roth, Fonzi, Díaz y Hendler están juntos en escena. Los actores aportan una naturalidad a personajes que se necesitan mutuamente para manejar conflictos y crisis existenciales de las que no hablan demasiado, pero cuyo peso cargan hasta la inevitable implosión. En el centro de esas rispideces de los hermanos está siempre esa madre, a la que Rogers filma en penumbras a lo lejos o bien con la luz natural invadiendo un rostro de expresiones indescifrables. No hay término medio para esa mujer que, con su conducta pasiva-agresiva, se preocupa por sus hijos, pero también los manipula con frases de manual, reconocibles, el pilar de los instantes donde prima la comedia y donde Rogers navega más cómodo: en el registro de las imperfecciones que pueden hallarse en cualquier reunión familiar.

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Hasta los huesos apuesta a la transgresión pero se queda en el sentimentalismo
El film de Luca Guadagnino, nuevamente con Timothée Chalamet ancla su universo en las carreteras abiertas por los beatniks y perseguidas por los outsiders del Nuevo Hollywood; el nervio y corazón, sin embargo, son reemplazados por un horror estilizado
Paula Vázquez Prieto
Hasta los huesos
Hasta los huesos (Bones and All, Estados Unidos-Italia/2022). Dirección: Luca Guadagnino. Guion: David Kajganich, Camille DeAngelis. Fotografía: Arseni Khachaturan. Edición: Marco Costa. Elenco: Taylor Russell, Timothée Chalamet, Mark Rylance, Chlöe Sevigny, Jessica Harper, Michael Stuhlbarg, David Gordon Green. Distribuidora: Warner Bros. Duración: 131 minutos. Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas.
Es raro pensar a Luca Guadagnino como un cineasta de cuño italiano, más allá de algunos tópicos geográficos o referencias culturales que asoman en sus anteriores películas. Su obra se ha abierto al mundo y, en ese gesto, su mirada recoge el derrotero de personajes que asumen caminos arriesgados, fuera de la norma, de la comodidad de la integración. Las infracciones de sus criaturas siempre merecieron el corazón de sus historias: el amor infiel de Tilda Swinton en El amante (2009), la pasión y el crimen en la explosiva remake de La piscina de Jacques Deray, A Bigger Splash (2015); el deseo prohibido como afirmación de la identidad en Llámame por tu nombre (2017), el acceso a lo sagrado a partir de la zona oscura del alma en Suspiria (2018). En todas ellas el destello de la antigua tierra del imperio romano latía de manera persistente como un intento de apegarse al origen: el recuerdo del giallo, la geografía lombarda, la decadente burguesía milanesa.
Hasta los huesos implica nuevas texturas y tradiciones en el seno de una América salvaje. Si bien el germen de la historia es la novela de Camille DeAngelis, Guadagnino ancla su universo en las carreteras abiertas por los beatniks y perseguidas por los outsiders del Nuevo Hollywood, un territorio de viaje y búsqueda sin destino. Por ello el comienzo de su película evoca ese entorno sensual e inhóspito para Maren (Taylor Russell), el que la invita a transgredir el encierro impuesto por su padre, a escaparse a una celebración de su instinto y su prohibición. La aventura comienza con el encuentro de su propia esencia, esa condición de “devoradora” que parece impronunciable incluso para los propios, los iguales que descubre en el camino, ejercitando el olfato y esa pertenencia irrenunciable.
Hasta los huesos (Warner Bros.)Yannis Drakoulidis / Metro Goldwyn Mayer Pictures
Lo mejor de Hasta los huesos se halla en la cercanía de Maren, más que en las escenas de canibalismo concebidas con ese esteticismo que el director le impuso al horror desde su ejercicio de estilo en Suspiria. Un momento de impacto, de sangre y vísceras, cercenado por el montaje luego del tiempo justo, que quiere (pero le da un poco de vergüenza) provocar de manera directa a su espectador. En cambio, al seguir a Maren de cerca, al tentar sus propios deseos y descubrimientos, la película alcanza esa magia que persigue sin descanso, y que pretende hallar en la gesta de un romance al que modela en las coordenadas de la literatura adolescente de moda.
Hasta los huesos (Warner Bros.)Yannis Drakoulidis / Metro Goldwyn Mayer Pictures
La convicción de Guadagnino de convertir a Timothée Chalamet en la sagrada estrella de este Hollywood alicaído le juega una mala pasada, lo lleva a filmarlo como el caníbal melancólico en postales de horizontes, con el rostro bañado en sangre, siempre en composé cromático. Y esa insistencia en alcanzar profundidad con mero sentimentalismo limita la fuerza de sus mejores escenas, aquellas –como la de la fogata con dos extraños que recuerda a Easy Rider; o la tensa comunión entre Maren y su maestro Sully, interpretado por el genial Mark Rylance- jugadas en el límite de la conexión con los propios y el miedo a los ajenos.
Hasta los huesos inviste a sus trágicos protagonistas de un horror estilizado que por momentos confunde con la poesía, y que retiene el nervio y la fuerza que hubiera alcanzado en un retrato más implacable y descarnado.

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Invitación a la aventura con imágenes deslumbrantes
Marcelo StiletanoApasionante viaje en el tiempo
Un mUndo extRaño
(STRANGE WORLD, ESTADOS UNIDOS/2022).
DIRECCIÓN: DON HALL. GUIÓN: Qui Nguyen. música: Henry Jackman. edición: Sarah K. ReimeRs.
VOCES ORIGINALES: Jake Gyllenhaal, Dennis Quaid, Gabrielle Union, Jaboukie Young-White.
DISTRIBUIDORA: Buena Vista. dURación: 102 minutos.
CALIFICACIÓN: apta para todo público.
Un mundo extraño es la más explícita invitación a la aventura surgida en los últimos años de las usinas creativas de Hollywood dedicadas a la animación a gran escala. Lo hace desde la simpática, colorida y nostálgica presentación de algunos de los personajes centrales en los títulos iniciales. Allí está el experimentado e intrépido explorador Jaeger Clade, con la eterna misión del hombre de descubrir “lo que hay del otro lado” de Avalonia, el lugar en el que viven. Su hijo Searcher, en cambio, prefiere no ir demasiado lejos.
El relato salta en el tiempo a un cuarto de siglo después, cuando Searcher ya es padre de una familia interracial y además exitoso agricultor en una comunidad autosuficiente. Posee tierras ricas y fértiles que se alimentan de una extraña materia prima capaz de aportar al suelo una fuente de energía completamente libre de contaminación. Hasta que una anomalía inesperada en el funcionamiento hasta allí virtuoso de esa cadena ecológica lo obliga al hombre a seguir los pasos del hombre que le dio vida y a quien nunca está dispuesto a ver como ejemplo.
Hasta ese momento, salir al mundo no tenía sentido. El propio Searcher había descubierto esa milagrosa materia prima llamada Pando en su travesía iniúltimo cial. ¿Para qué sirve ir a buscar algo lejos de casa si todo lo que sirve lo tenemos a nuestro alcance?, era la pregunta obligada que se hacía Searcher, hasta que se derrumbaron todas sus certezas. Ahora le toca enfrentar una encrucijada inédita frente a la mirada de su propio hijo adolescente.
Este viaje de Searcher y sus seres más cercanos en busca de una solución a la crisis que amenaza con convertir para siempre al lugar en que viven en una tierra yerma estará lleno de descubrimientos. Mucho antes de encontrar un remedio posible se encontrarán con geografías y seres increíbles, exóticos y coloridos, desde dinosaurios sin cabeza hasta una especie de masa gelatinosa de aspecto voluble que muestra una inesperada sensibilidad. Splat, tal el nombre de este ser tan extraño, no tarda en ganarse la simpatía del grupo expedicionario y transformarse en el personaje más querible del relato.
La travesía, visualmente deslumbrante, nos trae todo el tiempo reminiscencias de películas de memoria bastante lejana (Viaje fantástico, El planeta del tesoro)o más reciente (John Carter), como si alguien quisiera recuperarlas y armar con ellas un álbum retrospectivo de aventuras legendarias y casi imposibles. Además de los innumerables obstáculos naturales que enfrentan los personajes, la narración tropieza con algunos ripios. Hay explicaciones excesivas sobre asuntos relacionados con la paternidad que bien podrían haberse resuelto mucho mejor desde la acción. Y también un esfuerzo extra por darle cierta naturalidad a algunos temas (la diversidad, el cuidado del medio ambiente), que según los mandatos actuales no deberían faltar en cualquier película animada de estos tiempos. La versión con las voces originales (se destacan Dennis Quaid y JakeGyll en ha al) ayuda a que el espíritu aventurero prevalezca.

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El muñeco de madera, en una versión entre tierna y macabra
Pablo De Vita.Gran animación artesanal
Pinocho, de Guillermo del Toro
(Guillermo del Toro’s Pinocchio, esTados unidos-méxico, 2022) dirección: Guillermo del Toro y Mark Gustafson. Guión: Guillermo del Toro, Patrick McHale y Matthew Robbins basado en el libro de Carlo Collodi. voces oriGinales: Gregory Mann, David Bradley, Ewan McGregor, Finn Wolfhard, Cate Blanchett, John Turturro, Ron Perlman, Christoph Waltz y Tilda Swinton. disTribuidora: MacoCine. duración: 117 minutos.
Publicada por Carlo Collodi en 1883 en Firenze, Le avventure di Pinoccio es una de las obras más leídas de la literatura universal y más adaptadas de todos los tiempos. Convertida al teatro, llevada al ballet, versionada en ópera y además hecha cómic o radioteatro; el cine añade sus miradas al texto desde que, como anota la académica María Begoña Arbulu Barturen de la Università di Padova: “La primera traducción española de la obra fue publicada en enero de 1900 en Florencia por la editorial Bemporad. El título era Piñoncito o las aventuras de un títere y parece ser que se realizó por encargo del embajador de Argentina en Roma, a quien la traducción está dedicada”. Ya entonces Luigi Bacci ofreció una versión muy libre con relación al libro original, algo que es un denominador común de las diversas aproximaciones que realizó el cine desde que en 1940 Walt Disney concretó la suya. Curiosidades del destino, el doblaje al español que aún se escucha es el que por encargo organizó Luis César Amadori con las voces de Mario González, Pablo Palitos, Miguel Gómez Bao y Norma Castillo.
Con lo que una nueva revisita, y nueva adaptación, del universo del clásico sobre el muñeco de madera hecho a escala humana que cobra vida no debe sorprender a nadie. Si deslumbra por la fascinante experiencia con la cual del Toro hace su relectura de este clásico trasladándolo a la Italia fascista durante la Segunda Guerra Mundial y añadiéndole un prólogo que explica la tragedia desde la cual Gepetto comienza a realizar la talla. A diferencia de otros Pinochos de la historia, aquí la tosquedad y cierta fealdad pueden evocar, por ejemplo, las primeras sensaciones al ver al E.T. de Spielberg. Como aquél, el rostro adquiere un indubitable halo de la ternura sobre el perfil del monstruo temible. Porque además de un enorme prodigio técnico de la animación tradicional “cuadro a cuadro”, del Toro reelabora la distorsionada fábula moralizante sobre la obediencia en la que otras adaptaciones y miradas convirtieron al cuento de Collodi a través del tiempo para convertirla en una lectura inteligente sobre el dolor, la pérdida, el vacío, la fe y la culpa pero también en una sensible aventura sobre la libertad, la aceptación y las relaciones humanas, los vínculos afectivos y la construcción del parentesco filial. Tierna y macabra; alegre y triste; sensible y desafiante consigue un vigoroso cuento de hadas sazonado con humor y además algunas canciones, quizás no del todo oportunas siempre, pero efectivas gracias a la inteligente partitura del gran Alexandre Desplat que otorga vuelo musical al conjunto. Las voces originales dan gran densidad dramática a esta joya animada.
La posibilidad de su disfrute en pantalla grande permite apreciar al milímetro los detalles con los que del Toro construyó la gran imaginería visual de este Pinocho y otro formato sería un reduccionismo visual. No es recomendable para niños, sí lo es para los niños que quedaron escondidos dentro de cada espectador grande.

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Pinocho, de Guillermo del Toro. El muñeco de madera, en una versión entre tierna y macabra
Natalia TrzenkoCarey Mulligan y Zoe Kazan
ella dijo
(she said, esTados unidos, 2022). dirección: Maria Schrader. Guion: Rebecca Lenkiewicz, a partir del libro de Megan Twohey y Jodi Kantor. FoToGraFía: Natasha Braier. elenco: Carey Mulligan, Zoe Kazan, Patricia Clarkson, Samantha Morton, Ashley Judd, Andre Braugher,, Jennifer Ehle. duración: 129 minutos. disTribuición: UIP.caliFicación: apta para mayores de 13.
El retrato de los cambios culturales contemporáneos suele descolocar al cine más allá de las buenas intenciones de sus realizadores y el buen uso de todas sus herramientas narrativas y artísticas. Hay algo en muchos de los intentos de retratar hechos de la actualidad que hace que sufran de una aparentemente inevitable simplificación de los acontecimientos reales. Es lógico, dado que los sismos que producen nuevos paradigmas sociales suelen contener mucha más complejidad y matices de los que es posible reflejar en un largometraje realizado en medio del proceso de renovación.
El hecho de que Ella dijo esquive ese obstáculo y relate con aplomo los detalles de la investigación del diario The New York Times sobre la conducta de Harvey Weinstein es tal vez uno de los mayores logros de una película que consigue sumarse a la larga tradición de films sobre la labor periodística desde una perspectiva nueva, que le hace justicia a la historia que está relatando.
Para recapitular: en 2017 el diario norteamericano publicó un artículo firmado por las periodistas Jodi Kantor y Megan Twohey en el que se detallaban las décadas de abusos cometidos por Weinstein y el sistema de protección y silencio instalado en la industria del entretenimiento, que permitía y avalaba su conducta. Aquella investigación provocó las primeras fisuras de un sistema para subyugar y silenciar a las mujeres que trabajaban en el cine, desde las actrices más reconocidas del mundo hasta las jóvenes asistentes cuyas vidas fueron irremediablemente afectadas por los abusos a los que fueron sometidas.
La película, dirigida por la realizadora alemana Maria Schrader (Poco ortodoxa), pone la mirada en Kantor (Zoe Kazan), Twohey (Carey Mulligan) y en las primeras víctimas del productor –ahora encarcelado con una condena de 23 años por abusos y violación y en pleno juicio en Los Ángeles–, que se animaron a contar sus experiencias publicamente, interpretadas, entre otras, por Samantha Morton, Jennifer Ehle y Ashley Judd, protagonista real del caso que aquí se encarna a sí misma.
Sin salir en lo formal de ciertos convencionalismos de puesta en escena, el film sí aporta una novedad fundamental: a diferencias de otras grandes películas sobre investigaciones periodísticas como Todos los hombres del presidente, En primera plana y The Post: los oscuros secretos del Pentágono, aquí el punto de vista de las investigadoras se alinea con el tema en el que trabajan y su género es un factor determinante en el relato. Que Kantor y Twohey sean dos periodistas femeninas y madres de hijas pequeñas no es un detalle colorido o periférico a la historia sino su centro. Sin caer en sentimentalismos ni en golpes bajos, el guion construye a dos personajes tan genuinos como empáticos, dos mujeres muy distintas entre sí, valientes –cada una a su modo–, imperfectas y muy conscientes de serlo. Su humanidad y la de las diferentes víctimas y testigos que aparecen en la película resuenan más fuerte por el hecho de que la perspectiva con la que fue realizado el film es una de las consecuencias directas que provocó la investigación reconstruida en la ficción adaptada del libro She Said, escrito por las periodistas.
En ese juego de espejos, la guionista Rebecca Lenkiewicz desarrolla un virtuoso hilo que va desde los antecedentes de Twohey escribiendo sobre las denuncias de abuso que pesaban sobre Donald Trump, por entonces candidato a la presidencia de los Estados Unidos, y el modo en que su triunfo catalizó la idea de la investigación del New York Times sobre Weinstein.
Otro de los aciertos del film es dejar a su villano siempre fuera de cuadro para transformarlo en una ominosa presencia que, de todos modos, ejerce inmensa influencia sobre los personajes, y cuyos modos amedrentadores se sienten–y escuchan– durante todo el relato. La única escena en la que “aparece” el abusador es de espaldas y con la cámara fijada en la mirada expresiva de Mulligan, una sinfonía de desprecio y triunfo ante el monstruo intentando dar sus últimos zarpazos.
El foco puesto en las vidas tanto profesionales como personales de sus protagonistas se equilibra con las historias íntimas de las víctimas retratadas, sin perder de vista que lo que está en juego en la historia es la opresión, intimidación y abuso sistémico a todo un género, una perversa estructura cultural de la que Weinstein era apenas uno de los emergentes.
Si el film logra ese difícil balance es en gran medida gracias a las interpretaciones de todas sus actrices, y especialmente las de Kazan y Mulligan, un dúo a la altura de la historia que Ella dijo consigue contar.

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Una noble reconquista amorosa
Milagros AmondaraySokowa y Chevallier
(Deux, Francia, Bélgica, luxemBurgo/2019). Dirección: Filippo Meneghetti. guion: Filippo Meneghetti, Malysone Bovorasmy, Florence Vignon. FotograFía: Aurélien Marra. eDición: Julia Maby, Ronan Tronchot. elenco: Barbara Sukowa, Martine Chevallier, Léa Drucker, Jérôme Varanfrain, Hervé Sogne.Duración: 92 minutos. DistriBución: Mirada Distribution.
La ópera prima de Filippo Meneghetti tenía todos los condimentos para que esta vire hacia un terreno novelesco o excesivamente melodramático, ruta que el realizador decide, con tino, no tomar en ningún momento. Madeleine (Martine Chevallier) y Nina (Barbara Sukowa) son dos mujeres que mantienen su vínculo romántico oculto desde hace décadas. Para el afuera, son vecinas de un complejo de departamentos. Puertas adentro, disfrutan de una relación profunda y sincera que Nina busca compartir con el entorno.
Cuando planean mudarse juntas, la película pone el foco en la imposibilidad de Madeleine de, a sus 73 años, contarle a su familia que está en pareja con una mujer con la que desea convivir. El retrato de ese instante clave en el que pelea consigo misma para decir en voz alta sus deseos es captado con sensibilidad por Meneghetti, quien se propone ahondar en el abanico de emociones por las que atraviesa una persona que no está lista para hablar de su orientación sexual con sus seres queridos.
Al efectivamente no poder concretar esa charla, la desilusión de Nina se entrecruza con un hecho que obliga a la pareja a reacomodarse a una realidad aún más dura: Madeleine sufre un derrame cerebral y no recuerda ese vínculo, que era el sostén de su cotidianidad. Así, Nosotras se convierte en un film romántico en el que la reconquista es la base de su historia, con Nina luchando por ser recordada por una mujer que paulatinamente va acercándose a ella y alejándose de su familia, fruto de la felicidad que le dejó esa vida compartida.
Si bien el film se vuelve un tanto reiterativo al mostrar las visitas de Nina y sus pequeñas batallas, la ópera prima de Meneghetti maneja un tono medio, sin golpes bajos, que colabora a reforzar su atmósfera intimista

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La secuela de una secuela de terror
Guillermo CourauUna criatura sin secretos
 jeepers creepers: Reborn, Estados Unidos/2022).dirección: Timo Vuorensola. Guion: Sean-Michael Argo. FoToGraFía: Simon Rowling. Música: Ian Livingstone. edición: Eric Potter. elenco: Sydney Craven, Imran Adams, Jarreau Benjamin, Matt Barkley. duración: 88 minutos. disTribuidora: BF Paris.caliFicación: apta para mayores de 13 años con reservas.
En 2001 se estrenaba Jeepers Creepers, película que actualizaba la fórmula del asesino serial de origen sobrenatural, con pocas ideas pero bastante frescura. Luego de dos secuelas, cuando parecía que el psicópata había quedado envuelto en un justiciero manto de olvido, a alguien se le ocurrió revivirlo. Y de eso se trata Jeepers Creepers: la reencarnación del demonio.
Los primeros minutos de la película, dirigida por Timo Vuorensola, parecen ser un reboot de aquella, con dos ancianos atravesando los mismos avatares que la pareja de la original. Sin embargo, enseguida se devela que estas imágenes son parte de un documental que miran los protagonistas: Laine (Sydney Craven) y Chase (Imran Adams). El recurso de la película dentro de la película –que ya estaba agotado incluso antes de la primera entrega– desemboca en una historia sin pies ni cabeza que incluye cultos satánicos, secundarios que mueren antes de que el espectador aprenda sus nombres y una casa que funciona a modo de cuarto de escape.
El espacio reducido hace que los personajes se la pasen subiendo y bajando escaleras o entrando y saliendo de habitaciones que parecen ser siempre la misma. El “Creeper”, por su parte, despliega sus poderes caprichosamente, mostrándose por momentos invencible y en otros como una copia de sí mismo a lo Scary Movie. Algo parecido pasa con los efectos digitales. Todo vale y da más o menos lo mismo.
De acuerdo a la mitología de la saga, el asesino despertaba cada 23 años: ni en eso acertaron. Si esperaban dos años más, al menos se habría beneficiado del baño nostálgico y redentor de otros regresos más oportunos. Aunque, a juzgar por la poca voluntad de sus responsables, el resultado habría sido el mismo

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