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Humor negro, figuras fuertes y un multipremiado reality: los estrenos de series en Netflix para enero
Sofía Vergara le dará un vuelco a su carrera como actriz con un personaje dramático en Griselda, una miniserie de los creadores de Narcos@netflixlat / Instagram
Una mirada a las producciones que se suman a la plataforma para dar inicio a un nuevo año cargado de historias
Milagros Amondaray
Netflix comienza 2024 con una variedad de ficciones, muchas de ellas en formato miniserie, como el caso de Griselda, sobre la vida de la narcotraficante colombiana Griselda Blanco; y Engaños, flamante adaptación de la novela de Harlan Coben, uno de los autores favoritos de la plataforma al momento de transpolar novelas policiales.
Por otro lado, el 17 de enero, el servicio de streaming incorpora a sus títulos a Muñeca brava, la exitosa telenovela argentina protagonizada por Natalia Oreiro y Facundo Arana.
Muñeca Brava, un éxito del recuerdo, llega a Netflix el 17 de enero
“Muñeca Brava generaba mucha empatía en todas y todos, porque era una historia clásica pero interpretada con mucho desparpajo, algo que en la novelas de esa época no era común”, le expresó Oreiro. “Mili hablaba a cámara y tenía conexión con el espectador, otra cosa que tampoco existía. También fue heroína de alguna manera atípica, en el sentido del empoderamiento femenino. Se convirtió en un suceso transgeneracional y transcultural”.
Estas son las principales series que llegan a Netflix en enero:
*Engaños (miniserie)
EngañosNetflix

La unión de Netflix con el autor estadounidense Harlan Coben demostró ser uno de los grandes aciertos del servicio de streaming, que incluso le dedicó un apartado especial en su plataforma en la que se reúnen todas las transpolaciones que se han hecho hasta el momento de las adictivas ficciones del novelista.
Este mes se suma Engaños, una atrapante miniserie basada en Fool Me Once, el libro que Coben editó en 2016 y que, como todos sus relatos, está signado por los vericuetos del thriller, por los juegos de apariencias. En este caso, la producción británica tiene al propio novelista como showrunner, y a Danny Brocklehurst como guionista de los ocho episodios en los que habrá giros argumentales que prometen mantener al espectador en vilo hasta el último minuto.
Michelle Keegan interpreta a Maya, una exsoldado que recibe la noticia de que su marido, Joe (Richard Armitage), fue asesinado. En pleno duelo y con total desconcierto por lo sucedido, la mujer intenta seguir adelante con su vida, pero en una jornada su cotidianidad da otro gran vuelco. Al reproducir un video de la cámara que le puso a su niña en su cuarto por cuestiones de seguridad, Maya ve que un hombre se acercó a la pequeña y, cuando este gira su rostro, ella nota que es nada menos que su marido, a quien creía muerto. Desde ese momento en adelante, la mujer empieza a atar cabos y los caminos la conducen a que Joe nunca fue del todo honesto sobre su vida y su trabajo, lo que termina poniendo a la protagonista en una serie de peligros.
En paralelo, Engaños también nos muestra la cruzada de los sobrinos de Maya, quienes buscan al responsable de la muerte de su madre, sin saber que ese caso está vinculado con la reaparición de su tío. La miniserie también cuenta con los trabajos de Adeel Akhta, Joanna Lumley, Dino Fetscher, y James Northcote. Disponible desde el 1° de enero.
*Los hermanos Sun (primera temporada)
Los hermanos SunNetflix

Luego de su rutilante triunfo en la última edición de los premios Oscar en los que hizo historia, Michelle Yeoh se pone al frente de Los hermanos Sun, una comedia negra creada por Byron Wu y por el prolífico Brad Falchuck. “Tras un misterioso ataque contra su familia, un sicario de una tríada de Taipéi viaja a Los Ángeles para proteger a su madre y a su ingenuo hermano”, revela la sinopsis de Netflix sobre esta ficción que pone la lupa sobre el proceder de ese sicario llamado Charles “Chairleg” Sun (personificado por Justin Chien), quien emprende ese viaje con el objetivo de preservar a su madre Eileen (Yeoh) y a su hermano menor Bruce (Sam Song Li).
Al mismo tiempo, el joven deberá procesar el impacto que tiene en su vida el asesinato de su padre, a quien creía una figura poderosa de esa tríada donde se produjeron diferentes traiciones. Si bien Los hermanos Sun coquetea con el humor negro, también tiene momentos intimistas fruto del acercamiento de Charles a su hermano y a su madre, con quienes podrá saldar viejas cuentas pendientes mientras luchan por sus vidas en una carrera contrarreloj.
“Los tres deben curar las heridas causadas por su separación y descubrir qué significan realmente la hermandad y la familia antes de que uno de sus innumerables enemigos los mate a todos”, sumó la plataforma de streaming sobre la premisa de la temporada de 8 episodios coescritos por los showrunners junto a Justin Calen-Chenn, Soojeong Son, Ally Seibert, Amy Wang, Andrew Law, y Jason Ning. Disponible desde el 4 de enero.
*El chico que se comió el universo (miniserie)
El chico que se comió el universo..Netflix

Otra de las miniseries que suma Netflix a su catálogo en enero es El chico que se comió el universo, producción basada en la novela homónima del autor australiano Trent Dalton, quien tomó situaciones de su propia vida para concebir esta historia coming of age (de camino a la juventud). La producción del guionista nominado al Oscar John Collee (Happy Feet, Capitán de mar y guerra) está ambienta en los suburbios de Brisbane, en los años 80. En ese contexto, el protagonista excluyente de la miniserie, el joven Eli Bell (Felix Cameron), toma la decisión de ayudar a su familia cuando su madre es detenida y su padrastro se convierte en una amenaza tanto para él como para su hermano.
De acuerdo con lo que adelantó Netflix, el derrotero de Eli será el corazón de esta ficción. “Él está tratando de seguir su corazón, aprendiendo lo que se necesita para ser un buen hombre, pero la vida sigue poniendo obstáculos en el camino, entre los que se encuentra Tytus Broz, el legendario traficante de drogas de Brisbane”. Además, la ficción explorará el primer amor del protagonista y cómo, en plena Navidad, recibe noticias sobre su madre a las que deberá hacerle frente ya que su papá lo abandonó cuando era pequeño. Esta inspiradora historia, que fluctúa entre drama y comedia, tiene en su elenco a grandes intérpretes australianos como el exThe Mentalist, Simon Baker, Travis Fimmel, Phoebe Tonkin, y la estrella en ascenso de Háblame, Sophie Wilde. Disponible desde el 11 de enero.
*Queer Eye (octava temporada)
Queer Eye - Octava temporadaNetflix

El consolidado y multipremiado reality de la plataforma está de regreso con su octava temporada. En esta vuelta al ruedo, los Fab 5 viajarán hacia la cuna del jazz, Nueva Orleans, para mejorar las vidas de sus héroes con sus emocionales cambios de imagen. Este regreso de Queer Eye, por otro lado, presenta una novedad que sorprendió a sus fanáticos: la despedida de Bobby Berk, el gurú de la decoración que se convirtió en uno de los pilares del ciclo.
En diálogo con revista People, Berk aseguró que la decisión de abandonar el programa fue muy difícil porque todo el equipo se convirtió “en una familia”. Sus compañeros, Karamo Brown, Tan France, Antoni Porowski, y Jonathan Van Ness se pronunciaron en redes y a través de comunicados, muy afligidos por la partida de su amigo.
Bobby Berk le dice adiós a Queer Eye...Netflix

“Los fanáticos de Queer Eye compartieron muchas historias conmigo durante los 6 años que estuve en el programa”, contó Berk y añadió: “Sé que este tocó los corazones de la gente, y me siento muy agradecido de haber podido acompañar a muchas personas en sus respectivos cambios, ustedes son los héroes que me hicieron seguir adelante, y ustedes fueron los que me cambiaron a mí, los que me mejoraron”, manifestó Bobby, quien comunicó que se despedirá del público en Nueva Orleans en un episodio que seguramente sea muy emotivo tanto para los Fab 5 como para su fiel audiencia.
Además de la confirmación de la partida del diseñador de interiores, Netflix anunció que Queer Eye fue renovado para una novena temporada que tendrá lugar en Las Vegas. Disponible desde el 24 de enero.
*Griselda (miniserie)
Griselda@netflixlat / Instagram

La actriz Sofía Vergara encontró un vehículo para lucirse como intérprete dramática en Griselda, una miniserie inspirada en la narcotraficante colombiana Griselda Blanco, quien, a fuerza de ambición, creó uno de los cárteles más rentables de la historia. La producción tiene como uno de los principales showrunners a Doug Miro, creador de la exitosa Narcos, también disponible en la plataforma, y como director a Andréz Baiz, quien también ofició de productor en esa misma serie.
“Lo primero que hicimos fue buscar responder varios interrogantes: ¿Cuáles son los sueños de Griselda? ¿En qué piensa por las noches? ¿Qué la impulsa?”, explicó Baiz sobre el trabajo que hicieron con Vergara, quien hace años que viene intentando desarrollar este proyecto del que es productora ejecutiva.
Griselda consta de seis episodios en los que Vergara es acompañada por los actores Alberto Guerra, Vanessa Ferlito, Christian Tappan, y por la cantante Karol G, quien interpreta a Carla, gran amiga y confidente de la denominada “madrina del narcotráfico”. “Lo que quería mostrar de Griselda era cómo podía ser muchas cosas al mismo tiempo: una traficante, una madre, una esposa y un monstruo”, declaró Vergara en diálogo con Vogue México sobre uno de los roles más desafiantes de su carrera. Disponible desde el 25 de enero.

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El clon de Tyrone: un lúdico ejercicio de humor y estilo con ecos del blaxploitation de los años 70
El film de Juel Taylor, protagonizado por John Boyega, Jamie Foxx y Teyonah Parris, se encuentra disponible en Netflix

Paula Vázquez Prieto

El clon de Tyrone: un lúdico ejercicio de humor y estilo con ecos del blaxploitation de los años 70
El clon de Tyrone (They Cloned Tyrone, Estados Unidos, 2023). Dirección: Juel Taylor. Guion: Juel Taylor, Tony Rettenmaier. Fotografía: Ken Seng. Edición: Saira Haider. Elenco: John Boyega, Jamie Foxx, Tyonah Parris, Kiefer Sutherland, J. Alphonse Nicholson. Duración: 122 minutos. Disponible en: Netflix.
Luego de la explosión del “black terror” con ¡Huye! (2017), la moda de repensar el horror y el policial desde la larga lucha racial de los Estados Unidos fue hundiéndose en algunos traspiés. Experiencias como Candyman (2021), con guion y producción del mismo Jordan Peele, o la ambiciosa serie Lovecraft Country que combinaba el ingenio de Misha Green, la ambición de Peele productor, la literatura de Matt Ruff y el universo de H. P. Lovecraft, avisaban los peligros de esa pretendida trascendencia. Decir mucho y de manera grandilocuente convertía a las series y películas en artefactos de denuncia algo oportunista, sin carnadura en la ficción ni magnetismo en los personajes que, con el correr de algunos meses, languidecían como ejemplos de un subgénero muerto antes de madurar.
Sin embargo, algunos parecieron no rendirse, Peele levantó la puntería con Nope (2022), una de las mejores películas del año pasado, y Netflix finalmente estrenó El clon de Tyrone, divertido cruce entre el blaxploitation y la sci-fi paranoica que tenía guardado desde hace dos años. La película asume el espíritu de la crítica racial sin pretensiones ni solemnidades, luciendo una estética heredera del neo noir de los 70, de colores opacos y constantes penumbras, y un humor que combina la sátira social con el absurdo. Dirigida por Juel Taylor, El clon de Tyrone reúne citas a Foxy Brown (1974) con Pam Greer, y a la olvidada El hombre sin sombra (2000) de Paul Verhoeven –que se convierte en un mantra para los personajes-, al igual que referencias a la detective adolescente Nancy Drew y al universo inexplicable de Los expedientes secretos X, pero consigue revitalizar con humor y buen ritmo el hoy tan desgastado reino del policial que ha impregnado a todo el streaming.
El clon de Tyrone
La historia es la de Fontaine (John Boyega), un dealer del barrio ficticio de El Glen que un día como tantos otros decide ir a cobrar una deuda a Slick Charles (Jamie Foxx), un brilloso proxeneta que administra su “negocio” desde el motel Royal. Luego de su rutina de disputas con competidores, raspaditas sin premio y la dosis diaria de alcohol, Fontaine golpea la puerta del Royal, amedrenta a Slick por el dinero adeudado, y sale airoso a la noche que lo espera. Pero allí también le aguarda la venganza de su adversario Isaac (J. Alphonse Nicholson) y una balacera que lo deja tendido en el auto. Después de lo que parece una muerte segura y el consiguiente sueño eterno, Fontaine se despierta en su cama como siempre. Vuelve a deambular por el barrio, comprar la bebida y la raspadita, tocar la puerta en el motel Royal. Lo que se anuncia como un extraño loop temporal al estilo de Hechizo del tiempo o la serie Muñeca rusa, concluye en el descubrimiento de un extraño proyecto secreto que tiene como objetivo clonar a los habitantes negros del vecindario.
El clon de Tyrone
El secreto que se esconde en las profundidades de una gran casona y en otros enclaves del misterioso El Glen es la coartada perfecta para la estética anacrónica que define a la película, ambientada en un tiempo que evoca a los años 70 en los autos, los peinados afro, la decoración de los bares y el mundo de fiolos y prostitutas, pero que al mismo tiempo incluye celulares, hip-hop y referencias históricas al presente para conseguir una amalgama casi onírica. La encrucijada de Fontaine no será solamente la revelación de quién es verdaderamente y de dónde provienen sus dilemas morales, sino su rol en el precario equilibrio que parece definir al barrio y por ende a los Estados Unidos como marco más amplio. Consciente de los ecos todavía vigentes del “Black Lives Matter”, la película presenta un universo donde las limitaciones y condicionamientos son vistas desde una identidad siempre asediada por el poder de los blancos.
El clon de Tyrone
Pero lo que distingue a El clon de Tyrone es sin lugar a dudas el humor de su tríada protagonista, sobre todo Jamie Foxx y la extraordinaria Yo-Yo (Teyonah Parris), una trabajadora sexual que inicialmente acompaña a Fontaine y al reacio Slick en la pesquisa por el verdadero mago detrás de la cortina, para luego revelarse como una agente astuta y sofisticada de la investigación. La textura sucia, rugosa y casi palpable de la imagen sobre las calles, en el motel o en los diversos antros en los que se dirime la acción, contrasta con los ascéticos escenarios sumergidos bajo la ciudad, signados por los colores chillones del cine de ciencia ficción clásico, territorio de la verdadera toma de decisiones. A medida que el secreto se revela y que el atractivo universo se hace familiar a los ojos del espectador, la película decae un poco en el ritmo pero sin perder el as de la manga que significa descubrir qué hay detrás del lugar que ocupamos en la sociedad.

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El último héroe de acción se reinventa
Guillermo Courau... netflixSchwarzenegger, a los 75 años, es un espía de la CIA derrotado por una vida de mentiras
(ESTADOS UNIDOS/2023). dirección: Phil Abraham, Steven A. Adelson, Holly Dale, Stephen Surjik. guion: Nick Santora. fotografía: Colin Hoult, MichaelMcmurray, Craig Wrobleski. música: Tony Morales. elenco: Arnold Schwarzenegger, Mónica Barbaro, Milan Carter, Gabriel Luna, Fortune Feimster, Travis Van Winkle, Fabiana Udenio, Jay Baruchel, Aparna Brielle, Scott Thompson, David Chinchilla. disponible en: Netflix.
Difícil en esta época haber sido un héroe de acción de los 80. Bruce Willis enfermo y retirado; Sylvester Stallone convertido en un padre de familia sometido a la necesidad de fama de sus hijas; Harrison Ford negado a la jubilación, y de Jean Claude Van Damme y Steven Seagal, mejor ni hablar. sí ha envejecido como se debe es Arnold Schwarzenegger, que en FUBAR reinventa su personaje de duro, y se enfrenta al terrorismo internacional mientras lidia con su entorno familiar, arrugas, barba blanca, una más que probable tintura capilar y los ojos cada vez más chicos.
La propuesta de la serie de ocho capítulos no es nueva ni original, lo que no quita que esté muy bien hecha. Luke Brunner (Arnold) es un experimentado agente de la CIA a punto de jubilarse. El comienzo marca lo que sería su última visión, y en pocos minutos y una edición impecable, el actor remeda los mejores yeites de su heroica trayectoria. Tiene 75 años, diez más que en la ficción, pero no se le notan en lo más mínimo.
Cumplida la tarea vuelve a la vida familiar, donde ni su esposa ni sus hijos sospechan de sus actividades. Durante 30 años logró hacerles creer que tenía un rutinario y aburrido trabajo, como El superagente 86 o mejor: como él mismo en Mentiras verdaderas.
Sin embargo, Luke se entera a través de su amigo y compañero Barry (Milan Carter) que la agencia lo quiere para un último encargo: rescatar a un agente encubierto en el seno de una célula terrorista ¿Por qué él? Porque luego de asesinar al padre del actual líder, generó con este un vínculo fraternal, que se vuelve de vital importancia para llegar a él sin levantar sospechas. Y de paso, porque la persona en problemas es su hija Emma (Mónica Barbaro, contrafigura de Tom Cruise en Top Gun: Maverick), del mismo e intratable carácter, quien también consiguió engañar a todos para ocultar sus verdaderas actividades. Incluso a su progenitor.
Así, FUBAR abre dos frentes bien definidos. Por un lado la trama de acción, a la que no le falta ningún condimento ni vuelta de tuerca para sostener el interés, y por el otro las idas y venidas, filias y fobias, de ambos protagonistas en la construcción de una relación obligada por sus letales actividades. Esa dualidad entre la acción y la comedia, tan presente en la segunda mitad de la carrera de Schwarzenegger, aquí es transitada con agradable fluidez. Resulta fundamental un elenco de secundarios al servicio del conflicto principal, que pivotan entre un género y otro; como pasaba, por ejemplo, en Peacemaker.
Claro que no siempre el equilibrio es preciso, y a lo largo de esta primera temporada habrá personajes que rayan la parodia simplona, sin aportar mucho más que un relleno que no le hace ningún favor al guion. Por suerte son los menos, desaparecen antes de que a uno lo terminen de hastiar, y lo que queda es la esencia de un producto construido en torno a las fortalezas (no ya físicas) del astro austríaco.
Nick Santora (Reacher, Lie To Me, Prison Break, Most Dangerous Game), creador y guionista, acierta en sostener la icónica imagen de su protagonista, al mismo tiempo que la aggiorna y la desacraliza, misión a la que Schwarzenegger -también productor del show- se entrega gustoso. El resultado se disfruta, reafirmando que es el camino seguro de cualquier “duro vintage” en busca de un revival para que sigan hablando (bien) de él.

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Netflix: Sandman es una adaptación muy fiel del cómic de culto que sin embargo, se queda corta ante el original
Tras tres décadas de espera, la llegada del influyente cómic sobre Sueño y los otros dioses, semidioses y humanos que lo frecuentan es un verdadero acontecimiento, pero el paso del tiempo ha conspirado contra el impacto de su historia en pantalla
Hernán Ferreirós
Tom Sturridge en Sandman
Sandman (EEUU/2022). Creadores: Neil Gaiman, David S. Goyer y Allan Heinberg. Elenco: Tom Sturridge, Patton Oswald, Jenna Coleman, David Thewlis, Gwendoline Christie. Disponible en: Netflix. Nuestra opinión: buena.
Sandman fue una de las historietas (junto con El regreso del señor de la noche, de Frank Miller, y Watchmen, de Alan Moore) que, a fines de los años 80, cambiaron las historietas. Aunque a todas éstas se les suele atribuir la incorporación de una sensibilidad adulta y de una complejidad comparable con la de cualquier buena novela a la trama y a los personajes de los cómics de superhéroes, su mérito es mayor: se concentraron en expandir qué y cómo se podía narrar en una página dibujada. Por un lado abrieron las puertas de la intertextualidad y la autorreflexión –son historietas que dialogan con películas, libros, discos y, sobre todo, con otras historietas– y, por el otro, se afirman en la especificidad de su medio: son la mejor versión posible de lo que eligen contar. Hubo mejores y peores adaptaciones de la obra de Moore o Miller, pero nunca una a la altura de los originales. Esto también vale para Sandman.
Desde el centro del universo DC, el hogar de Superman y Batman, Neil Gaiman construyó una historia en la que los únicos superhéroes que tienen un rol importante son personajes marginales y olvidados de la compañía; en la que la figura principal, –una particular versión del dios Morfeo– a veces ni aparece en su propio cómic y en la que lo más cautivante es la dimensión humana de los protagonistas: sus deseos, sus traumas, sus caprichos y sus pérdidas. Es decir, era un título de la empresa que inventó a los superhéroes hecho totalmente a contramano del rubro. Cuando apareció, ni siquiera lucía como una historieta: cada una las tapas, diseñadas por Dave McKeen, recordaba, en su combinación de fotografías retocadas y diseño gráfico, las de los discos del legendario sello 4AD.
Tras un inicio que cita a las historietas de terror de EC Comics, Sandman rápidamente se amplía en todas direcciones: puede incorporar como personajes a G.K. Chesterton, Marco Polo o Shakespeare; situarse en el antiguo Egipto, en el presente o en el reino de las hadas y contar, a su modo, la historia de Orfeo y Eurídice, la de una necrópolis en las que la inhumación es un arte o la de cómo Lucifer decidió abrir un piano bar, entre muchísimas otras. No se puede ceñir su profusión de relatos a un único tema, pero si hubiera que decidirse por uno, habría que decir que Sandman habla, sobre todo, de la tensión entre el deseo y la responsabilidad.
Jenna Coleman como Johanna Constantine y Tom Sturridge como Sueño
La adaptación, supervisada por el propio Neil Gaiman, toma los primeros quince números de la saga de modo muy fiel, al punto de que pueden rastrearse múltiples escenas calcadas de las viñetas. Y, al mismo tiempo, hay diferencias notables. La mayoría tienen que ver con los 30 años que pasaron desde la publicación de los cómics. El hecho de que Morfeo fuera un “darky”, una versión más espigada de Robert Smith en la época de The Head on the Door, contribuía en los 80 a acentuar su romanticismo trágico. Hoy, ese aspecto y el tono excesivamente dramático con el que enuncia sus líneas el personaje lo acercan a una parodia. El tiempo tampoco fue amable con toda la línea argumental que involucra a asesinos seriales, un tópico novedoso hace tres décadas y más aún porque era presentado de modo perversamente cómico, pero que, tras las decenas de películas y series que aparecieron desde que volvió una moda, está irreparablemente desgastado.
El cómic se reveló osado y transgresor: fue el primero editado por una corporación y dentro del mundo de los superhéroes que incorporó un personaje central no binario, el dios/diosa Deseo. Su bienvenida falta de respeto por lo admisible en su época transmutó, en la serie, en perfecta obediencia por las normas de la nuestra. A tono con la prescripción incuestionable que manda que toda manifestación artística sea inclusiva y represente a los invisibilizados, aquí se cambia el género y el color de una media docena de personajes (incluida Muerte, la figura más popular de la saga) para no correr riesgos y no generar molestias en la policía de lo políticamente correcto.
Kirby Howell-Baptiste como Muerte
Gaiman tiene el don de crear personajes atractivos, llenos de aristas originales, como si no le costara esfuerzo alguno. Sin embargo, ese atributo de sus historietas, tanto en ésta como en otras versiones de sus obras, no termina de traducirse a otros medios. Aquello que en la página resulta seductor, en la pantalla parece un poco forzado, ciertamente incómodo, y no termina de cuajar.
Por su parte, el escritor declaró que debieron pasar tres décadas para que Sandman encontrara la adaptación correcta. Es cierto que el desarrollo actual de la tecnología permite volcar las imágenes del cómic de modo irreprochable en la pantalla. Se trata de un mundo rico y multifacético, alimentado por la poderosa imaginación del autor, que requiere de un alto grado de competencia visual. En este aspecto, la serie sí está a la altura del desafío.

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Netflix: Pipa es una rutinaria conclusión de la saga policial protagonizada por Luisana Lopilato
Los escenarios naturales y una trama centrada en la sociedad del norte de nuestro país no logran cuajar en nada más que un telón de fondo para una intriga demasiado genérica que ni la buena actuación de su protagonista ni el elenco que la rodea logran hacer más profunda y distintiva
Paula Vázquez Prieto
Luisana Lopilato como la expolicía Manuela Pelari en la película original Pipa, disponible desde hoy en Netflix
Pipa (Argentina/2022). Dirección: Alejandro Montiel. Guion: Mili Roque Pitt, Alejandro Montiel y Florencia Etcheves. Fotografía: Guillermo Bill Nieto. Edición: Florencia Efrón y Agustín Roladelli. Elenco: Luisana Lopilato, Mauricio Paniagua, Inés Estévez, Ariel Staltari, Paulina García, Malena Narvay, Aquiles Casabella, Benjamín Del Cerro, Santiago Artemis, Laura González, Ivone Quispe, Mercedes Burgos y Javier Flores. Duración: 116 minutos. Disponible en: Netflix.
La saga de la oficial Manuela ‘Pipa’ Pelari (Luisana Lopilato) llega al cierre de su trilogía con la película que lleva su nombre y la encuentra ya fuera de la fuerza policial y con una vida nueva en el norte argentino. La historia había comenzado apegada al texto de Fernanda Etcheves en Perdida (2018), basada en su novela Cornelia (2016), y también a la estética heredada del scandinoir que asumía el director Alejandro Montiel como guiño evidente. Un entorno nevado en la Patagonia donde una adolescente desaparecía misteriosamente; una búsqueda a lo largo de 14 años, impregnada de culpas y venganzas; una sórdida red de trata de personas y el presente signado por los viejos fantasmas. La corazonada (2020) implicó un regreso al origen de Pipa como policía, a los claroscuros de un noir más urbano, arraigado en esas fronteras difusas entre el bien y el mal que utilizó la novela negra como enclave de sus hallazgos. Y la nueva Pipa, ambientada en los paisajes jujeños diez años después de un exilio autoimpuesto, supone la madurez de aquel personaje herido y temerario, al mismo tiempo que el cambio de entorno como nueva raigambre genérica.
Sin embargo, Pipa no termina de funcionar en sintonía con sus aspiraciones. Está la receta perfecta para el thriller norteño: el crimen de una adolescente colla, el poder de una familia patricia, los negocios mineros, la corrupción policial, los reclamos de las comunidades originarias. Todo ello invade la vida tranquila de Pipa, dedicada al trabajo en el campo junto a su tía Alicia (Paulina García) y a su hijo Tobías (Benjamín del Cerro). La mala fortuna y su compromiso de antaño la impulsan a convertirse en una detective extraoficial del caso, siguiendo las pistas que nadie más parece querer investigar. No obstante, los ingredientes suculentos para una buena historia decantan en un recorrido que no altera su previsibilidad, que no termina de apropiarse del paisaje más allá de usarlo como decorado, que insiste en las tomas aéreas turísticas, los ralentis para suspender la acción sin generar suspenso, la falta de criterios integrales de dirección de actores y la utilización de temáticas complejas como los negociados tras la minería y el despojo territorial de los pueblos originarios de manera ligera y superficial.

Pipa, con Luisana LopilatoValeria Fiorini - Netflix

La tendencia de echar mano a los recursos del policial para hacer “misteriosa” cualquier historia a partir de los artilugios del crimen y la investigación se ha convertido en un vicio extendido. Pese a ello, la literatura de Etcheves utilizó con solvencia y criterio esos recursos narrativos a la hora de idear sus entramados de ficción. Pero a la hora de llegar a la pantalla, los recursos de puesta en escena se limitan a referencias visuales que son conocidas de antemano por el espectador, de allí el uso del clima y los paisajes nevados en Perdida o la paleta de claroscuros que exponía La corazonada. Acá ocurre lo mismo con la puesta en escena de ese universo montañoso, heredada de algunos clisés del western hollywoodense, con el uso del ralenti a la hora de desenfundar las armas o ponerse los anteojos de sol, con acentos provincianos calculados y un trasfondo de feudalismo rancio filmado al son de la música electrónica.

Pipa (Netflix).Valeria Fiorini/Netflix

Lopilato consigue brindar a su Pipa un aplomo consistente con su madurez, con la persistencia de las heridas del pasado, con la responsabilidad que implica un hijo a la hora de poner límites a su temeridad, y quizás la mejores escenas se conjugan en los intercambios con Paulina García, que brinda a la tía Alicia algo más que el personaje lugareño que ayuda a las comunidades locales como gesto de consciente pertenencia. Son ellas, junto al preciso trabajo de Inés Estévez como Etelvina Carreras, matriarca de un feudo erosionado por sus propias ambiciones y egoísmos, las que dan algo de vida a una historia que de otra forma se recluye en las postas cumplidas de un rutinario policial. A su alrededor los personajes se ven encorsetados en la posición que ocupan en el esquema narrativo, arquetipos apenas animados más allá de esa obligada función.

Inés Estevez, uno de los atractivos de PipaValeria Fiorini/Netflix

La lógica del relato universal que puede imponer una producción como la de Netflix no solo afecta a la concepción del género, concebido como una coraza exterior, una receta cuyos ingredientes nunca se amalgaman del todo, sino que limita cualquier capacidad de riesgo o invención, sumando tópicos –incesto, corrupción policial, reclamos territoriales- para espesar la trama con la única vocación de retener el interés de una audiencia volátil e impactar con la resolución final. En esa lógica, hoy repetida hasta el hartazgo en las ficciones contemporáneas –de todos los orígenes posibles-, todo se diluye en el brillo de la cáscara para descubrir al final la falta de sustancia en el interior.

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