CRÍTICAS DE TEATRO

Una historia pequeña bien conducida
★★★ Cuidado con los perros
Carlos PachecoBertolini, Gil Navarro y Pérez
dramaturgia y dirección: Leo Azamor. intérpretes: Mariano Bertolini, Juan Gil Navarro, Esteban Pérez. vestuario y escenografía: Lidia Navarro. luces: Gustavo Lista. coreografía: Sandra Srolovich. asistente de dirección: Martín Gulin. Sala: Nün Teatro, Ramírez de Velasco 419. funciones: jueves y viernes, a las 21. duración: 65 minutos.
Dos hermanos regresan a la casa familiar luego de la muerte de su padre con la intención de deshacerse de ella y cobrar la herencia que les corresponde. Ambos tienen personalidades y profesiones muy opuestas. Uno es actor y el otro pareciera estar relacionado con negocios no muy claros. Sin esperarlo se encuentran en el lugar con un muchacho algo tonto que ha vivido allí desde pequeño y hoy hace las veces de casero.
Los hermanos han estado bebiendo y el alcohol los ha conducido por un laberinto en el que algunos recuerdos familiares comienzan a aparecer y la mayoría no son muy gratos. El joven casero, aunque al comienzo algo arisco, terminará entrando en un juego que ellos proponen sin saber muy bien hacia dónde los conducirá. Aunque todo el tiempo se mezclan en las banalidades que expresan un pasado incómodo con un presente alterado por el alcohol y también las drogas.
Si bien la dramaturgia de Leo Azamor es pequeña en su historia y a la vez en los conflictos que propone, en tanto director construye con los actores una experiencia que se define más por las acciones que por los parlamentos. Los tres intérpretes dan vida a seres muy inquietantes, por momentos. En escena construyen unas relaciones potentes que hacen que el público vaya siguiendo la trama con interés. Ellos poseen una capacidad singular para promover situaciones lúdicas inesperadas hasta llegar a un sorpresivo final en el que se impone la tragedia.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Semblanza emotiva de Lotte Lenya
★★★ Kurt Weill. el amor y la otra piel
•Gustavo LladósMercedes Olivera
autor: Carlos Vittorello. director: Miguel Sorrentino. elenco: Mercedes Olivera y Estela F. Ojeda (pianista). teatro: Tadrón, Niceto Vega 4802. funciones: los jueves, a las 21.30. duración: 70 minutos.
Lotte Lenya fue una actriz y cantante austríaca, que primero sobresalió en el Berlín de preguerra y luego vivió su etapa de gloria en el exilio norteamericano, tanto en Hollywood (donde fue nominada a un Oscar y, ya de grande, ganó popularidad como la villana de De Rusia con amor, de la serie de James Bond) como en Broadway (donde fue la original Fraulein Schneider de Cabaret). Sin embargo, su nombre estuvo, está y seguirá relacionado, fundamentalmente, al del compositor Kurt Weill, su marido. Si bien fue su musa y supo hacer propios los temas que él y su socio Bertolt Brecht componían, siempre se le restó crédito a sus logros y a su importancia en la historia del mundo del espectáculo. Hace unos años un musical de Broadway
(LoveMusik) intentó equilibrar la balanza, echando luz sobre su vida y obra. Ahora se suma un unipersonal, made in casa, que le brinda protagonismo absoluto (aunque su título incurra en el error inconcebible de restárselo).
La actriz y cantante Mercedes Olivera desgrana su historia paso a paso, desde la infancia en la que el padre la obligaba a bailar desnuda y debió prostituirse para sobrevivir, la primera noche de amor verdadero, la etapa en París, la bisexualidad y, sí, el encuentro con Weill, con sus idas y vueltas permanentes hasta la muerte prematura del músico. Este último tramo le permite a Olivera lucir su hermosa voz de soprano, interpretando temas icónicos como “Alabama Song” (de Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny), “Mack The Knife” (de La ópera de
los tres centavos), “Jenny’s Saga” (de Lady In The Dark) y “Lost In The Stars”. Es aquí donde radica lo mejor del espectáculo (más que en la dramaturgia). Una compañera de lujo resulta la pianista Estela F. Ojeda, que ejecuta todas las melodías en forma magistral y sin ayuda de partituras.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Metáfora sobre la maternidad
★★★★ materniKa
•Pablo GorleroCerviño, Villamayor y Cart
libro: Sandra Franzen, sobre idea de Andrea Villamayor. dirección: Sandra Franzen. intérpretes: Susana Cart, Agustina Cerviño, Andre aVillamayor. música en escena: Florencia Albarracín. luces: Leandra Rodríguez. sala: Anfitrión, Venezuela 3340. funciones: sábados, a las 22. duración: 60’
Tres mujeres que pescan en un muelle. El encuentro se va produciendo silencioso, discreto, hasta con gracia. Dos de ellas se conocen mucho, pero llegará otra a sorprender ese vínculo, a completar la empatía de ese encuentro. Y allí, a través de un diálogo de amplias capas de lectura, ellas hablan de pesca, de lo que esperan a partir del momento en que arman su caña y arrojan la línea a un río seco; de las redes, esas enormes redes de compañía, de entendimiento femenino. Pero en realidad, ese diálogo, ese intercambio de miradas, deseos, frustraciones, temores y prejuicios es una gran metáfora sobre la maternidad y todas sus formas.
Ellas se acompañan, pero están solas en esa cruzada, muy solitarias y tenaces. Aunque el encuentro destella sororidad.
La puesta en escena de Sandra Franzen se desarrolla sobre un muelle enorme y bello, diseñado por Micaela Sleigh. Sobre su superficie y en su alrededor es donde estas mujeres intentan, reflexionan, prueban y desean, en una atmósfera afable, tierna y empática. Uno de los grandes aciertos es la musicalización y el diseño sonoro en vivo que realiza de modo excelente Florencia Albarracín, la cuarta e indispensable protagonista de esta propuesta. Con todo esto, Franzen logra intimidad, belleza y hasta humor en la conducción del proyecto. Tanto Susana Cart, como Andrea Villamayor y Agustina Cerviño realizan hermosos trabajos interpretativos donde se ve una gran conexión. Son individualidades muy marcadas que, juntas, se potencian notablemente. El diseño de luces de Leandra Rodríguez completa este cuadro tan femenino como necesario.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Conflicto familiar entre copas
★★★ de la mejor manera
Juan Carlos Fontana

Rubinstein y Liss
autoría y dirección: Jorge Eiro, Federico Liss, David Rubinstein. intérpretes:Federico Lissy David Rubinstein.vestuario: Manuela Sánchez Almeyra. iluminación: Ricardo Sica. sala: Rodney Bar, Rodney 400. funciones: sábados y domingos, a las 19.30. duración:60 minutos.
Domingo, llovizna, un bar frente al cementerio de Chacarita. Una camioneta frena de golpe en la vereda mojada. Dos hombres salen, golpean puertas, discuten. Son Miguel y Laureano, dos hermanos que deben rondar los 40. A medida que avanza su charla-discusión nos enteramos que acaba de fallecer su padre. La acción se desarrolla a partir del dolor de esa pérdida. Se tiñe de reproches, de gestos de afectos furtivos, como si ambos se avergonzarán. Sollozan. Uno le reprocha al otro haberle “quitado” su chica. Uno de ellos se erige como el ganador, el otro, lógico, es el perdedor. La posta va de uno a otro. El fragor de las interpretaciones de Federico Liss y David Rubinstein se tiñen de verosimilitud, de emociones que los avergüenza mostrar. ¿Por ser hombres? Quizás. El viejo mandato de los hombres se bancan el dolor toma su lugar. Pero cierto atisbo de humor también.
Esta pieza se paseó por varios espacios. Recaló en el mítico bar Rodney, de Chacarita y desde allí intenta hacer latir el corazón de los que se acercan, mientras beben cerveza en sus mesas. Liss y Rubinstein hacen verosímil una historia que se sostiene a partir de hilvanar circunstancias inconexas, que no cierran. Pero ocurre, como tantas veces, son los intérpretes los que obligan a creer lo que les sucede en la piel, en el cuerpo, en la transpiración de sus caras, en las lágrimas que derraman. Un dato interesante: como hay escenas en la calle, Liss y Rubinstein están preparados para improvisar si alguien se acerca. El dúo hace que la situación se vuelva claustrofóbica y sus emociones salpiquen, aunque a veces falten las palabras para redondear el relato. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

El pasado podría ser el presente
★★★ Chicos de Varsovia
Mercedes Méndez

Laura Oliva y elenco
autor: Dennis Smith, sobre el libro de Ana Wajszczuk. dirección: Dennis Smith. intérpretes: Laura Oliva, Cristina Dramisino, Aymará Abramovich, Maia Muravchik y elenco. sala: Cultural San Martín, Sarmiento 1551. funciones: sábados, a las 20; y domingos, a las 19. duración: 50 minutos.
En tiempos de guerra, una obra de teatro recuerda el levantamiento de Varsovia desde un punto de vista personal e histórico y la primera sensación es que el pasado es nuestro presente. Cuando todo lo que pensábamos que era imposible que vuelva a ocurrir comienza a materializarse, ya no tiene sentido hablar de los hechos del nazismo como algo imposible de revivir. Chicos de Varsovia trabaja sobre una tesis poderosa: nuestra identidad se construye sobre los restos de los que ya no están. El nuevo trabajo que dirige Dennis Smith sobre el libro homónimo de Ana Wajszczuk y con la actuación protagónica de Laura Oliva genera, por momentos, estremecimiento. Volver a escuchar testimonios de sobrevivientes y relatos sobre la crueldad de las ejecuciones masivas es aterrador. El relato de Wajszczuk utiliza el género de la crónica periodística para investigar la historia de sus propios antepasados polacos. Ahora, en su versión teatral somos los espectadores los destinatarios de su investigación y su voz es representada por Laura Oliva, quien trabaja un tono íntimo y sensible para llevar adelante esta historia.
Lo complejo aquí resultan las decisiones respecto a la puesta. El multifacético Dennis Smith trabaja con los múltiples lenguajes artísticos con los que dispone el teatro. En escena, hay cámaras y filmaciones, canciones, coreografías, música en vivo y una escenografía que busca la evocación poética. Todo es hermoso en su individualidad, pero los recursos no dialogan entre sí. La actuación es hacia las cámaras y los espectadores asistimos a la exhibición de un dispositivo interesante, pero sin comunicación. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

Otoño e invierno: secretos de familia que duelen tanto como el primer frío
Daniel Veronese vuelve a abordar una obra del sueco Lars Noren, con muy buenas actuaciones en una puesta en escena pulcra
Jazmín Carbonell
Guillermo Aragonés y Miriam Odorico, en Otoño e Invierno

Autor: Lars Noren. Adaptación y dirección: Daniel Veronese. Intérpretes: Inda Lavalle, Paula Ransenberg, Miriam Odorico y Guillermo Aragonés. Luces: Ricardo Sica. Sala: Timbre 4, México 3554. Funciones: domingos, a las 18. Duración: 60 minutos.
La excusa es sencilla, ordinaria y cotidiana: un almuerzo de domingo en la casa paterna. ¿Vale paterna ya en estos tiempos? La casa de la infancia, la de la familia. La que supo contener a estas dos hermanas ya grandes, tan distintas pero a la vez con esos puntos en común que duelen por haber transitado ciertos caminos a la par. Los padres –una vez más la costumbre de nomenclar desde la masculinidad acecha– son grandes, intensos. Están ahí, a la pesca de los errores de las hijas para marcarlos. Y ahí, en esas faltas, volverse más fuertes. ¿Es así acaso como se engendra el poder, la única manera es denostando al otro? Definitivamente no pero en esta familia ese pareciera ser el modelo. Uno que encarcela y desde el cual todos y todo se organiza.
La obra en cuestión es Otoño e invierno del sueco Lars Norén (Vigilia de noche, también dirigida por Veronese), que murió hace apenas unos meses a causa del Covid en un frío invierno escandinavo. La pieza fue escrita mucho antes e incluso llegó a las manos de Daniel Veronese, encargado de la adaptación y la dirección, quien la mandó a traducir y la guardó en un cajón durante años hasta que, en 2020, en el invierno austral y pandémico, reapareció y tuvo sentido. Poco importa si sucede en Suecia o en cualquier país del mundo, aquí se trata de una familia de clase media compuesta por Marga (Miriam Odorico), Nicolás (Guillermo Aragonés) y sus hijas Eva y Ana (Paula Ransenberg e Inda Lavalle respectivamente).
La puesta es pulcra, quizá porque la suciedad se esconde; blanca, porque desde ahí todo se construye; artificial porque así es, porque casi están sin vida, porque en los pliegues se encuentra la verdad y a esta hay que buscarla para sacarla a la luz, una luz triste, descolorida.
La familia funciona aquí como ese vínculo primario desde el cual nacen todos los otros lazos. O también, este germen desde el cual se articulan todas las demás relaciones, se contaminan, se comprenden. Aquí no hay buenos ni malos. Todos tienen de todo un poco y entonces las víctimas también son victimarias y los roles se irán intercambiando conforme avance la acción, las historias emerjan, los recuerdos asalten la tarde. Y entonces ese primer frío, ese que anuncia el otoño, se volverá helado cuando se acerque al nudo del dolor y llegue el invierno. Pero por suerte luego viene la primavera y más tarde el verano.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Encierros (2x2+1): Tres postales postmodernas de Susana Torres Molina
La propuesta consta de tres obras breves de la autora con un concepto en común y los brillantes trabajos de Silvia Dietrich y Emiliano Díaz
Leni González
Silvia Dietrich y Emiliano Díaz, en Encierros

Libro y dirección: Susana Torres Molina. Intérpretes: Silvia Dietrich y Emiliano Díaz. Voces en off: Santiago Schefer y S. Torres Molina. Música: Carmen Baliero. Luces: Luciana Giacobbe. Escenografía y vestuario: 2x2+1. Nexos poéticos: María Mascheroni. Sala: Teatro del Pueblo, Lavalle 3636. Funciones: jueves, a las 21. Duración: 50 minutos.

Ganadora del Premio Nacional, en 2019, por Ya vas a ver; del Municipal, otorgado por la Ciudad de Buenos Aires en 2012, por Manifiesto vs Manifiesto; y, entre otros, del Konex 2014, Susana Torres Molina ocupa un lugar central en nuestra dramaturgia desde el estreno de su primera obra, Extraño juguete, en 1977. No siempre pero, en general, es directora de sus propios textos como en esta vez, en el primer piso del Teatro del Pueblo donde presenta Encierros, en cuyo subtítulo (2x2+1) se resume la fórmula del espectáculo integrado por tres obras cortas con un recorrido anterior: dos monólogos, Hurlingham, interpretado por Silvia Dietrich, y Nada entre los dientes, por Emiliano Díaz, más Le Privé, adaptación de Privacidad (2013), con ambos protagonistas. “Fetiches” o no, a Torres Molina le gusta repetir equipos artísticos: con Dietrich y Díaz, sólidos y muy potentes intérpretes, trabajó no sólo en Privacidad sino también en Esa extraña forma de pasión (2010) y Estática (2011).
Un cuadrado delineado por luces marca el encierro, un lugar despojado, con muy pocos objetos, de donde no se sale, un límite que hoy resuena de modo global. Pero hay otros encierros, en plural, impuestos o aceptados en distintos contextos: el de una madre en un geriátrico, internada por la hija, la misma que pasó su infancia pupila en, según la madre, el mejor colegio. El de un hombre en un mundo distópico, imposibilitado de cualquier contacto “presencial”, atado a las pantallas y unas pastillas que lo alimentan, perdido en un espacio sin tiempo. El de dos seres insatisfechos que, en tono de comedia irónica, buscan vitalidad en la seducción compulsiva de la que no pueden escapar.
Desde el prólogo, cada pieza está anudada a la siguiente por los nexos poéticos escritos por María Mascheroni, enunciados por las voces en off de Santiago Schefer y de Torres Molina, con un compás de reiteración y cierto agobio que marca la música de Carmen Baliero y los cambios lumínicos de Luciana Giacobbe, todos usuales colaboradores de la directora, un grupo de artistas que se conoce. No es una coincidencia al pasar sino que en escena se nota la fluidez del conjunto, donde hay lugar para cada uno, con materiales muy distintos, pero al unísono, sin desafinar, sin perder el concepto que la autora y directora se propuso al reunir estas postales del encierro.
Silvia Dietrich y Emiliano Díaz se lucen en Encierros, el nuevo espectáculo de Susana Torres Molina

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CRÍTICAS DE TEATRO

Pieza para maniquíes y un actor de reparto: elocuente propuesta de teatro de objetos
Ana Alvarado logra transformar el escenario de intérpretes y elementos, sobre un texto de Gabriel Penner
Mónica Berman
Pieza para maniquíes y un actor de reparto (Documental sobre el silencio)

Pieza para maniquíes y un actor de reparto (Documental sobre el silencio). Dramaturgia: Gabriel Penner. Dirección: Ana Alvarado. Intérpretes: Pablo Maidana, Luciano Mansur, Guillermo Tassara. Vestuario y escenografía: Gabriella Gerdelics. Diseño sonoro y música original: Cecilia Candia. Sala: Espacio Experimental Leonidas Barletta, Av. Roque Sáenz Peña 943. Funciones: Viernes, a las 21. Duración: 50 minutos.

Las propuestas de teatro de objetos no suelen ser habituales en nuestros escenarios. No porque no se produzcan sino porque, en general, quedan restringidas a circuitos más pequeños. Esta vez, bajo la dirección de la talentosa Ana Alvarado a partir de un texto de Gabriel Penner se presenta esta pieza que parece tener un título temático y no lo tiene.
¿Alguien espera el argumento de la propuesta? Puede decirse que se tematiza el arte, que se interroga por él, que se plantean cuestiones sobre lo escénico y sobre la construcción de la escena. Pero decir esto es el mejor modo de desvirtuar lo que sucede.
Alvarado logra mutar el espacio de manera constante y sorpresiva. Logra transformar, también, el lugar de intérpretes y objetos. Sobre el texto de Penner se inscribe una puesta que de ninguna manera ilustra, muy por el contrario, señala el lugar particular de lo escénico: eso que no se puede (o no vale la pena) transponer.
Se suma un precioso homenaje a hacedores de diferentes épocas y “estilos” del arte de los títeres y objetos que provocan sonrisas en quienes leen los intertextos (interobjetos deberíamos decir) y abren un camino nuevo a quienes los desconocían. Guillermo Tassara, Luciano Manzur y Pablo Maidana le prestan cuerpo al juego escénico y objetual de los modos más diversos. Las palabras que oscilan entre lo poético y lo hermético.
Como corresponde a propuestas como ésta cada espectador se llevará algo diferente porque el relato del sentido común no preside las leyes de la puesta.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Teatro: AIRE DE MONTAÑA


AIRE DE MONTAÑA
Una obra de Pilar Ruiz
Lorena regresa a la ciudad que abandonó treinta años atrás. Su hijo, Tomás, la acompaña. Tocan timbre en la casa vecina, se reencuentra con Marina y Jorge.
Quizás, el reencuentro no es tan casual. La noche, el alcohol y los discos avanzan. El calor de los cuerpos se filtra en los recuerdos, las palabras se embriagan y todo comienza a ser una avalancha de sensaciones. Cada segundo adquiere la espesura de la eternidad. Esta noche el amor, el deseo, la vida y la muerte se contagian en cada mirada, cada brindis, cada risa, cada palabra, cada silencio, cada canción y cada foto.
Una obra que, en un entramado lleno de tensión dramática y humor, intenta traficar el amor como único gesto posible ante la certeza de la finitud.
Obra ganadora del Premio CTBA + BANCO CIUDAD 2020-2021

Actúan: Carlos Portaluppi, Clarisa Korovsky, Juan Tupac Soler, María Inés Sancerni
Diseño de escenografía: Julieta Potenze
Realización de escenografía: Ariel Vaccaro
Diseño de vestuario: Valentina Remenik
Diseño de iluminación: Lucía Feijoó
Música original: Milagros Garcilazo
Asesoramiento coreográfico: Andrés Molina
Prensa y difusión: Carolina Alfonso
Diseño gráfico: Juan Pablo Rodríguez
Fotografía: Francisco Castro Pizzo
Producción general: Poética Resiliencia
Co-Productor: Galpón de Guevara
Asistencia de dirección: Valentina Lozano
Dramaturgia y dirección: Pilar Ruiz
Funciones: martes 21 hs.
Duración: 60 minutos


EL GALPÓN DE GUEVARA

Guevara 326, Chacarita, Buenos Aires, Argentina

https://www.galpondeguevara.com/

Entradas: Gorra virtual desde $1000

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CRÍTICAS DE TEATRO

Hilarante contrapunto actoral con un fino humor negro
La pipa de la paz
Federico IrazábalBlum y Surraco
Autora: Alicia Muñoz. intérpretes: Betiana Blum y Sergio Surraco. dirección: Betiana Blum. producción: Giuliano Bacchi. teatro: Apolo. funciones: de jueves a domingos, a las 21.
La pipa de la paz es una típica comedia dramática, en la que a través de ciertas estrategias retó- ricas y dramáticas se logra la construcción de dos personajes profundamente re- conocibles, sin que por ello pierdan nada de teatral. La madre, interpretada por la siempre brillante Betiana Blum, se sirve de cuanta estrategia hiperbólica encuentra para lograr en la platea el humor al tiempo que el reconocimiento. Una madre pulpo, incapacitada –como le reprocha su hijo– de ver el mundo más allá de su propio ombligo, desarrolla estrategias para seguir siendo un centro, que tal vez nunca fue o que lo fue solo en su propio imaginario. El humor negro se encuentra en el centro de la escena gracias a un marido ya muerto y un acontecimiento central con uno de sus yernos, que la ubica directamente en el ridículo.
Blum lo da absolutamente todo y le entrega a la platea hilarantes momentos que nos remiten a la zona más satírica de nuestro espectáculo. Sergio Surraco la acompaña con gran talento, sabiendo que su personaje, desde el texto, tiene el rol principal de ser la excusa para que su madre asome con toda su furia, aunque se reserve alguna que otra escena para ampliar su rango expresivo.
Desde la dramaturgia pueden notarse algunas zonas no tan sólidamente trabajadas, para justificar, por ejemplo, que un exitoso mediador de la ONU pueda por un simple llamado telefónico viajar miles de kilómetros así sin más, dejando un conflicto bélico estallar en África. Esa zona geopolítica, con referencia a conflictos actuales y dolorosos, en el medio de una comedia tan hilarante se vuelve innecesaria, más aún cuando se tiene actores con esa enorme capacidad de juego. La puesta en escena, la escenografía y las luces se ponen exclusivamente al servicio de ese juego actoral. La transición entre escena y escena y el diseño sonoro seguramente se irán ajustando con el correr de las funciones. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

TEATRO
★★★★ tito, la peor tragedia de william shakespeare 100’.
Pablo GorleroCejas y Tombetti
Nuestros críticos destacan la audacia de la nueva versión de Tito Andrónico; y Rota, un unipersonal conmovedor
Dramaturgia: Marcos Arano Forteza y Gabriel Graves. dirección: Arano Forteza. elenco: Santiago Cejas, Darío Chiocconi, Juan Pablo Galimberti, Vanesa González, Magalí Meliá, Manuel Lorenzo, Federico Tombetti y Abián Vainstein. funciones: lunes, a las 20. teatro: El Picadero. duración: 100 ·
Juego, simulacro, cons- trucción, prueba-error y, sobre todo, transformación es lo que transcurre felizmente en esce- na en esta plausible versión de Tito Andrónico, la “obra maldita” de William Shakespeare. El grupo La Idea Fija (al que hay que prestarle mucha atención) apostó a la representación misma del teatro.
Antes que nada habría que aclarar que en este montaje no se aborda la tragedia del bardo isabelino tal cual fue concebida... por fortuna, porque si no el escenario del Picadero sería un reguero de sangre. Desde siempre se consideró a esta obra como una de las más difíciles de representar por la violencia desmedida, por la cantidad de personajes, porque hasta en tiempos lejanos era considerada tan “nociva” como “brutal”. Pero una autoridad enorme como Harold Bloom ya anticipó hace unos cuantos años que más que una tragedia, Tito Andrónico es una parodia.
Por ese camino eligieron seguir Marcos Arano Forteza (desde la dirección y la adaptación) junto con Gabriel Graves (adaptación). Este Tito Andrónico no le da respiro al espectador y aquellos momentos más groseros, más bestiales e, incluso, dramáticos llevan irremediablemente a una risa general que es cómplice perfecta del juego de estos artistas, cercanos a aquellos cómicos de la legua. Arano Forteza se nutrió de un elenco sobresaliente en el que todos tienen sus momentos de lucimiento, donde no se cansan de correr, subir, bajar, transformarse, cambiarse un yelmo por una peluca, una capa por un vestido (en este aspecto también sobresale el trabajo de Vanesa Abramovich en el vestuario). Estos cómicos –en el mejor sentido de la palabra– cuentan y representan esta historia sangrienta plena de injusticias transformándola en un hecho artístico diferente (¡gracias!) a las habituales propuestas del circuito teatral comercial. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

Raquel Ameri se transforma y logra conmover

CARLOS PACHECO

Rota

Autora: Natalia Villamil. dirección: Mariano Stolkiner. intérprete: Raquel Ameri. música : Rafael Sucheras. luces: Julio López. escenografía y vestuario: Magalí Acha. asistente de dirección: Eleonora Di Bello. sala: El Extranjero, Valentín Gómez 3380. funciones: Sábados, a las 20. duración: 70 minutos.
La dramaturga Natalia Villamil recupera en Rota la historia de una madre que ha perdido a su hijo. Las causas las descubrirá el espectador sobre el final del espectáculo. La autora irá construyendo, a través de un relato fragmentado, no solo el universo individual del personaje sino que, también, se detendrá a reparar en la realidad de muchas mujeres que, por diversas causas relacionadas con la violencia de género, han desaparecido, muerto o pudieron escapar a situaciones traumáticas pero ellas han quedado marcadas en sus cuerpos.
En el caso de este personaje las palabras resultan un salvoconducto ideal para dar a conocer su historia y posicionarse frente a una sociedad que, tal vez, poco o nada reflexiona sobre una situación personal de estas características.
Sobre los mismos fragmentos a los que hacíamos referencia trabaja el director Mariano Stolkiner junto a un destacado equipo que conforman, en luces Julio López y en música, Rafael Sucheras. Intensidad en el relato, el ritmo justo en la acción, potencia en ciertas imágenes que resultan muy provocadoras para resaltar la performance de la actriz Raquel Ameri.
Ella transita el monólogo provocando una sostenida conmoción en quien la escucha. Su cuerpo se transforma tantas veces como lo pide el texto y aún cuando la técnica (luz, sonido) la llevan a trasladarse a otros campos expresivos que dan sostén a esta representación. En ella se reconoce una muy atractiva investigación escénica. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

El abordaje musical de una vida compleja y apasionante
¿quién es Clara Wieck?
Juan GarffAnnie Dutoit Argerich
Autores: Betty Gambartes y Diego Vila. dirección: Betty Gambartes. intérpretes: Annie Dutoit Argerich, Eduardo Delgado (piano), Víctor Torres (barítono). sala: Cunill Cabanellas, Teatro San Martín. funciones: miércoles a domingos, a las 19. duración: 90 minutos.
La respuesta a la pregunta que titula la obra es múltiple: Clara Wieck fue pianista virtuosa, hija perfecta, compañera de Robert Schumann, enamorada de Johannes Brahms... Una figura que emerge entre el mandato paterno y su ca- samiento con Schumann, estrella del romanticismo, pero de presencia evanescente en la alienación que lo llevó a morir joven en un hospicio. Entre la relación fluctuante con Brahms y el entorno de una sociedad que la consagra artísticamente, pero la condena por no ceñirse al rol asignado a la mujer.
La bioficción de Betty Gambartes y Diego Vila las pone en escena a través de la protagonista interpelando al público, convertido de alguna manera en todos los públicos a través de los tiempos. El unipersonal a cargo de Annie Dutoit Argerich discurre en un diálogo fluido con piezas musicales de Schumann, Brahms y la misma Clara Wieck, interpretadas por el barítono Víctor Torres y por Eduardo Delgado al piano. Un dispositivo escénico inteligente coloca en primera línea el relato de Clara Wieck e incidiendo desde una diagonal por detrás de ella, a la música que evoca a Schumann y Brahms. Y en un fondo difuso, imágenes y sonidos de situaciones y climas que marcaron su vida.
La actriz suiza Dutoit Argerich –ella misma hija de pianista célebre– intercala en su texto expresiones en alemán que aportan a la recreación del personaje. Traducciones mediante sobretitulado de las letras de los lieder podrían haber agregado mayor intensidad aún a la simbiosis de la música con el decir de Clara Wieck.
El relato oscila entre los datos biográficos y las vicisitudes vitales del personaje. Dutoit Argerich lo representa en dos registros, cual piano y forte de alternancia repentina, a veces sin crescendo. Hasta el requiem final por un personaje conmovedor en su esfuerzo, posiblemente vano, de escapar al mandato paterno. •

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CRÍTICAS DE TEATRO

Autoras: Patricia Suárez y Rita Terranova.elenco:ClaudiaCárpena, Gaby Barrios, Gabriel Schapiro, Gabriela Blanco, Susana Giannone, Hernán Cuevas, Pablo Rodríguez Albi, Leandro Cóccaro, Renata Marrone, Luciana Ulrich Cárpena, Caro Gleser, Ana Clara D’Albenzio, Silvia Bek y Thelma Demarchi. dirección: R. Terranova. sala: El Tinglado, Mario Bravo 948. funciones: sábados, a las 20.30. duración: 75’.

Galería de viñetas con personajes populares del siglo XIX
Leni González
En el verano de 1888, Buenos Aires vivió una sorpresiva huelga de “domésticos”, integrada por cocineros, mozos, cocheros y otros trabajadores que adhirieron al reclamo contra la libreta de conchabo, documento donde los patrones debían ”evaluar” la conducta de los empleados. Ese es el marco elegido por Patricia Suárez y Rita Terranova, para reunir a casi una veintena de personajes interpretados por 14 actores y actrices, un número para nada frecuente en el teatro.
De Interés Cultural por el Ministerio de Cultura Nacional y uno de los proyectos ganadores del Premio Banco Ciudad, Babel cocina presenta una sucesión de historias breves de la gente de los sectores populares, mujeres como la vendedora de flores, mendiga, la novia abandonada, la madre que busca al hijo inmigrante, la niñera francesa, una galería propia de la mitología rioplatense y el sainete criollo.
Sin ninguna escenografía, los artificios de la teatralidad están expuestos de modo ostensible, interpelando a los espectadores. Con fluidez, cada uno de los cuadros corren como las páginas de un libro: desde el principio, se presenta el tema, se le dice al público de qué se trata, y con frecuencia, aparece en escena una narradora omnisciente que comenta los hechos por venir. Esta Babel colorida y diversa, con sus “pequeñas historias” sobre alegrías y tristezas de trabajadores y desvalidos que recién empezaban a luchar por sus derechos, se cuenta con tono festivo y algo caricaturesco. No hay historia trágica sino una épica popular, apadrinada por el Gauchito Gil, capaz de cambiar el rumbo cuando se junta. Y todo el elenco –que incluye a la experimentada actriz Claudia Cárpena– manifiesta esa alegría grupal con entusiasmo.

Autoras: Patricia Suárez y Rita Terranova.elenco:ClaudiaCárpena, Gaby Barrios, Gabriel Schapiro, Gabriela Blanco, Susana Giannone, Hernán Cuevas, Pablo Rodríguez Albi, Leandro Cóccaro, Renata Marrone, Luciana Ulrich Cárpena, Caro Gleser, Ana Clara D’Albenzio, Silvia Bek y Thelma Demarchi. dirección: R. Terranova. sala: El Tinglado, Mario Bravo 948. funciones: sábados, a las 20.30. duración: 75’.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Textos y letras: Leonardo Nápoli y Lorena Lores. dirección: Leonardo Nápoli. intérpretes: Ana María Cores, Lorena Lores y Alejandro Vázquez. música y dirección musical: José Luis Castiñeira de Dios. coreografía: Mecha Fernández. teatro: Hasta Trilce, Maza 177. funciones: viernes y sábados a las 21. duración: 70 minutos.

Sensible y bella parábola basada en un hecho real

Gustavo LladósCores y Lores
Este musical de cámara es tan atractivo como oportuno para este tiempo de contienda bélica, y remite a lo que les ocurrió a muchos de nues- tros abuelos, de ahí el alto impacto emocional que genera en la platea. Se centra en el derrotero de una miliciana gallega, que debió dejar a su esposo enfermo y a su país en las postrimerías de la Guerra Civil Española para salvar su vida, y, previo paso por Francia, recaló en la Argentina próspera de mediados de los años 40, aquella que abrazaba a todos los inmigrantes, incluida dos los exiliados políticos. Basada en una historia real, la de una vecina republicana de la infancia, Leonardo Nápoli, el autor y director del espectáculo, construyó una sensible parábola de condición humana con un alto contenido artístico (que además hecha luz sobre el rol activo que tuvieron las mujeres en la lucha contra el franquismo). Para esto contó con un elemento de lujo: la música de José Luis Castiñeira de Dios (quien, a su vez, se rodeó de los mejores músicos para ejecutar su obra; entre ellos Pablo Agri, Ricardo Lew, Juan Pablo Navarro y Alejandro Santos).
Los intérpretes que dan vida a los personajes de esta oda al amor, la amistad y el compromiso ideológico lo entregan todo, tanto Alejandro Vázquez (quien compone al nieto de la protagonista y a su marido), como Lorena Lores (amiga y compañera de lucha, con quien la heroína mantiene correspondencia epistolar a lo largo de los años) y, especialmente, Ana María Cores, en la piel de Isabel, alma y corazón de
Lejano resplandor de luna. El trabajo que aquí ofrece la reconocida actriz de musicales, a 50 años de su labor en Hair, tal vez sea –por intensidad, complejidad y calidad– el mejor de toda su carrera.

Textos y letras: Leonardo Nápoli y Lorena Lores. dirección: Leonardo Nápoli. intérpretes: Ana María Cores, Lorena Lores y Alejandro Vázquez. música y dirección musical: José Luis Castiñeira de Dios. coreografía: Mecha Fernández. teatro: Hasta Trilce, Maza 177. funciones: viernes y sábados a las 21. duración: 70 minutos.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Texto: Jorgelina Aruzzi. dirección: Carlos Casella y Jorgelina Aruzzi. intérpretes: Griselda Siciliani, Eddy García, Rakhal Herrero, Juan Cruz Martínez Mosquera, Hervé Segata y Nicolás Tadioli. coreografía: CarlosCasella. producción general: Tomás Rottemberg. sala: Mutitabarís Comafi. duración: 60 minutos. funciones: de miércoles a domingos.

Por fin una jugada distinta e inteligente en la calle Corrientes
Alejandro CruzOtro gran trabajo de Griselda Siciliani
“Siento que a cada paso que doy soy más auténtica, más fiel a mi singularidad”, confesó Griselda Siciliani en la entrevista previa al estreno de
Pura sangre. Fiel a esa declaración, la multifacética intérprete lleva esa autenticidad y esa singularidad que la caracteriza al escenario del Multitabarís Comafi al servicio de la historia de un mujer domada por las exigencias sociales y culturales machistas. A lo largo de 60 minutos, el personaje central confiesa la ardua tarea que implica ser amada. Con tal de cum- plir con el mandato, parece no medir las consecuencias. Cumple con el rol: se viste de la manera más seductora, se depila hasta lo indepilable, justifica lo injustificable con ser deseada por un hombre. Duerme con un tipo que sabe perfectamente que no es su tipo desde el primer momento, pero no importa. Cueste lo que cueste, ella va adelante. Se toma una avión a Nueva York para un encuentro amoroso imposible o se sube a su auto hasta un lugar del conurbano perdido sin medir las consecuencias. “Soy eso que vos necesitás”, dice y se dice en un momento. Pero, claro, todo tiene sus consecuencias. “Es muy duro el revolcarse en los vidrios rotos del desamor”, reconoce.
La acción transcurre en una caballeriza de madera. Esta mujer tiene mucho de una yegua depura sangre entre nada para ganar carreras. A esta mujer en cuestión los mandatos le hicieron creer que su carrera es ser amada por estrictas reglas que no contemplan su deseo, sus necesidades, su cuerpo. En ese endeble marco, siempre acecha la frustración, la idea del fracaso permanente, los vidrios rotos del desamor. El espectáculo ideado por Jory gelina Aruzzi, Carlos Casella y Siciliani transita esa situación apelando todo el tiempo a los efectivos gestos humorísticos que se articulan en una puesta atravesada por lo coreográfico, por lo musical, por las canciones originales. Esos elementos dan cuerpo a esta especie de manifiesto de una mujer dispuesta a decir basta, de correr su propia carrera.

La exquisita Griselda Siciliani está acompañada (e interpelada) en escena por los actores y bailarines Eddy García, Rakhal Herrero, Juan Cruz Martínez Mosquera, Hervé Segata y Nicolás Tadioli (muchos de ellos, de larga trayectoria en la escena alternativa). Este dream team de machos diversos hace recordar a la estructura de montaje de cuando Siciliani, junto a Carla Peterson, estrenaron en 2009 Corazón idiota.
Carlos Casella fue uno de los directores de esa puesta. En esta oportunidad, es uno de los directores de la actual puesta, el coreógrafo el encargado de la música original junto a Martín Bosa. Con Griselda se conocen de los tiempos de El Descueve, aquel icónico grupo de danza. Siciliani conoció a Jorgelina Aruzzi, la autora y codirectora de Pura sangre, mientras grababan Educando a Nina, en 2016. Los pasos previos de este equipo creativo encuentran en Pura sangre un grado de articulación y maduración sumamente elogiable. Griselda Siciliani sabe con quién rodearse y demuestra ser una yegua escénica de pura sangre. Es la magnífica y atrapante intérprete que baila. Es la que canta. Es la se trepa a lo alto del tablado. Es la que intenta rearmarse todo el tiempo en medio de los vidrios rotos del desamor. Es la que dice basta. Es la mujer dispuesta a desear y ser deseada, la que se entrega al juego escénico con profunda convicción.
Hay otro aspecto colateral a destacar en esta producción que se acaba de estrenar: el haber apostado por trabajos que se escapan de cierta métrica de la escena comercial (y más en estos complejos tiempos en lo que se suele apostar por obras ya probadas, con espectáculos con alto millaje propio). Desde esta otra perspectiva, aunque al trabajo le falte ajustar su maquinaria interna, Pura sangre, el amor es un monstruo es una bocanada de buenos aires para la cartelera porteña de la avenida Corrientes. 

Texto: Jorgelina Aruzzi. dirección: Carlos Casella y Jorgelina Aruzzi. intérpretes: Griselda Siciliani, Eddy García, Rakhal Herrero, Juan Cruz Martínez Mosquera, Hervé Segata y Nicolás Tadioli. coreografía: CarlosCasella. producción general: Tomás Rottemberg. sala: Mutitabarís Comafi. duración: 60 minutos. funciones: de miércoles a domingos.

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CRÍTICAS DE TEATRO

DIRECCIÓN general: Juan Pablo Ragonese y Tomás Luna. intérpretes: Giselle Cánepa, Camila Cobo, Delfina Ipoutcha, Juan López Boyadjian, Tomás Luna, Martín Mena Mauger, Juanjo Moreno, Juan Pablo Ragonese, Daniela Rubiatti, Celeste Sánchez, Barbie Tallón, Guga Valdez. dirección musical y luces: Juan Pablo Ragonese. coreografía: Tomás Luna. producción: Horacio Acosta. teatro: Apolo. funciones: sábados, a las 23.30. duración: 100 minutos.
Un show atípico con la energía de los más jóvenes
Gustavo Lladós
Ragonese y Valdez
La propuesta es sencilla pero no por eso menos lograda ni gratificante. Surgió en medio de la pandemia, como un encuentro festivo entre cuatro jóvenes cantantes y amigos, producido para compartir vía streaming con sus coetáneos, bajo el nombre de Lo que se nos canta; y consistió en un re- corrido a piacere por temas populares de aquí y de allá. 

Luego, en septiembre del año pasado, arribó a una sala del circuito off con el aditamento de bailarines y el título extendido a Lo que se nos canta y baila. Ahora, sobre el escenario del teatro Apolo, el espectáculo (que en realidad se podría definir como un recital con coreografías) suma banda y y está destinado a una platea intergeneracional, ya que incluye tanto hits de la factoría Disney y leitmotivs de films de distintas épocas como tributos a El Club del Clan, Queen, Luis Miguel, Michael Jackson, ABBA y Raffaella Carrà.
Si bien los cambios implementados no alcanzan para ocultar su origen amateur (sobre todo por la falta de un férreo libreto, que deja a los protagonistas librados a su suerte), Lo que se nos canta ybaila gana en calidad con respecto al original y se acerca a un nivel profesional, ayudado por un buen diseño de luces y un vistoso vestuario. Lo mejor son los cantantes (Juan López Boyadjian, Juan Pablo Ragonese, Daniela Rubiatti y Goga Valdez). Por su parte, el cuerpo de baile se muestra vigoroso y, en general, preciso en cada uno de sus cuadros. Un punto a destacar es que en el elenco no prima un patrón corporal hegemónico. Hay artistas de distintas alturas y pesos; lo que los une es el talento en vías de desarrollo.

DIRECCIÓN general: Juan Pablo Ragonese y Tomás Luna. intérpretes: Giselle Cánepa, Camila Cobo, Delfina Ipoutcha, Juan López Boyadjian, Tomás Luna, Martín Mena Mauger, Juanjo Moreno, Juan Pablo Ragonese, Daniela Rubiatti, Celeste Sánchez, Barbie Tallón, Guga Valdez. dirección musical y luces: Juan Pablo Ragonese. coreografía: Tomás Luna. producción: Horacio Acosta. teatro: Apolo. funciones: sábados, a las 23.30. duración: 100 minutos.

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CRÍTICAS DE TEATRO

AUTOR: Henrik Ibsen. dirección: Rubén Szuchmacher. intérpretes: Claudia Cantero, Andrea Jaet, José Mehrez, Verónica Pelaccini, Horacio Peña y Alejandro Vizzotti. vestuario y escenografía: Jorge Ferrari. música: Bárbara Togander. iluminación: Gonzalo Córdova. teatro: Nacional Cervantes, Libertad 815. funciones: miércoles a domingos, a las 20. duración: 70 minutos.

Un halo de misterio sobre el artista
Mercedes Méndez
Peña y Pelaccini
Es difícil pasar por alto la primera imagen del escenario cuando se levanta el telón. En las puestas del director Rubén Szuchmacher, siempre hay un cuadro de situación que no sólo refiere a la época y al espacio, sino también a la emocionalidad, la jerar- quía y las condiciones en las que se encuentran los personajes. Los juegos de fuerza están pensados, las zonas libres y las que están ocupadas, los colores que dominan la escena y también la actitud de los cuerpos. Es algo que sucede en los primeros segundos en los que comienza la obra y que se volverá paradigma del espectáculo entero.
Su último estreno en el Cervantes no es la excepción. La primera imagen de
Cuando nosotros los muertos despertamos instala una atmósfera que pone en jaque el concepto del naturalismo al cual fue asociado el autor de la obra, Henrik Ibsen. ¿Es posible que esta historia pueda observarse bajo la bruma de una ensoñación y una imagen evanescente?
Es la última pieza que escribió Ibsen, en 1899. Si bien es referente de un teatro de ideas que planteó dilemas sociales y morales, en este caso los caminos son más sinuosos, abarcan el simbolismo y exploran con una lupa al individuo. ¿Qué quiere decir realmente estar vivo? Esta historia sobre un artista que quedó neutralizado por su mejor obra de arte, sobre la vida sin amor, sobre la inspiración y habrá que ver la búsqueda de la libertad bajo este manto que nos propone su adaptación. Un manto que expone la construcción de los modelos sociales y las preguntas más existenciales, que siempre tienen un último tramo de misterio.

AUTOR: Henrik Ibsen. dirección: Rubén Szuchmacher. intérpretes: Claudia Cantero, Andrea Jaet, José Mehrez, Verónica Pelaccini, Horacio Peña y Alejandro Vizzotti. vestuario y escenografía: Jorge Ferrari. música: Bárbara Togander. iluminación: Gonzalo Córdova. teatro: Nacional Cervantes, Libertad 815. funciones: miércoles a domingos, a las 20. duración: 70 minutos.

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CRÍTICAS DE TEATRO

Autor, director e intérprete: Martin Flores Cárdenas. escenografía: Ruslan Alastair Silva. música original: Fernando Tur, Martín Flores Cárdenas. sonido: Ramiro Vergara. producción: Valeria Casielles. sala: Casa Teatro Estudio, Guardia Vieja 4257. funciones: lunes y viernes, a las 20.30. duración: 45 minutos.
El enorme camino del artista con su poderío y fragilidad
Mercedes Méndez

Si el experimentador es quien se anima a salir del perímetro y dar un paso por fuera de su zona de seguridad o por los espacios ya probados por otros creadores, la última propuesta del director Martín Flores Cárdenas es una oda a ese momento frágil, incierto y poderoso de la experimentación.
“No creo que sea teatro documental. Tampoco una conferencia performática. En realidad no es nada”, dice el autor, director y único intérprete de No hay banda, en lacualseanimaaexponerun momento de su vida, para investigar los procedimientos para construir ficción y los relatos que nos generamos para explicarnos el mundo.
Su obra atraviesa un hecho personal: la muerte de un ser querido y desde ahí genera preguntas existenciales y al mismo tiempo investiga su propio oficio: ¿Cómo funciona una obra de teatro? ¿Cuáles son las convenciones que nos permiten creer en eso que vemos representado? En aquellas preguntas estructurales, este artista indaga sobre la complejidad de la actuación: ¿qué es actuar ¿Se puede actuar lo mínimo? y se sumerge en la pregunta sobre cómo armar una nueva convención: imágenes, proyecciones, audios de WhatsApp, micrófonos, un teclado, un relato y un universo entero atravesado por imágenes poéticas que él logra capturar en su escritura. Su obra performática es un presente absoluto para recuperar un momento del pasado y, a su vez, lanza flechas imaginarias hacia el futuro. En el camino, vemos el trabajo del artista en su intento de generar una nueva conceptualidad.

Autor, director e intérprete: Martin Flores Cárdenas. escenografía: Ruslan Alastair Silva. música original: Fernando Tur, Martín Flores Cárdenas. sonido: Ramiro Vergara. producción: Valeria Casielles. sala: Casa Teatro Estudio, Guardia Vieja 4257. funciones: lunes y viernes, a las 20.30. duración: 45 minutos.

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CRÍTICAS DE TEATRO

DRAMATURGIA: Víctor Hugo Morales. dirección: Julieta Otero. Intérpretes Malena Figó, Claudio DaPassano y Mayra Homar. escenografía: Ariel Vaccaro. producción:MarinaGlezer.teatro: El Picadero. funciones: Jueves, a las 20. duración: 60 minutos.
teatro
Pablo Gorlero
El reproche y No hay banda, entre las propuestas más destacadas por nuestros críticos.

Nada mejor que el misterio del teatro para el espectador desprevenido. Quien esto escribe no quiso enterarse nada de lo que iba a ver, la sorpresa es un riesgo pero puede ser también la vía al deleite. Y la primera pieza de Víctor Hugo Morales es muchísimo más inteligente que esa legión de comedias dramáticas que suelen inundar la calle Corrientes. A través de un conflicto matrimonial que se desencadena con mucha gracia, logra verter conceptos sobre los nuevos paradigmas y el amor monogámico en un crescendo que en ningún momento cae en la obviedad. El matrimonio en cuestión entra en una especie de juicio propio, juicio interno, en el que ambos son fiscales y acusados. Allí aparece una vertiente riquísima que provee a los intérpretes y al público de unos conceptos tan agudos como inteligentes o cuestionadores sobre las inseguridades y los celos, rémoras aniquiladoras de parejas.
El reproche es el duelo de la ironía porque hay un contrapunto magistral entre estos personajes, donde cada disparo es ácido, pícaro, con ese doble sentido que da un texto reforzado con un gesto preciso. Es que se trata de un gran trabajo en equipo. Los tres artistas que están sobre el escenario nutren cada frase, cada palabra, cada situación con el oficio de los grandes. Ellos son Malena Figó, Claudio Da Passano y Mayra Homar, conocedores eximios de la comedia y del drama, capaces de dirigirse al momento más hilarante y, luego, sumergirse en la profundidad del dolor, de la frustración. En este aspecto, es fundamental la conducción de Julieta Otero, con una mirada precisa y un manejo contundente del timing del género. Se descubre en su puesta la indicación exacta, la guía que necesita no sólo el intérprete si no la obra. Porque el espectador no parará de reírse... hasta que la risa se vuelva mueca incómoda.

\DRAMATURGIA: Víctor Hugo Morales. dirección: Julieta Otero. Intérpretes Malena Figó, Claudio DaPassano y Mayra Homar. escenografía: Ariel Vaccaro. producción:MarinaGlezer.teatro: El Picadero. funciones: Jueves, a las 20. duración: 60 minutos.

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