ESTRENOS DE LA SEMANA 2

Retrato de una mujer en llamas, una historia de amor conmovedora y sugestiva
El film de la directora francesa Anabella Sciamma está ambientado en el siglo XVIII, pero su relato resuena con fuerza en la actualidad

A. L. 
Retrato de una mujer en llamas, una historia de amor conmovedora y sugestiva
Retrato de una mujer en llamas (Portrait de la jeune fille en feu, Francia/2019). Dirección y guion: Céline Sciamma. Fotografía: Claire Mathon. Edición: Julien Lacheray. Elenco: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Luana Bajrami, Valeria Golino, Christel Baras, Cécile Morel, Armande Boulanger, Michèle Clément. Distribución: Impacto Cine. Duración: 120 minutos. Calificación: solo apta para mayores de 13 años. 
Después de dedicarse a contar cómo operan los amores platónicos y los deseos frustrados en personajes de la adolescencia y la infancia -en Tomboy y Girlhood-, Celine Sciamma, a la manera de corolario del que luce como un plan estético e ideológico, llegó al territorio del amor consumado con esta singular historia protagonizada por dos mujeres adultas a finales del siglo XVIII
Retrato de una mujer en llamas privilegia y pone en valor los mecanismos de la mirada: “Después de todo, amar a otra persona es mirarla”, declaró oportunamente esta directora francesa cuando el film se estrenó en el Festival de Cannes hace dos años.
La que observa en este caso es sobre todo Marianne (Noémie Merlant), contratada por la madre de Héloïse (Adèle Haenel) para que pinte a su hija pensando en el prometido milanés de su hermana fallecida, ahora candidato para ella, pero ella se niega obstinadamente a posar.
Para provocar en su modelo rebelde una serie de cambios de expresión que la ayuden a concretar y potenciar su obra, Marianne tiene una estrategia (una serie de paseos en los que sutilmente conduce a su sensible interlocutora por diferentes estados de ánimo) y una herramienta fundamental (la memoria). El resultado de ese ejercicio es una película intensa y sugestiva que transforma a la mujer-objeto tan repetida en la historia del cine en sujeto erótico por derecho propio, una operación digna de una ficción cabalmente feminista.

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Estrenos de cine: Ron da error muestra a la tecnología como el nuevo villano del cine animado
Siguiendo la línea de La familia Mitchell vs. las máquinas, lo nuevo de los británicos estudios Locksmith pone en la mira a un gurú tecnológico que apura una hiperconexión perjudicial para la infancia

M. S. 
Ron da error: ventajas y problemas de encontrar amigos digitales
Ron da error (Ron’s Gone Wrong, EE. UU.-Reino Unido-Canadá/2021). Dirección: Sarah Smith y Jean-Philippe Vine. Guion: Peter Baynham y Sarah Smith. Fotografía: David Peers y Hailey White. Música: Henry Jackman. Edición: David Burrows. Voces de: Jack Dylan Grazer, Zach Galifianakis, Ed Helms, Rob Delaney y Olivia Colman. Distribuidora: Buena Vista. Duración: 106 minutos. Calificación: apta para todo público. 
El nuevo villano de las películas animadas de Hollywood es el gurú tecnológico que logra a través de aplicaciones y dispositivos inteligentes una suerte de hiperconexión global, que sobre todo perjudica a los chicos. La primera producción del estudio británico Locksmith sigue una línea que ya se insinuaba en La familia Mitchell vs. las máquinas.
El héroe de la historia, Barney, es un chico distinto, marginado y víctima del bullying escolar sobre todo a partir de las costumbres de su familia, representadas en el personaje de la abuela, una extravagante anciana búlgara que huyó del comunismo. Esa condición se profundiza cuando no puede acceder a la atracción del momento: un artefacto digital con forma de huevo con todas las funciones de un celular inteligente y espíritu de “mejor amigo”. Su artífice, lleno de codicia y egoísmo, se parece demasiado a Bill Gates.
Ron da error, primera película animada de los estudios Locksmith
Los problemas empiezan cuando su culposo padre le consigue un ejemplar defectuoso del dispositivo. Allí, la idea de anomalía se lleva al extremo, escenario del que la película se vale para cuestionar la realidad de un mundo en el que se les impone a los chicos la obligación de conectarse para ser felices. Este mensaje, por lo general bastante explícito (hay una idea de tecnología “buena” y otra muy dañina), se compensa con una sucesión de muy buenos chistes visuales y de humor físico, y la inteligente construcción de los personajes.

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ESTRENOS DE LA SEMANA 2

Espiral: la incorporación de Chris Rock no logra resucitar la franquicia de terror
El juego del miedo invoca una poco convincente referencia a Black Lives Matter al hacer de la violencia policial la excusa para su intrincada y metódica tortura de personajes reprobables

H. F. 
Espiral: el juego del miedo continúa sumó a Chris Rock, fanático de la franquicia, como protagonista y productor ejecutivo

Espiral, el juego del miedo continúa (Spiral: From the Book of Saw, Estados Unidos/2021). Dirección: Darren Lynn Bousman. Guion: Josh Stolberg, Pete Golfinger. Edición: Dev Singh. Fotografía: Jordan Oram. Música: Charlie Clouser. Elenco: Chris Rock, Max Minghella, Marison Nichols, Samuel L. Jackson. Duración: 93 minutos. 

Chris Rock es un humorista ambicioso. Su segunda película como guionista y realizador, Creo que amo a mi mujer (2007) está inspirada de El amor a la hora de la siesta (1972) de Eric Rohmer, y la siguiente, Top Five (2014), incursiona en el universo de Woody Allen de modo más competente que la última decena de films del propio Allen.
En su protagónico de la cuarta temporada de Fargo, se corrió de su zona de confort y demostró que tiene rango para el drama. Es lícito preguntarse, entonces, ¿qué hace al frente de la novena película de la franquicia de El juego del miedo? La respuesta es: “No mucho”. En un muy tardío intento de reinvención, Espiral invoca una poco convincente referencia a Black Lives Matter al hacer de la violencia policial la excusa para su intrincada y metódica tortura de personajes moralmente cuestionables, el gancho de la serie.
Acaso este insospechado interés por la justicia social del sociópata asesino que protagoniza la franquicia haya atraído a Rock, junto a la oportunidad de demostrar la versatilidad de una auténtica estrella. Esto último, sin embargo, no aparece. Si bien Rock puede hacer funcionar semidormido el único momento ingenioso del film (el monólogo sobre si Forrest Gump murió de sida o no), cuando debe enunciar seriamente líneas de calidad deficiente, su interpretación es muy fallida. La trama policial es todo esquemática y trillada que puede ser porque solo funciona como el sistema de soporte de las escenas de tortura que, tras ocho títulos similares, no traen sorpresa alguna.

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After: Almas perdidas es tan melodramática como vacía de sensaciones
Inspirada en los bestsellers de Anna Todd, la tercera entrega de la saga adolescente padece los mismos problemas que signaron a sus predecesoras: falta de profundidad y hasta de sensualidad
P. V. P. 

After: Almas perdidas tercera entrega de una serie de films inspirados por un fan fiction

After: Almas perdidas (After We Fell, Estados Unidos/2021). Dirección: Castille Landon. Guion: Anna Todd, Sharon Soboil. Fotografía: Rob Givens, Joshua Reis. Edición: Morgan Halsey. Elenco: Josephine Langford, Hero Fiennes Tiffin, Louise Lombard, Stephen Moyer, Arielle Kebbel, Chance Perdomo, Rob Estes. Distribuidora: Diamond Films. Duración: 99 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años con reservas. 

La tercera entrega de la saga After Life, inspirada en los bestsellers de Anna Todd y nacida como fan fiction de la banda One Direction, padece los mismos problemas que signaron a sus predecesoras. La historia es la de Tessa (Josephine Langford) y Hardin (Hero Fiennes Tiffin), una joven pareja que se conoce, se enamora, se pelea y se reconcilia. Así una y mil veces, sin demasiadas vueltas argumentales que aquellas que sostienen las excusas para la disputa y el ardiente reencuentro.
Es llamativo que el componente sexual, pensado como atractivo por su aparente desinhibición, esté incrustado en la puesta en escena sin demasiada inteligencia, ni tampoco admirable sensualidad. Un vaso con hielo al lado de la cama, una rutina sudorosa en el gimnasio, tales son las pistas que implanta la película para su vaivén entre discusiones originadas por celos, distintos horizontes laborales o rencillas familiares y su apasionada reconciliación. Quizás esta vez el escenario no sea la fraternidad sino el mundillo editorial de Seattle pero la idea es siempre la misma. Y la construcción dramática sigue tan superficial como antes, pegando unas con otras escenas en jacuzzis, bailes en un evento, todo sumado para empujar la historia hacia un nuevo continuará.
Las narrativas juveniles siempre han sido un territorio fértil para el cine, renovador y audaz. El amor joven fue el centro del cine de los rebeldes en los 50, de las parejas desorientadas después de El graduado, de los descreídos del final del milenio. Pero acá la escritura sobrevuela todo conflicto y es apenas el hilo conductor de una serie de clisés sin demasiada fuerza ni magnetismo, situaciones de melodrama sin la excesiva puesta del género y música redundante e invasiva que intenta sustituir a las emociones.

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Moacir y yo: un vínculo tan tierno como risueño entre dos artistas
Tomás Lipgot vuelve sobre su relación con el músico brasileño que fue sujeto de tres de sus films previos
A. C. M. 
Moacir, el artista brasileño en el centro de la película de Tomás Lipgot

Moacir y yo (Argentina/2021). Dirección y guion: Tomás Lipgot. Fotografía y cámara: Javier Pistani. Música: Pablo Urristi. Edición: Leandro Tolchinisky. Duración: 74 minutos. 

El vínculo amistoso entre el músico y cantante brasileño Moacir dos Santos y el cineasta Tomás Lipgot se convirtió en una trilogía de películas iniciada en 2010 con el film Fortalezas, al que siguieron Moacir (2011) y Moacir II (2017), todos ellas protagonizados por dicho artista, fallecido en 2018. En forma de diario personal, el realizador resume en esta cuarta parte su amigable unión con ese brasileño cordial y simpático que mostró sus habilidades artísticas en modestos salones y, alguna vez, frente a un numeroso público que supo comprender su sincero arte. Desde su propia voz y figura, Lipgot recuerda la internación del artista en el Borda, se detiene esta vez en esos amigos que lo van encaminando hacia el éxito tan deseado por Moacir y muestra con enorme emoción y toques de humor el camino que deberá seguir para que sus canciones se abran a la popularidad.
Así el film comprime emociones del cine y de la vida doméstica y habla de la sinceridad de quienes, en este caso, rodearon como una gran familia a ese Moacir que siempre tendió su mano afectuosa hacia quienes se le acercaron con la voluntad de hacer de sus temas musicales un canto de vida y de ternura. Con estos elementos, el film se convierte en un documento universal acerca de la necesidad de creer en el deseo de ayudar a quien se tiene más cerca y, al mismo tiempo, a quienes necesitan rodearse de aquellos que lo comprenden y lo necesitan.

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