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lunes, 2 de agosto de 2021

LOS ESTRENOS


Un film notable y sagaz
A. L.


(argentina, 2021). Dirección: Gabriel Matías Lichtmann. Fotografía: Marcelo Lavintman. Montaje: Agustín Rolandelli y Viviana Vexlir. Elenco: Héctor Díaz, Thelma Fardin, Rafael Spregelburd, Walter Jakob, Julieta Zylberberg, Ana Katz, Juan Leyrado, Javier Drolas. Duración: 72 minutos. calificación: Apta para todo público. sala: Gaumont..
Alguien dice en un pasaje de este notable trabajo de Gabriel Lichtmann que Laila Salama es el tipo de personaje que pone en cuestión los límites entre ficción y realidad. Y es muy cierto: la fascinante historia de esta mujer de múltiples facetas, transformada aquí en un cuento que se suma al juego de borrar fronteras –entre géneros, entre verdades comprobables y pura mitología– es de esas que solemos calificar como “de película” y ponen a prueba nuestra capacidad de asombro.
Hija de un espía británico, reina de la belleza en su adolescencia, amante del mariscal Römmel, jerarca del nazismo, e informante del investigador Simon Wiesenthal, pieza clave para el juzgamiento de los responsables del Holocausto, esposa y madre ejemplar con identidad falsa, militante comunista y espía del Mossad, esta auténtica aventurera también mereció un tango dedicado a ella, el del titulo de este film atrapante de principio a fin gracias a la sagacidad con la que su director crea un clima de thriller de tinte político pero escapándole a la solemnidad y cargándolo de pasos de comedia (e incluso de referencias a las estéticas del noir y el expresionismo) que un gran elenco sabe cómo sostener aun en el riesgoso terreno de la “dramatización” documental.
Más que la veracidad de los hechos, lo que importa en La estrella roja es la verdad del relato, un objetivo al que Lichtmann se aferra con la convicción del narrador apasionado.

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Aventura tan exótica 
M. S.

(EE. UU./2021). Dirección: Jaume Collet-serra. Guion: Michael Green, Glenn Ficarra y John Requa. Fotografía: Flavio Labiano. Música: James Newton Howard. Edición: Joel Negron.elenco: Dwayne Johnson, Emily Blunt, Jack Whitehall, Jesse Plemons, Edgar Ramírez, Paul Giamatti. Duración: 127 minutos. Distribuidora: Buena Vista. calificación: Apta para mayores de 13 años. Disponible En: cines y en Disney+ (Premier Access)
Ni el carisma de Dwayne Johnson ni la convicción con la que Emily Blunt se transforma en equivalente femenina de Indiana Jones logran mantener a flote este ruidoso y exagerado esfuerzo de Disney por convertir otra de las clásicas atracciones de sus parques temáticos en una aventura exótica que trata de repetir la experiencia de Piratas del Caribe.
Los navíos corsarios son reemplazados aquí por un modesto barco que al comando del capitán Wolff (Johnson) navega por las profundidades del río Amazonas en 1915, en busca de un pétalo que garantiza la cura de todas las enfermedades. La aventurera Blunt se mezcla allí con un codicioso príncipe alemán que los persigue en submarino y los ecos de una vieja maldición sobre antiguos conquistadores españoles.
Los personajes se pierden en una trama tan enmarañada como la selva amazónica. Entre la velocidad del montaje, la estridencia de la banda sonora y la superabundancia de efectos digitales las escenas de acción se entienden muy poco. Todo se transforma en una gigantesca montaña rusa en la que apenas se nota el aporte de un director tan competente como Jaume Colletserra. Este proyecto impersonal parece haber sido hecho en cambio por ejecutivos de marketing que no entienden la diferencia entre el vértigo y la verdadera emoción. Y que parecen más interesados en sumar a la trama oportunos apuntes de corrección política que a sostener el genuino espíritu de una gran aventura.

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domingo, 1 de agosto de 2021

LOS ESTRENOS


Viejos: nueva incursión en el horror de M. Night Shyamalan, con un film cargado de preguntas filosóficas
El director de Sexto Sentido adaptó para la pantalla grande la novela gráfica Sandcastle, del francés Pierre Oscar Levy, con un resultado algo dispar
H. F.

Viejos: nueva incursión en el horror de M. Night Shyamalan con un film cargado de preguntas filosóficas
Viejos (Old / EEUU, 2021) Guion y dirección: M. Night Shyamalan. Fotografía: Mike Gioulakis. Elenco: Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Ken Leung, Nikki Amuka-Bird, Abbey Lee. Calificación: Apta para mayores de 13 años con reservas. Duración: 108 min. 
Tras leer la novela gráfica Sandcastle (2011), escrita por el francés Pierre Oscar Levy y dibujada por el suizo Frederik Peeters, M. Night Shyamalan dijo que su vida cambió. Es comprensible el interés del realizador nacido en la India por este relato que presenta, tal como sus propias películas, un interrogante filosófico universal envuelto en un misterio inescrutable y cautivante.
En el proceso de adaptación al cine, Shyamalan incorporó algunos de sus rasgos autorales recurrentes para hacer propia la historia: los peores diálogos imaginables fuera del mundo del doblaje de las telenovelas turcas y un final “inesperado” tan forzado que degrada todo lo que se contó hasta ese momento a un episodio fallido de La dimensión desconocida. El resto, que se mantiene más cerca del cómic original, resulta más ameno y consistente.
Dado que tanto el afiche como el trailer exponen la mayor revelación de la historia, no hay razón para no hacer lo mismo: los protagonistas (una familia con dos hijos que intenta capear un divorcio, un cirujano con una esposa mucho más joven y una niña pequeña, una pareja interracial y un rapero famoso) llegan a una playa paradisíaca en la que pronto descubren un horror inefable. Y es que a través de cambios cada vez más notorios en la fisonomía de los niños, se hace evidente que, por más inexplicable que resulte, en ese lugar el reloj biológico avanza de modo anormalmente rápido. Alguien calcula que todos sufren un año de envejecimiento cada media hora. A ese paso, la mayoría de los varados (por un sortilegio apenas explicado no es posible abandonar la playa) no pasará la noche.
Esta temporalidad voraz tiene otras consecuencias como heridas que se cierran al instante o enfermedades que se desarrollan a un ritmo exponencial y con efectos monstruosos para sus víctimas. La metáfora de este elemento fantástico refiere a la futilidad de la existencia, a la angustia ante la fuga de cada instante, que se vuelve mucho más notoria cuando todo lo que podemos hacer con nuestro tiempo es un castillo de arena que será lavado por el mar. A escala cósmica, los hechos una vida normal no dejan una huella mayor. El comic siembra este viejo tópico de la filosofía de modo evocativo y enigmático, mientras que en la película de Shyamalan se diluye en la preparación de una vuelta de tuerca “sorpresiva” e innecesaria porque M. Night no puede consigo mismo. A pesar de que nos enrostra nuestra finitud, Viejos no es el peor modo en que podemos pasar 108 minutos de nuestra breve vida.

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EL NOMBRADOR
Merecido homenaje a Daniel Toro
(argentina/2021). Dirección: Silvia Majul. Guión: Silvia Majul y Julián Troksberg. Fotografía: Carlos “Indio” Leiva. Edición: Fisicaro. Duración: 84 minutos. calificación: Apta para todo público.
A. C. M.
Daniel Toro, una leyenda viviente de nuestro folclore, es aquí la figura central de este documental dirigido por Silvia Majul en el que el músico y compositor de temas tan entrañables como “Zamba para olvidarte”, “Mi mariposa triste” y “El antigal”, entre muchos otros títulos, transita por la vida y la obra de ese salteño que está festejando sus 80 años de vida.
Sus canciones, los recuerdos de su larga trayectoria artística y los oscuros años de la censura, sumado a un cáncer que fue apagando su voz, hallan en este film, de la mano de su hija Daniela Toro, a la relatora de la existencia de su padre que supo, con enorme talento, reflejar en cada uno de sus temas la belleza y la poesía del interior del país. Con gran calidez, la directora supo seguir la huella de ese Daniel Toro en las canciones y en las palabras de Víctor Heredia, de Abel Pintos, de Diego Torres, de Ricardo Mollo y de Teresa Parodi, entre otros, a lo que se suman amarillentas fotografía en las que aparecen familiares y amigos del protagonista de este merecido homenaje.
Todo en el film es tan tierno como emotivo y así va descubriendo a ese hombre que, guitarra en mano, supo ocupar el podio de los triunfadores a través de las letras y de la música de sus canciones que reflejan un mundo del que surgen los más bellos temas que ya se convirtieron en inolvidables retratos de nuestro folclore.

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martes, 6 de julio de 2021

LOS ESTRENOS


Nadie, el retrato de un hombre con una vida anodina devenido en impensable vengador anónimo
Bob Odenkirk se pone en la piel de un antihéroe que parece hecho a su medida
P. V. P. 

Nadie, el retrato de un hombre con una vida anodina devenido en impensable vengador anónimo

Nadie (Nobody, Estados Unidos, 2021). Dirección: Ilya Naishuller. Guion: Derek Kolstad. Fotografía: Pawel Pogorzelski. Montaje: Evan Schiff, William Yeh. Elenco: Bob Odenkirk, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, Aleksey Serebryakov, Michael Ironside, Colin Salmon. Duración: 92 minutos. Distribuidora: UIP. Estreno: en salas. 

Hutch Mansell (Bob Odenkirk) es un hombre común, un don nadie. Alguien que renuncia a dejarse llevar por la ira y pegarle un palazo a un par de delincuentes que se meten en su casa a robar. Alguien no parece haber sido un verdadero soldado sino apenas un burócrata de escritorio. Alguien que rechaza una pistola automática para defender su hogar. Alguien que viaja cada día en colectivo, que cumple su rutina laboral en la fábrica de su suegro, que se lleva el café en el vaso térmico, que sale a la calle unos segundos después de que pasó el camión de basura.
Así presenta Ilya Naishuller a su antihéroe, prisionero de esa vida anodina que parece repetirse con la precisión del reloj que lleva en su muñeca izquierda. Y en esos detalles se encuentra el placer de su película, en esa construcción pausada de un universo que luego resulta ser otra cosa, en la expresión agobiada del genial Odenkirk que se revela como el actor perfecto para una renacida fama como un impensable vengador anónimo.
Más allá de las obvias referencias al universo de John Wick –de donde proviene el guionista Derek Kolstad-, a los vigilantes de Liam Neeson, a la tradición del Harry Callahan de Clint Eastwood en la saga de Don Siegel, lo que proponen Naishuller y Oderkirk es la lúdica exploración de ese arquetipo, desde el uso irónico de la música, el juego con los ralentis, los actores fetiche –Christopher Lloyd, Michael Ironside-, hasta las coreografías violentas que consiguen arribar a la abstracción con el mismo ritmo de la danza.
Una serie de miradas devuelven a Hutch los retazos de su identidad. La de su esposa, aburrida, obturada por un almohadón en la cama matrimonial; la de su hijo, que espera la imagen del macho alfa que representa su tío materno, un verdadero soldado de la guerra; la de su vecino, con el Challenger del 72 estacionado frente a su garaje como prueba de que los muertos solo valen por lo que dejan. Hutch desmonta ese pretendido conformismo de hombre común que parece definirlo para escarbar detrás, para ver el reverso de la imagen que el espejo le ofrece día a día. Y ahí Naishuller juega su mejor carta al usar las escenas bisagras de su historia –la del colectivo, la de la lucha en su casa, la del final en la fábrica- como progresiva revelación de la madera de su personaje, de las ambiciones de su puesta en escena y, al fin y al cabo, de cómo puede subvertir esa consciencia del género desde su mismo interior. Después de todo, ¿quién esperaba algo de un don nadie?

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Los Croods 2: una nueva era: una vertiginosa apuesta que anima a aceptar las diversidades y las diferencias
Bajo el mando del debutante Joel Crawford, esta simpática familia de cavernícolas está de regreso con una interesante nueva aventura
D. B. 
Los Croods 2: una nueva era: una vertiginosa apuesta que anima a aceptar las diversidades y las diferencias

Los Croods 2: Una nueva era (The Croods: A New Age, Estados Unidos/2020). Dirección: Joel Crawford. Guion: Kevin Hageman, Dan Hageman, Paul Fisher y Bob Logan. Edición: James Ryan. Música: Mark Mothersbaugh. Distribuidora: UIP (Universal). Duración: 95 minutos. Calificación: Apta para todo público. EN SALAS 

En 2013 se estrenó Los Croods, producción de DreamWorks Animation sobre las desventuras de una familia prehistórica. Los buenos resultados de taquilla (587 millones de dólares de recaudación solo en cines) y el furor del streaming “obligaron” a que, ocho años después, estos simpáticos cavernícolas regresaran con una película más vertiginosa e incluso con mayor sentido alegórico que la original.

El debutante Joel Crawford (su único antecedente era el cortometraje Trolls Holiday) reemplazó en la dirección a la dupla integrada por Kirk DeMicco y Chris Sanders para un film que encuentra a Guy ya adolescente y enamorado de Eep para desesperación del patriarca Grug, que no soporta que su hija no tenga ojos, cabeza ni tiempo más que para su novio. Luego de una larga travesía, los Croods -dignos herederos de Los Picapiedra- arriban a una suerte de paraíso terrenal donde se encuentran con Hope y Phil, un matrimonio mucho más “evolucionado” y neurótico, que vive con la joven Dawn. En un principio todo es armonía (los Betterman conocen a Guy porque eran los mejores amigos de sus padres), pero pronto saldrán a relucir las profundas diferencias socioculturales, las incompatibilidades y el miedo a lo distinto.
Los Betterman han construido un muro (¿les suena?) para que su hija Dawn no se enfrente a los (supuestos) peligros del mundo exterior y, así, entre peligrosas aventuras donde se hace gala de una animación por momentos prodigiosa y constantes anacronismos (incluidas canciones como “True”, de Spandau Ballet, o “I Think I Love You”, interpretada por The Patridge Family), se va construyendo una historia con moraleja políticamente correcta que cuestiona ciertos aspectos del progreso y apuesta por aceptar las diversidades y las diferencias.
Es muy poco probable que en el contexto actual Los Croods 2 tenga alguna función subtitulada, pero si ocurriera el milagro en alguna aislada proyección nocturna (es una decisión exclusiva de los responsables de programar cada una de las cadenas) cabe acotar (y recomendar) que las voces originales de los personajes estuvieron a cargo de Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds, Catherine Keener, Cloris Leachman, Clark Duke, Leslie Mann, Peter Dinklage y Kelly Marie Tran. Un auténtico dream team... vocal.

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Terror con demasiados clichés
la funeraria
A. L.


(argentina/2020). dirección y
Guion: Mauroivánojeda.fotografía: Lucas Timerman. edición: Lionel Cornistein. elenco: Luis Machín, Celeste Gerez, Camila Vaccarini, Susana Varela, Hugo Arana. duración: 86 minutos. Calificación: apta para mayores de 13 años. estreno: en salas

Para un género tan codificado –y con cultores que suelen celebrar la repetición de fórmulas y la confirmación de expectativas previas–, la originalidad es un desafío. Proponer un punto de vista distinto, sumar profundidad en términos de contenido político o filosófico, alterar las normativas en términos de puesta en escena, en definitiva darle espesor a un tipo de films que muchas veces son pura superficie debería ser una aspiración palpable. En los últimos años, el caso de Jordan Peele (el director de ¡Huye!) es uno de los más meritorios en ese sentido. Pero el éxito de taquilla por lo general responde al canon más generalizado, y La funeraria, debut en la dirección de Mauro Iván Ojeda, no tiene la pretensión de desmarcarse de la regla.
Excesivamente atada al catálogo de premisas muy conocido –un opresivo microuniverso familiar, espíritus peligrosos que acechan, una médium superada por las circunstancias y algunos scare jumps de manual–, la película se va tornando más previsible e incluso más dispersa en términos argumentales a medida que avanza, descolocando incluso al propio reparto, aun cuando cuenta con un actor de los quilates de Luis Machín.
Las referencias no son necesariamente un problema –aquí el cine de James Wan motiva varias evidentes–, pero siempre es valioso usarlas como apunte elegante o disparador de nuevas ideas, algo que al cine de terror argentino por momentos parece costarle demasiado.

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lunes, 14 de junio de 2021

LOS ESTRENOS


Conflictos familiares y Alzheimer
CONVALECIENTE
A. L.

(ARGENTINA,2021). DIRECCIÓN, GUION, EDICIÓN: Matías de Leis Correa. FOTOGRAFÍA: Evelyn Flores. ELENCO: Marisol Otero, Sebastián Sinnott, Graciela Muñoz, Francisco Ortiz, Victoria Mammoliti. DISTRIBUCIÓN: Cinetren. CALIFICACIÓN: solo apta para mayores de 13 años. DURACIÓN: 108 minutos. sala: Cinépolis Mendoza

En coincidencia con la reciente noticia de la comercialización de una nueva droga para tratar el Alzheimer producida por un laboratorio multinacional que viene despertando tantas expectativas como polémicas, llega esta película de tono íntimo y personal en la que Matías de Leis Correa salta del ya explorado terreno del cortometraje al más exigente del largo.
El disparador de la historia es el cumpleaños de una mujer de 70 años afectada justamente por esa enfermedad que entre muchos efectos suele desdibujar las personalidades de quienes la padecen y así alterar la dinámicas familiares. Quien decide celebrarlo con una modesta y tensa reunión es Catalina, hija y responsable principal de cuidados que exigen siempre una entrega agotadora.
En ese clima denso aflorarán reproches y conflictos latentes entre ella, su hijo, su hermano y su cuñada, desarrollados en la película con cierta ingenuidad, en base a gruesos estereotipos y con un lenguaje visual primario, de impronta televisiva, que le quita espesor y profundidad a la trama.
No es la honestidad del realizador para expresarse a través de un relato que obviamente lo interpela lo que está en juego (el film estuvo inspirado en situaciones que, como el mismo cineasta reveló en algunas entrevistas, vivió de cerca y con gran intensidad), sino la pericia para traducir esas vivencias en una obra sólida, original y convincente. ●



Muestrario de lugares comunes
EL protector
D. B.
(THE MARKSMAN, ESTADOS UNIDOS/2021). DIRECCIÓN: Robert Lorenz. ELENCO: Liam Neeson, Jacob Perez, Katheryn Winnick, Juan Pablo Raba. DISTRIBUIDORA: BF París. DURACIÓN: 107 minutos. CALIFICACIÓN: apta para mayores de 13 años con reservas. ESTRENO EN SALAS.

Es como una película filmada y protagonizada por Clint Eastwood, pero sin su presencia, su solidez ni su impacto emotivo. Las evidentes similitudes no son casualidad, ya que el aquí realizador y coguionista Robert Lorenz fue asistente de dirección de una decena de títulos del nonagenario maestro.
Liam Neeson sería el Eastwood delante de cámara en el papel de Jim Hanson, un curtido y duro veterano de guerra que ha perdido a su esposa a causa de un cáncer y está a punto de perder también su rancho en Arizona por las deudas acumuladas durante el largo tratamiento de ella. El protagonista es un tipo conservador (típico votante de Donald Trump) que ahoga sus penas en el alcohol. Los inmigrantes ilegales que llegan desde México suelen invadir su propiedad y un día se cruza con una madre y un niño que son perseguidos por los jefes de un violento cartel. La mujer es asesinada, pero Jim y el pequeño Miguel (Jacob Perez) logran escapar y recorrerán (con un perro como tercer y fiel compañero) buena parte del territorio de los Estados Unidos siempre con los narcos en sus talones.
Se trata de una road-movie de supervivencia sobre dos opuestos entre sí en cuanto a generaciones y orígenes. Si la propuesta suena a una acumulación de lugares comunes es porque efectivamente es una película que, más allá de sus buenas intenciones y de su clasicismo narrativo, tiene uno de los guiones más elementales y previsibles en mucho tiempo. Sin sorpresas. Pura fórmula. ●


Terror previsible y efectista
EL CONJURO 3 - EL DIABLO ME OBLIGÓ A HACERLOP.
 V. P.
(ESTADOS UNIDOS, 2021). DIRECCIÓN: Michael Chaves. ELENCO: Patrick Wilson, Vera Farmiga, Ruairi O’connor. DURACIÓN: 112minutos. DISTRIBUIDORA: Warner Bros. ESTRENO EN SALAS

“El tribunal acepta la existencia de Dios cada vez que un testigo jura decir la verdad. Creo que es hora de que acepte la existencia del Diablo”, explica Ed Warren (Patrick Wilson) ante la abogada defensora del joven Arne (Ruairi O’ Connor), acusado de un crimen brutal e inexplicable. El hecho ocurre en 1981 y es el caso más célebre del matrimonio Warren, en el que la posesión demoníaca se convirtió en un argumento de defensa ante un tribunal de justicia. La tercera entrega de El conjuro, la franquicia creada por James Wan y ahora en manos de Michael Chaves (La maldición de La Llorona), escapa al universo de la casa maldita que la había definido en su despegue y se extiende a dos territorios inusuales para el terror: el juicio y el sistema carcelario. Lo que la película pierde en ese gesto es concentración: las sucesivas irrupciones del mal, ahora dispersas en el espacio, sin atmósfera ni tensión en la puesta en escena, se resuelven en la espectacularidad de cuerpos suspendidos, cadáveres putrefactos convertidos en zombis, exorcismos con efectos especiales. Incluso los sustos y sobresaltos, moneda corriente en los satélites más perezosos de la saga como La monja, aquí son menos efectivos y más previsibles.
Lo que sostiene el universo es el interés por los Warren y su fe, menos afirmada en los decálogos de la institución católica que en las formas más melodramáticas del amor. Por más pueril que parezca, es la historia de amor que une al matrimonio, la convencida actuación de Vera Farmiga ante las situaciones más extravagantes, y la línea narrativa que sigue ese vínculo llevado al límite lo que hace que la película no naufrague definitivamente. ●

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