Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo Torres García EN MANANTIALES (URUGUAY )

El alma de Torres García y su itinerario estético, en una muestra que es un hallazgo
Hasta marzo se puede visitar en el MACA de Manantiales la “cartografía de la vida” de este gran artista uruguayo que nacía hace 150 años

Alicia de ArteagaConviven cuadros y material de archivo
El año Torres García, a un siglo y medio de su nacimiento, comenzó en el MACA (Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry) con una muestra que es un hallazgo, un descubrimiento del alma del artista y de su itinerario estético. Fuera del mandato canónico propio de una exhibición homenaje, con las grandes obras del maestro rioplatense en primer plano, las curadoras Aimé Iglesias Lukin y Cecilia Rabossi indagan en el archivo y en los libros para desentrañar el camino hacia el proceso creativo. ¿Cómo llega Joaquín Torres García a crear el universalismo constructivo que es, al mismo tiempo, local y global? De eso se trata. Nada lo define mejor que la cartografía, un recorrido que culmina en Montevideo.
Torres García tiene 42 años, es un hombre que ha visto crecer las metrópolis, ha recorrido como un inquieto flaneur, París, Barcelona, Madrid y Nueva York. Regresa a la patria y lanza urbi et orbi una frase que lo define para siempre: “Nuestro sur es el norte”. El mapa invertido es un canto de libertad y la afirmación de la identidad americana, mirar hacia adentro, no hacia afuera. Torres siente, además, un compromiso social, un mandato pedagógico que se traduce en la necesidad de formar, hacer escuela, dejar huella, testimonio y lenguaje. De eso trata esta muestra que se resume en tres conceptos: ciudades, mapas y preocupación social.
Con inteligencia, cierta dosis de audacia y el compromiso férreo con el guion curatorial elegido, Iglesias Lukin y Rabossi despliegan en la muestra aspectos menos conocidos del constructivo universal. El camino es una larga reflexión interior, desde el encuentro con Rafael Barradas, otro oriental necesario, en 1917, a la publicación de El descubrimiento de sí mismo.
Procedentes del Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo Torres García y de colecciones particulares, están los cuadros que tienen que estar, pero no es la muestra aniversario previsible. Va más allá. Es la indagación en los escritos, los papeles, los cuadernos personales y el archivo Joaquín Torres García lo que permite asumir como propia la búsqueda del artista por encontrarse consigo mismo. Y esa decisión tiene un correlato físico: no hay vitrinas, todo está colgado con igual jerarquía, un texto, un libro, las acuarelas de su cuaderno, una pintura antológica.
De lo general a lo particular, se resume en una pared el recorrido del pensamiento del uruguayo disruptivo. El mapa invertido es el resultado del mapa de su vida, de sus viajes en los que el pulso de la ciudad como espacio de construcción social, la interacción del artista con la metrópoli en expansión habilita y ordena la “grilla urbana” en la organización del espacio pictórico. Allí está la cuadrícula, están los números, está la palabra. Ha nacido un nuevo lenguaje que lleva su firma, pero es de todos.
Torres es un artista pedagogo, quiere difundir, compartir y enriquecer su ideario “como ciudadano comprometido con la comunidad”. El tiempo le dio la razón. A 150 años de su nacimiento, la celebración sumará la apertura en Montevideo de un nuevo museo consagrado a la Escuela del Sur. Una voz multiplicada en la de sus epígonos. El descubrimiento de sí mismo ilumina la huella que no cesa.

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MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

Una aventura en colores: esta vez… rojos extremos” es una nueva publicación educativa que propone descubrir, en casa y en familia, las historias detrás de los colores, en un recorrido diferente por obras de la colección del Bellas Artes.
¿Puede el color transmitir un mensaje? ¿Qué emociones despierta? ¿Cómo cambia el rojo cuando está junto al verde, su complementario?
Artesanos de la cultura Condorhuasi (NOA), Francisco de Goya, Prilidiano Pueyrredón, Mark Rothko, Sarah Grilo, Boris Demitrevich Gregoriev o Rafael Barradas, todos ellos emplearon, a lo largo del tiempo y con técnicas y estilos diversos, variadas tonalidades de rojo para crear sus pinturas y objetos. Los invitamos a explorarlos en este material gratuito, que puede descargarse ingresando aquí: https://www.bellasartes.gob.ar/.../una-aventura-en.../

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MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

¡Nuevo catálogo en línea! Ya está disponible en nuestro sitio web “Clorindo Testa: esta es mi casa”, con el cuerpo de obra y textos críticos referidos a la muestra dedicada a la obra artística del gran arquitecto, que el Bellas Artes exhibió entre diciembre de 2018 y febrero de 2019.
La publicación digital, de 158 páginas, incluye el texto curatorial –escrito por la historiadora María José Herrera y la directora artística del Museo, Mariana Marchesi–, que examina las formas y los contenidos de los traspasos disciplinares tan característicos de la expresividad del maestro. Además, la especialista en historia de la arquitectura Silvia Pampinella analiza los edificios que Testa construyó para albergar el arte, como la sede del Centro de Artes Visuales del Di Tella o el Centro Cultural Recoleta; mientras que el poeta y crítico Julio Llinás destaca la centralidad de la producción pictórica del autor en un texto escrito en la década de 1960 y aquí retomado.
El catálogo, traducido al inglés, también ofrece testimonios de quienes compartieron vivencias con Testa y una cronología exhaustiva de su actividad artística, que da cuenta de su temprana proyección nacional e internacional.
Para descargarlo de forma gratuita, hay que ingresar en www.bellasartes.gob.ar/publicaciones/clorindo-testa/
Fundación Clorindo Testa

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EL TAPIZ DE SAN MARTÍN, VOLVIÓ A CASA.....EN EL BELLAS ARTES

El centenario tapiz de San Martín volvió al país y se verá en Bellas Artes

De 4,66 metros de altura, la pieza labrada por ocho tejedores hace un siglo se exhibirá por primera vez al público
Fue regalado al país por el Estado francés hace un siglo, pero por primera vez será exhibido al público argentino a partir del próximo martes. Se trata de un tapiz de grandes dimensiones -4,66 metros de altura por 4 de ancho- en el que se ve a San Martín montado en su fiel caballo, a poco de lograr la patriótica hazaña del Cruce de los Andes.
El año pasado la obra se descolgó de la pared de la Casa Rosada en la que estuvo desde 1917 -en el descanso de la llamada escalera francesa-, se lo trasladó al mismo taller de París donde fue hecho y donde los restauradores dieron visibilidad a figuras, tonos y expresiones que el polvo acumulado durante cien años había borrado. Regresó al país en estos días, pero antes de volver a su lugar original en la sede del Ejecutivo hará una parada de cuatro meses en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) donde el público podrá verlo gratis.

Detalle del caballo de San Martín
Conocido como Gobelino San Martín, la imagen se impone desde el fondo de una de las salas del primer piso del MNBA, escoltada por otros grandes tapices de los siglos XVII y XVIII, que remiten a una monarquía todopoderosa y amante del arte laborioso. En una segunda sala se exhiben obras modernas con distintos temas y colores, pero la misma técnica. Son todos hechos en la Manufactura de Gobelins, taller de Mobiliario Nacional, organismo estatal francés, según creaciones de artistas como Joan Miró, Fernand Léger, Sonia Delaunay y los argentinos Antonio Seguí y Alicia Penalba. Son trece y fueron prestados por el estado francés para esta muestra titulada "El Tapiz del General San Martín: Historia de una Restauración. Obras Maestras de la Manufacture des Gobelins de Francia".

El director del Museo de Bellas Artes Andrés Duprat y la francesa Morgane Luquet Laforgue
Según el director del MNBA, Andrés Duprat, esta exposición -así como la restauración- no le costó al gobierno más que el montaje y la publicación de un catálogo trilingüe. "Creímos que era un gesto extremadamente simbólico que el país que ofreció la obra también se ocupara de su salud un siglo después", había dicho en París a LA NACION hace unos meses Jean-Pierre Guignard, embajador de Francia en la Argentina.Responable de esta iniciativa, Guignard financió la operación con aportes privados de empresas francesas, en especial de Groupe PSA Argentina.
La historia cuenta que Francia tuvo aquel gesto de amistad entre pueblos cuando se celebraba el primer centenario de la Independencia.

Al pie del gran tapiz centenario se lee la dedicatoria de Francia a la Argentina
El gobelino de San Martín fue labrado por ocho tejedores entre 1911 y 1914, según una imagen del pintor Alfred Roll, uno de los artistas oficiales de la Tercera República y que había participado en la decoración del pabellón de Argentina en la Exposición Universal de 1889. En su composición, que la restauración ahora permite apreciar en detalle, San Martín sostiene con firmeza las riendas del cabello y es seguido de cerca por algunos de sus soldadosque parecen sortear rocas como símbolo de los obstáculos que aún habrían de eludir en el camino de la liberación.
Se ve también en la parte superior una guerrera que parece llamar a las armas a los defensores de la libertad, mientras que una personificación de la República Francesa, con su gorro frigio, se apresta a cubrir al militar con una corona de laurel. Detrás de un sol incompleto, en alusión a la bandera argentina, se leen nombres de lugares claves en la estrategia sanmartiniana para atacar Lima, como San Lorenzo.
El obsequio francés llegó a nuestro país en 1917, durante la presidencia de Hipólito Yrigoyen, y fue ubicado en el mismo lugar de la Casa Rosada adonde volverá luego del cierre de la muestra en el MNBA, prevista para el 19 de agosto.
"Este tapiz es un ejemplo de que, desde el inicio, las Manufactures de Gobelins eran destinadas a ser regalos diplomáticos porque si bien son pesados resultan fácilmente transportables. Hoy en San Petersburgo y otras ciudades hay de estos tapices", dijo Morgane Luquet Laforgue quien con Thomas Bolh son los curadores de la muestra por la parte francesa, mientras que por la argentina lo es Duprat.

En el Bellas Artes montaban el gobelino restaurado en la sala del primer piso
Ayer por la tarde, mientras se montaban los gobelinos en las salas del museo, Luquet Laforgue contó que el tapiz de San Martín llegó a París, en mayo del año pasado, totalmente ennegrecido. Los restauradores retiraron el antiguo forro que protegía el reverso de la pieza, abrieron los dobladillos y realizaron un proceso de desempolvado con una aspiradora especial. Luego, fue limpiado en un medio acuoso por una empresa especializada en este tipo de operaciones. Se cosieron algunas partes y se retocaron los bordes, buscando desacelerar el envejecimiento y reparar los daños que le produce la luz.

Hace unos meses, en los talleres de París donde se lo restauró
"Me da mucha alegría poder traer esta muestra que por un lado subraya el gesto que hicieron hace cien años los dos países y, por otro, permite mostrar una disciplina artística que no es muy difundida y que va un poco contracorriente de la contemporaneidad donde todo es fugaz y rápido", afirmó Duprat. Y agregó el director: "La factura de estos tapices es lentísima, es algo low tech y Francia es un ejemplo a seguir en la conservación de una técnica tradicional y, a la vez, compleja".

MUESTRA DE ARTE IMPAGABLE EN EL MUSEO DE BELLAS ARTES

Milán, año 1499. Leonardo da Vinci aún no ha pintado su famosa Gioconda y trabaja en una escultura escuestre encargada por su mecenas, Ludovico Sforza. Tras haber realizado dibujos y pequeños modelos en arcilla ya está a punto de enviar la pieza a fundirla en bronce. Pero el destino tiene otros planes para ese jinete y ese caballo que se alza con las patas delanteras levantadas: el monumento será destruido por las tropas de Luis XII que avanzan hacia Milán para derrocar a Sforza, y Leonardo se verá obligado a huir de la ciudad italiana.

Guerrero a caballo, escultura atribuida a Da Vinci, es la estrella de la muestra Crédito: Ricardo Pristupluk
No destruyeron todo, sin embargo. Uno de esos pequeños modelos fue fundido en las primeras décadas del siglo XVI, poco después de la muerte del artista que cambió la historia del arte universal, y que meses atrás volvió a sorprender al mundo cuando su pintura Salvator Mundi se convirtió en la más cara de la historia al venderse en una subasta por 450 millones de dólares.
Con un valor estimado en veinte millones de euros, este Guerrero a caballo se exhibirá desde el martes próximo hasta fin de julio en el Museo Nacional de Bellas Artes. La muestra Obras maestras del Renacimiento al Romanticismo incluirá también decenas de piezas provenientes de Budapest que incluyen firmas como las de Tiziano, Giorgio Vasari, Lucas Cranach, Peter Paul Rubens y Francisco de Goya.

Últimos detalles del montaje en el Bellas Artes Crédito: Ricardo Pristupluk
Buenos Aires es la última parada, y la única en el continente americano, de una gira que exhibió este patrimonio en varias ciudades de Europa mientras se construye la nueva sede del Museo de Bellas Artes-Galería Nacional de Hungría. Esta institución aloja un acervo de cientos de miles de obras -sólo en dibujos y estampas, tiene cerca de 400.000-, que abarcan desde el arte egipcio hasta el contemporáneo.
Una cifra abrumadora en comparación con las 14.000 que integran el patrimonio del MNBA, la colección de arte pública más importante de América Latina; su director, Andrés Duprat, y los infatigables amigos del museo lograron reunir los 18 millones de pesos necesarios para que esta selección pudiera cruzar el Atlántico por primera vez.

La muestra en pleno montaje  Crédito: Ricardo Pristupluk
"En la Argentina tenemos pocas obras de estos periodos, y tampoco se enseña historia del arte en los colegios. Pensé en esa situación cuando diseñamos esta exposición, con entrada gratis, que puede servir para que la gente vea cierto panorama del arte occidental", dice el curador Ángel Navarro. Junto con Florencia Galesio crearon un didáctico circuito cronológico, dividido por escuelas de Alemania, Italia, Holanda, España y Hungría, que comienza a fines del siglo XV y termina en el XIX.

La muestra incluye varias vedutas (vistas urbanas), que se popularizaron cuando se puso de moda recorrer Europa - Crédito: Ricardo Pristupluk
El "efecto Grand Tour"
Si se recorre de izquierda a derecha, es posible contemplar entonces cómo los temas bíblicos dieron paso a los retratos y las naturalezas muertas, género muy popular en el siglo XVII, y a las vedutas (vistas urbanas) que según Galesio se volvieron codiciadas cuando se puso de moda recorrer Europa. Formaban parte de los souvenirs que se llevaban a su país de origen quienes hacían el Grand Tour, un itinerario de viaje por el Viejo Continente que precedió al turismo moderno; tuvo su auge entre mediados del siglo XVII y la década de 1820, cuando se impusieron los viajes masivos en ferrocarril.

Las naturalezas muertas, un género muy popular en el siglo XVII Crédito: Ricardo Pristupluk
Los artistas respondieron con agilidad a la creciente demanda de los nuevos coleccionistas, que generaban ingresos alternativos a los encargos de la Iglesia y la monarquía. Además de dedicarse a producir vedutas, como las escenas de Venecia y Roma incluidas en esta muestra, se preocuparon por realizar obras más fáciles de transportar. Redujeron los tamaños de las pinturas, cambiaron los soportes de madera por tela y aprovecharon las ventajas del grabado, que permitía reproducir en serie dibujos del tamaño similar al de una tarjeta postal.

Obras de los españoles Bartolomé Esteban Murillo, Mateo Cerezo y Alonso Cano  Crédito: Ricardo Pristupluk
El oficio llegó a convertirse en algunos casos en un negocio familiar. Como en el caso de Giovanni Battista Tiepolo, casado con una hermana del vedutista Francesco Guardi (ambos representados en esta muestra), que trabajó en varios países con sus hijos Domenico y Lorenzo. En España, por ejemplo, decoraron al fresco varios techos del Palacio Real de Madrid.

Los enfermos-Parejas desparejas, de Lucas Cranach, el viejo Crédito: ©Museo de Bellas Artes, Budapest



Entre quienes compraban obras de estos artistas se contaron los príncipes Esterházy, en cuya colección se basa el núcleo más importante de la colección del Museo de Bellas Artes de Budapest. "Tuvieron una galería que abrían al público y hacían catálogos. -dijo a LA NACION Adriana Lantos, curadora de dicho museo-. Muchas de estas obras provienen de esa colección, que fue adquirida por el Estado a un precio ínfimo en 1871. Fue un acto de patriotismo, porque si la llevaban al extranjero iban a conseguir mejores precios."

Diseño para una decoración temporal (1508-09), de Rafael Crédito: ©Museo de Bellas Artes, Budapest



La muestra también incluye piezas imperdibles como las "parejas desparejas" de Lucas Cranach; la serie de Jacob Grimmer dedicada a las cuatro estaciones; una pintura de Tiziano que permaneció durante más de un siglo juntando polvo en una familia que desconocía su origen y otra de Vasari, considerado por Navarro como "el padre de la historia del arte" por haber creado en 1562 en Florencia la Academia de las Artes del Diseño, "el modelo de las academias de arte del mundo".

Da Vinci, en el centro de un circuito que se recorre en forma cronológica, de izquierda a derecha  Crédito: Ricardo Pristupluk
"En el siglo XIX, las academias establecidas persiguen los siguientes temas: primero, la pintura histórica; segundo, el retrato, y después, el paisaje -agrega Navarro-. Y va a haber gente que quiebra esos sistemas y empieza a pintar temas cotidianos, como ese chico pintado por por el húngaro Mihály Kovács que está durmiendo la siesta y que ya marca los cambios de lo que va a venir."

Imperdibles en tres pasos
DA VINCI
Guerrero a caballo. Esta escultura atribuida al maestro del Renacimiento es un estudio para un monumento que estaba realizando en Milán en 1499.
VASARI
Bodas de Caná. La escena bíblica fue representada en esta pintura por "el padre de la historia del arte". En 1562 creó en Florencia la Academia de las Artes del Diseño, "el modelo de las academias de arte del mundo"
TIZIANO
María y el Niño con San Pablo. Esta obra del pintor italiano permaneció durante más de un siglo juntando polvo en una familia que desconocía su origen
Para agendar:
Obras maestras del Renacimiento al Romanticismo, desde el martes y hasta el 29 de julio, en el Museo Nacional de Bellas Artes, Av. del Libertador 1473. Entrada gratuita
C. CH.

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES; AGENDA

Los amantes del arte deben marcar a marzo en sus calendarios. En ese mes arrancarán las muestras internacionales en el Museo Nacional de Bellas Artes con la exhibición “Maestros antiguos del Renacimiento y del Barroco”, la cual estará integrada por la escultura de bronce, Guerrero a Caballo, de Leonardo da Vinci y otras obras de Rafael, Rubens, Tiziano, El Greco, Lorenzo Lotto, Lucas Cranach, Tiziano, Vasari, Van Dyck y Guido Reni, entre otros. La muestra llegará directo desde Hungría, ya que pertenecen al Museo de Bellas Artes de Budapest y a la Galería Nacional de ese país.

Por otro lado, en mayo, el MNBA exhibirá el histórico tapiz de San Martín realizado por la Manufactura Real de los Gobelinos de París que Francia le regaló (y recientemente restauró) a Argentina en 1917. “Es una obra con manufactura gobelina, fue un regalo oficial del que hace poco se cumplieron 100 años”, comentó el director del museo, Andrés Duprat, quien también agregó:
“El tapiz fue retirado de la Casa Rosada, en donde estaba, y actualmente lo están restaurando en Francia. Cuando vuelva a la Argentina se incluirá en una muestra de tapices antiguos y modernos, nacionales e internacionales, en la que habrá también tapices de artistas como Louise Bourgeois, Henri Matisse, Joan Miró o Alicia Penalba”.
En el mes de junio, el museo ubicado en Av. del Libertador 1473 (CABA) presentará una muestra sobre Nicolás García Uriburu que se realizará junto a la Casa de la Cultura Popular de Barracas y rendirá homenaje a los 50 años de la performance del 19 de junio de 1968 en la que el artista tiñó de verde el Gran Canal de Venecia. Luego de esto, habrá “una pequeña exposición de Guillermo Roux con lo último de sus trabajos: dibujos picarescos, realizados con humor sobre cuadernos”, según cuenta Duprat.
Por último, ya en el segundo semestre del año, el Bellas Artes realizará una gran exposición de 60 acuarelas del pintor inglés William Turner, las cuales muestran las diferentes etapas de su trayectoria creativa. Estas obras pertenecen a la colección de la Tate Gallery de Londres, una de las más grandes del mundo dedicada a Turner.

RODIN CONTINUA EN EL BELLAS ARTES

Museo Nacional de Bellas Artes - Argentina

¡Se extiende “Rodin. Centenario en Bellas Artes”! Hasta el 29 de abril, podrá visitarse la muestra que celebra al escultor francés a cien años de su muerte y que ya fue vista por 180 mil personas.
El Museo exhibe las 22 piezas de Auguste Rodin pertenecientes a su colección, como parte de las actividades organizadas por instituciones de todo el mundo para recordar al artista que transformó de manera radical el modo de entender la escultura.
Visitas guiadas:
Miércoles 21 y 28 de febrero, a las 12.
En marzo: viernes, sábados y domingos, a las 12.

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES...AGENDA 2018

Llega una muestra con obras de Leonardo Da Vinci, Rafael y El Greco al Museo de Bellas Artes
El 2018 arranca fuerte en marzo con una gran exposición que viene desde Hungría.

 Una muestra con obras de Leonardo Da Vinci, Rafael y El Greco, entre otros artistas inmensos. Un homenaje a Nicolás García Uriburu, a 50 años de la performance en la que tiñó de verde el Gran Canal de Venecia. La exposición del tapiz que Francia le donó a la Argentina en 1917, restaurado. Esto serán algunos de los puntos altos del 2018 en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Su director, Andrés Duprat, adelanta detalles mientras en las salas de Museo todavía se puede visitar las exposiciones de Joan Miró y Auguste Rodin, dos de los hitos del año que se va.
El 2018 arranca fuerte en marzo, con una gran exposición que viene directo desde Hungría: pertenecen al Museo de Bellas Artes de Budapest y a la Galería Nacional de ese país. Allí estará el Guerrero a caballo, una escultura de bronce que Leonardo da Vinci creó en la primera mitad del siglo XVI. El guerrero estará acompañado por obras de Rafael, de Rubens, de Tiziano, del Greco, de Goya, de Murillo, de Vasari y de Lucas Cranach, entre otros grandes. Va a estar curada por Ángel Navarro, quien las relacionará con otras obras pertenecientes a la colección del Bellas Artes.

En mayo se verá el tapiz restaurado. “Es una obra con manufactura gobelina, fue un regalo oficial del que hace poco se cumplieron 100 años”, comenta Duprat: un Gobelin es un tapiz que fue creado por la Manufactura Real de los Gobelinos de París, o una imitación suya. “El tapiz fue retirado de la Casa Rosada, en donde estaba, y actualmente lo están restaurando en Francia. Cuando vuelva a la Argentina se incluirá en una muestra de tapices antiguos y modernos, nacionales e internacionales, en la que habrá también tapices de artistas como Louise Bourgeois, Henri Matisse, Joan Miró o Alicia Penalba”.
Hacia junio llega la muestra de Nicolás García Uriburu, que murió el año pasado, y luego “una pequeña exposición de Guillermo Roux con lo último de sus trabajos: dibujos picarescos, realizados con humor sobre cuadernos”, cuenta Duprat. La muestra se hará junto con la Casa de la Cultura Popular de Barracas.

“Para el segundo cuatrimestre estamos preparando una gran exposición del pintor inglés William Turner”, dice Duprat. Será una exposición importante: nacido en Londres en 1775, Turner fue un original artista romántico especializado en paisajes, que puso gran atención al tratamiento de la luz y el color. Se verán acuarelas que pertenecen a la colección de la Galería Tate de Londres.

RODIN, EL BESO Y LA BELLEZA...NO DEJES DE IR

Todo Rodin: obras reunidas en el centenario de un disruptivo de su tiempo
Emblemáticas esculturas de la colección del Bellas Artes se exhiben juntas por primera vez; la huella del francés en nuestro arte

Dos versiones de "El beso", de Rodin: el primero en terracota y el segundo en yeso. 
La belleza idealizada o la belleza realista. La opción, a la que obligaba la genialidad de Auguste Rodin, fue captada por algunos artistas argentinos que siguieron las huellas modernistas que iba dejando el revolucionario escultor francés, cuyas obras engalanan el patrimonio nacional. Con la muestra Rodin. Centenario en Bellas Artes, que se inaugura hoy, a las 19, el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) se suma a la red internacional de instituciones que este año rinden homenaje al hombre que transformó la forma de hacer y entender las esculturas, a un siglo de su fallecimiento. Y coloca la última perla a un año de grandes maestros: en el primer piso, continúa la muestra con medio centenar de obras tardías de Miró.
Así, una veintena de piezas de Rodin se exhiben juntas por primera vez en una sala dividida en dos espacios: uno que alude a su atelier, y el otro, al proyecto inconcluso de La puerta del infierno. En este último el visitante podrá deleitarse con la contemplación y comparación de dos versiones de una de sus figuras más famosas: El beso. El conocido calco en yeso de gran tamaño que Rodin regaló al Bellas Artes, a través de su fundador, Eduardo Schiaffino, se exhibe junto a otro más pequeño, hecho en terracota y que muy pocas veces salió de los depósitos del museo.

Del otro lado, una gigantografía en sepia introduce al taller donde trabajó el francés con imágenes de sus creaciones que interactúan con el imponente bloque de mármol de La tierra y la luna, la misteriosa Cabeza monumental de Balzac en bronce y, entre otras piezas, el pequeño estudio de Balzac en yeso.
Bisagra en las redefiniciones artísticas de su época, el trabajo de Rodin desafió las normas de armonía y equilibrio que regían en el academicismo clásico imperante. "Sus planteos disruptivos incluyeron nuevas soluciones para la escultura: algunas de ellas son el uso de puntos de vista múltiples, el modelado de anatomías imposibles y la exaltación de la materia al dejar visibles distintas texturas que habilitan la sensación de inacabado", afirma Mariana Marchesi, directora artística del MNBA y curadora de la muestra que ofrece un original plus. En la sala 20, donde habitualmente se exhiben los Rodin, se montó una selección de obras de artistas argentinos "que sintieron el impacto de la modernidad de Rodin".

Se trata de Arturo Dresco, Rogelio Yrurtia, Pedro Zonza Briano y Alberto Lagos. En 1900, mientras permanecían en Italia becados para estudiar escultura, los dos primeros asistieron en París a la primera y única gran exposición que hizo Rodin y quedaron subyugados por su genio, a tal punto que incorporaron en sus obras tips propios del francés, como la alternancia de texturas, el movimiento de la superficie y el juego de luces y sombras. Se ve, por caso, en La pena, de Dresco, que tiene una reminiscencia a La Danaide, pequeña talla en mármol de Rodin, con una forma parecida para aludir al mismo sentimiento de tristeza. "Como aquel, trabaja el mármol en bloque", observa Marchesi. Y agrega que para los creadores argentinos la manera de Rodin de trabajar el desnudo implica "una ruptura muy grande con lo que se venía haciendo". Otro ejemplo es la escultura de Zonza Briano Creced y multiplicaos "que en 1912 fue rechazada en el Salón de París por atentar contra el pudor y la moral".
Para agendar
Hasta el 25 de febrero de 2018, en el MNBA, Av. Libertador 1473. De martes a viernes, de 11 a 20, y fines de semana, de 10 a 20. Gratis.

S. P. 

MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES....MÁS AMPLIO.... MÁS BELLO

Ampliación del Bellas Artes: ganar metros para mostrar más
El plan, cuyo llamado a concurso es inminente, permitiría que el edificio actual gane 7000 m2 para nuevas salas; con una inversión de 18 millones de dólares, se inauguraría en 2019

El Museo Nacional de Bellas Artes será ampliado.
El llamado a concurso internacional para ampliar la sede del Museo Nacional de Bellas Artes, la mayor pinacoteca de la Argentina, está en las gateras. Serán 7000 metros cuadrados soterrados en los extremos del edificio de Libertador y Pueyrredón, más un replanteo del conjunto de los espacios de exhibición, con un presupuesto aproximado de 18 millones de dólares y fecha estimada de inauguración a fines de 2019.

Hoy, el Bellas Artes exhibe sólo el 8% de las obras de su patrimonio (otros museos del mundo exponen entre el 12 y el 20%); el resto está en depósitos.
La ampliación del Museo Nacional de Bellas Artes era una asignatura pendiente desde los años 90, cuando su entonces director, Jorge Glusberg, y la presidenta de la Asociación de Amigos, Nelly Arrieta de Blaquier, iniciaron las conversaciones para dotar de más metros al MNBA y darle "paredes" a gran parte de la colección que hoy no se exhibe.
Desde entonces corrió mucha agua bajo el puente, cambiaron las autoridades, se aggiornaron los criterios museológicos y, lo que es más importante, creció de manera exponencial la audiencia del arte.
Las condiciones estaban dadas, pero faltaba la decisión política que llegó durante la primera visita de Macri a las salas, pocos días después de asumir como presidente de la Nación.

 Ese día dio el visto bueno para la ampliación y comenzaron los acuerdos preliminares entre las partes interesadas con vistas a determinar las prioridades y los alcances del proyecto.
Ahora las cartas están echadas. Hubo "fumata blanca" y acuerdo entre el ministro de Cultura, Pablo Avelluto; el director del museo, Andrés Duprat, y el presidente de los Amigos del Museo, Julio Crivelli.
La ampliación de 7000 metros cuadrados, que prácticamente duplica la planta actual, será destinada a salas de exhibición y al replanteo del acceso, los servicios, la tienda y los depósitos. La idea central es actualizar las instalaciones de la institución creada en el siglo XIX de acuerdo con los cánones del siglo XXI.
El contexto internacional
Por su naturaleza, los museos deben ser dinámicos, atender los nuevos públicos y sumar obras al patrimonio, sean compras o donaciones. El MoMA de Nueva York, ampliado en 2000, va camino de una nueva ampliación; el Whitney dejó el edificio de Marcel Breuer en Madison y se mudó a la sede friendly proyectada por Renzo Piano en el HighLine de Manhattan, y la Tate Modern de Londres sumó un nuevo edificio sobre el Támesis firmado por el prestigioso grupo suizo de arquitectos Herzog & De Meuron, inaugurado en junio de 2016 y visitado en un año por más de un millón de personas.

Ampliar la estructuras y expandir las colecciones es el mandato de los museos desde que dejaron de ser solemnes repositorios de obras de arte para ser destino turístico de multitudes, con una gran cuota de atractivo "visible" en los proyectos edilicios, cuyos ejemplos más mediáticos siguen siendo el Pompidou, de Piano y Rogers, y el Guggenheim del genial premio Pritzker, Frank Gehry.
La idea inicial de mudar parte de las colecciones del Bellas Artes a los cubos blancos del edificio de la Televisión Pública sobre Figueroa Alcorta quedó fuera de combate. Ya está en del despacho del subsecretario de Obras Públicas, el arquitecto Jorge Sábato, el pliego de necesidades para formular las bases del concurso internacional, que serán de "proyecto y precio", del futuro MNBA. Según anticipó Sábato está planteada la condición: "Si el concurso es ganado por un estudio internacional deberá trabajar con una empresa constructora local en un formato similar al realizado con el proyecto de Norman Foster, hoy sede del gobierno de la ciudad en Parque Patricios".
Un poco de historia

El diagnóstico inicial para encarar la ampliación deberá partir de la estructura actual formada por tres edificios de épocas, estéticas y funciones diferentes.
Fundado en 1896 por Eduardo Schiaffino, el Museo Nacional de Bellas Artes tuvo como primera sede las tiendas del Bon Marché, hoy Galerías Pacífico, en Córdoba y Florida. De allí se mudó al pabellón de exposiciones en la plaza San Martín y, en los años 30, al actual edificio de Libertador y Pueyrredón, antigua casa de bombas de obras refuncionalizada por el arquitecto Alejandro Bustillo.
En los 70, se concretó la ampliación de la gran sala del primer piso, conocida como sala 29, donde hoy se exhiben las colecciones de arte argentino, incluidas la sala de la Coleccción María Luisa Bemberg y la incorporación de la Sala Berni. La donación Hirsch, con su sala propia, fue inaugurada, en la planta baja, en abril de 1984.

A esta estructura central se suma el pabellón proyectado por César Gianello en los años 60, para la megaexposición de artes y ciencias que impulsó el presidente Arturo Frondizi, cuando el país miraba al mundo desde un horizonte de grandeza. Ese pabellón vidriado, deudor de la arquitectura de Mies van der Rohe, es hoy sede de la Asociación de Amigos, con su nuevo auditorio, talleres y el polo gastronómico liderado por 900, bajo el escudo de Mercedes-Benz.
El pabellón de Gianello será puesto en valor por la Asociación de Amigos del MNBA, información que confirmó Julio Crivelli, su presidente. Las actividades culturales de ese sector no serás suspendidas mientras se realicen las obras. El edificio de César Giannello, autor también del puente peatonal sobre Alcorta que conecta con la Facultad de Derecho, tiene un nivel de protección patrimonial que impide modificaciones en la fachada.
Así, si todo sale como está previsto, el "nuevo museo" será inaugurado a finales de 2019, tendrá un nuevo acceso y salas para exhibir algunas de las joyas que guarda el depósito, como la Colección Di Tella de arte precolombino, un gabinete de dibujos, más pintura europea y argentina que forma parte del patrimonio, y otras obras de las 14.000 que conforman el acervo del MNBA y que como primer paso deberán ser inventariadas.

Actualmente, solamente se exhibe alrededor de un 8% del patrimonio, mientras los museos del mundo muestran al público entre un 12 y un 20 por ciento de su colección.
Si bien el estilo de la ampliación estará dado por el ganador del concurso, que puede ser bien un prestigioso ganador de un Pritzker global o un estudio joven como ocurrió con el Malba -las cordobesas Fourcade, Tapia y Atelman-, está previsto que la expansión se haga hacia los extremos del actual conjunto, con una parte soterrada, enfatizando y respetando los espacios verdes circundantes.
La "calle" que actualmente une el pabellón de Gianello con el edificio del museo será un espacio verde y no está previsto un área de parking, que sí existe en el nuevo y vecino Centro de Exposiciones, cruzando la avenida Figueroa Alcorta.
Bajo la mirada atenta del ministro Rogelio Frigerio, el jurado del concurso estará integrado por tres representantes del Estado, un representante de la Federación de Arquitectos, un representante por los participantes y otro por la Sociedad Central de Arquitectos.

 Quien gane dispondrá de 30 meses para hacer la obra y, junto con el proyecto, deberá adjuntar el presupuesto. La ampliación está en marcha

LUIS FELIPE NOÉ EN EL BELLAS ARTES

Mirada prospectiva.Hasta el  20 de septiembre, en el Pabellón de exhibiciones temporarias, MNBA, Av. del Libertador 1473. Martes a viernes de 11 a 20, sábado y domingos de 10 a 20. Gratis

Luis Felipe Noé: una mirada hacia 60 años con la pintura
En el Bellas Artes, el artista inaugura una gran retrospectiva;
Luis Felipe "Yuyo" Noé se lo ve feliz. Recorre apurado y sonriente el montaje de Noé. Mirada prospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes, la muestra que inaugura este martes y recorre sus 60 años con la pintura. Aclara que fueron más, y que seguirá sumando millas. "Uno no envejece al cuete... bueno, algunos sí, otro no. Yo estoy muy contento de estar en una etapa muy productiva a mis 84 años. Estoy activo y creo que en una muy buena época. No me voy a comparar con ellos, pero hay ejemplos de artistas que lo mejor que hicieron fue de viejos: Tiziano, Monet, Matisse, Hokusai. Para la valoración definitiva de los artistas, creo que tienen especialmente suerte los que mueren muy jóvenes o los que mueren muy viejos."
Tiene planeado publicar dos libros de dibujos y acaba de entregar a imprenta otro más, El caos que constituimos, que publicará el museo. "Lo terminé hace dos horas. El caos somos todos nosotros, nos involucra. Va a estar dedicado al caos, que me ha acompañado toda mi vida, o algo así", dice entre risas. Ocupa todo el centro de la sala su obra más reciente y arriesgada, Entreveros (2017). Se trata de una gran instalación de pintura sobre estructuras angulares, con zonas con retratos en relieve y composiciones de espejos rotos, desplegada sobre una superficie espejada y psicodélica. Todas las instalaciones que ha hecho son una búsqueda de representar el caos.

"En 1965, en su libro Antiestética, Noé expresó la necesidad de asumir el caos, no en oposición al orden, sino como una nueva dinámica de funcionamiento de un mundo en permanente cambio. Esta exposición analiza los aspectos centrales de la obra de Noé, a través de los cuales desarrolló su «estética del caos», donde el pasado hace eco en el presente y se proyecta al futuro", explica la curadora, Cecilia Ivanchevich.
La muestra no sigue un orden cronológico sino que plantea tres claves de lectura que pueden rastrearse en la "estética del caos". La conciencia histórica aparece cuando el artista es testigo de su época para apropiársela y evocarla a través de la cita, la denuncia y la ironía. "En la visión fragmentada, Noé, consciente de sus coordenadas geográficas y temporales, replica en las formas la fragmentación que observa en la sociedad", dice la curadora. Por último, la línea vital va desde 1957 hasta la actualidad, y representa la línea a mano alzada que recorre el papel y la tela.
Seis décadas en seis pinturas por Noé
Los 60: Introducción a la esperanza, 1963, 201x214 cm, óleo y esmalte sobre nueve bastidores entelados. "Esta obra forma parte de una segunda etapa mía y pertenece a la colección del museo. Ya en 1962 se produce una ruptura de tensiones, y quiero hacer más bien contrastes y oposiciones. El cuadro éste en realidad es una manifestación. Alguna gente me dice que se parece a Munch... pero yo creo que Munch debe haber visto una sola gran manifestación en toda su vida. Yo, toda mi infancia he visto manifestaciones peronistas. Me gustó poner los carteles afuera y el gris adentro, y con referencias que a alguno le parecerán insólitas, como aquel cartel que dice «Cristo habla en el Luna Park». Lo más realista que tiene el cuadro es ese cartel. Yo también fui periodista y trabajaba en La Prensa, y en esa época ese cartel estaba en todos lados. No me quería perder la nota, y fui hacerla. Era una conferencia organizada por los hermanos Basilio. A veces, lo más realista es lo más absurdo. Los carteles arriba prometen esperanza y abajo hay una multitud gris. Otro cartel dice «No nos dejan». Era la época en que a Perón no se lo podía mencionar.

Reflexiones sobre el amor, obra de los 70.
Los 70: Reflexiones sobre el amor, 1972, 55x76 cm, tinta sobre papel. "Es una consecuencia de una terapia que estaba haciendo. Mientras hablaba, dibujaba. Este dibujo lo hice en mi casa, pero está inspirado en aquellos. No estoy hablando del amor en sí, sino del amor cuando se constituye en un gran problema psicológico y mental. Por algo uno va a terapia. También fui porque no estaba pintando. Hacía instalaciones y las deshacía. Estaba muy neurótico. El retorno, antes que a la pintura, fue a los dibujos. Por eso en la muestra hay muchos dibujos, y unos cuantos son de la terapia."
Los 80: Descubrimiento del Amazonas, 1984, 200x300 cm, técnica mixta sobre tela. "Ya vivía en París, pero tenía nostalgia de Latinoamérica. Venía de tanto en tanto a hacer exposiciones, y en uno de esos viajes pasé por el Amazonas, y me fui con esa nostalgia. Volví a París y pinté ese cuadro. Históricamente está equivocado, porque hay un barquito, pero el descubrimiento del Amazonas fue por tierra. A la pintura volví en el 75, y la había dejado en el 66. Me había ido del plano con las instalaciones. Creía en la acción, en pasar la experiencia artística al plano social. Los 70 hablaron claramente para decirme «estás equivocado». Los 80 son otra época. Estaba en París porque no quería estar acá con los militares. Me habían visitado una vez en la época de Isabelita. Yo estaba preparando la exposición del regreso a la pintura en el 75 y estaba escribiendo el prólogo, titulado "Por qué pinté lo que pinté, no pinté lo que no pinté y pinto ahora lo que pinto". Sonó el timbre un miércoles, y por suerte yo no estaba dando clases. Abrí la puerta y había cuatro monos de civil apuntándome a la panza. No pasó nada, buscaron lo que no encontraron y cuando vino el Golpe, mi mujer, Nora, me pidió que me fuese por si acaso. Pronto nos dimos cuenta de que era mejor irnos todos. Nos quedamos once años en París, y mis hijos siguen allá".

Los 90: Introducción histórica, 1999, técnica mixta sobre tela, 84x215 cm. "Lo pinté de regreso en Buenos Aires, pero seguía nostálgico del continente. Es como un paisaje con referencias concretas a pequeñas cosas, y se trata más bien a Buenos Aires. Está la imagen de la fundación de la ciudad y un grabado viejo de la época de la colonia. Los 90 es un período de síntesis de experiencias, de querer orquestar mis distintas épocas. Ya estaba volviendo a algunas cosas. No me animaba a volver a las instalaciones, pero empezaba a jugar, a pintar del derecho y del revés. Por ejemplo, hice Estructura para un paisaje, que es bastidor por un lado y la tela por el otro. Tiene que ver con algo que me decían en los comienzos, en los 60: «Sus cuadros no tienen estructura». Entonces yo daba vuelta el bastidor y ¡se las mostraba!"

Descubrimiento del Amazonas.
2000: La violencia nuestra de cada día, 2005, 106x150 cm, acrílico, tinta y collage sobre papel. "El tema es claro. A partir del 2000 empecé a integrar el dibujo con la pintura. Así como antes me interesaba superar la diferencia entre figuración y abstracción, ahora, además, me interesa superar las barreras entre la línea y el color".
2010: CRAC, 2011, 220x300 cm, acrílico y tinta sobre tela, vidrio y madera. "Es lo mismo: siempre tengo nostalgia de portarme mal. Entonces hago estas cosas. A veces no me termino de portar del todo mal, porque tengo un sentido estético bastante agudo como para portarme realmente mal. Pero por lo general, me interesaría mandar al diablo todos los prejuicios y todas las estupideces que dicen los profesores de arte. En eso estaba cuando comencé y sigo ahora de viejo. Pero en el fondo hay algo que me traiciona: yo sé que soy un tipo sensible, y portarme mal, muy mal, no puedo".

Del pasado al presente
De 1961 a 1965, Luis Felipe Noé formó parte del grupo integrado por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, conocido con el nombre de Nueva Figuración. Vivió temporadas en Nueva York y en París. Actualmente vive en Buenos Aires. Desde 1959 realizó más de 70 exposiciones individuales en el país, Madrid, Nueva York, París y en las principales ciudades de América latina.

Mirada prospectiva. Hsta el  20 de septiembre, en el Pabellón de exhibiciones temporarias, MNBA, Av. del Libertador 1473. Martes a viernes de 11 a 20, sábado y domingos de 10 a 20. Gratis

M. P. Z.

XUL SOLAR EN EL BELLAS ARTES

Museo Nacional de Bellas Artes - Argentina

El Bellas Artes presenta, desde el 7 de marzo, la exposición "Xul Solar. Panactivista", a 130 años del nacimiento del artista.
Curada por Cecilia Rabossi, la exposición analiza el carácter místico y utópico que atraviesa toda la producción del artista. Desplegada en seis núcleos temáticos, "Xul Solar. Panactivista" reunirá más de 160 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscritos, ilustraciones y documentos personales, pertenecientes al Museo Nacional de Bellas Artes, la Fundación Pan Klub - Museo Xul Solar y colecciones particulares.
Podrá recorrerse en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo, del 8 de marzo al 17 de junio, con entrada libre y gratuita.

| Alejandro Xul Solar | "Paisaje" | 1932 | Colección María Luisa Bemberg. Museo Nacional de Bellas Artes | Gentileza Fundación Pan Klub - Museo Xul Solar |

VISITAS GUIADAS PARA ESCUELAS

El Bellas Artes informa que se encuentran abiertas la inscripciones a las visitas guiadas para establecimientos educativos (período marzo-abril). Los docentes de cada nivel educativo podrán elegir entre los distintos recorridos propuestos para estimular, de manera lúdica y participativa, la observación e interacción con las obras y muestras del Museo.
Para inscribirse es preciso completar un formulario que se encuentra disponible en la página web del Museo (ingresando en la pestaña agenda, sección docentes). +info: http://bit.ly/2f9gCCE

VISITAS INCLUSIVAS

Museo Nacional de Bellas Artes - Argentina

Visitas inclusivas de febrero en el Bellas Artes:
Domingo 12, a las 16.30, recorrido en Lengua de Señas Argentina en la que los visitantes, acompañados por Carlos Vera Flores, podrán conocer las salas de arte europeo.
Sábado 25, a las 11, visita guiada para personas ciegas o con baja visión a cargo de Mabel Mayol. En esta actividad la percepción se estimula mediante el tacto y el relato.
La entrada es libre y gratuita. +info: http://bit.ly/22dDPp0

XUL SOLAR EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES

Obra en construcción: Xul Solar, registros de una aventura espiritual
En marzo se inaugurará en el Museo Nacional de Bellas Artes una muestra con 158 piezas del maestro que excedió todos los límites
Impromptu de Chopin: realizada en 1949, perteneció a la colección de María Luisa Bemberg e integra el acervo del MNBA.
Cuando Jorge Luis Borges escribió su breve presentación de Xul Solar, ya se habían extinguido para él y para todos los fulgores vanguardistas. Fue en 1949, mucho después de que su amigo ilustrara con viñetas en los años 20 El tamaño de mi esperanza y El idioma de los argentinos. Sin embargo, un pasaje de ese escrito encierra todavía la definición más exacta de su poética. "Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías, huésped de infiernos y de cielos, autor panajedrecista y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época."
Reparemos en un detalle de este pasaje enumerativo de Borges: en ningún momento se predica de él la condición de "artista" o de "pintor". En esa ausencia está todo el acierto de la definición. Xul es más y menos que un artista; es, precisamente, "un acontecimiento". Es posible que, si se dejan de lado por un momento sus invenciones, el reflejo vanguardista más persistente de Xul Solar haya sido la renuncia a la condición de "artista", y ésta es la razón por la que cualquier perspectiva unilateral de su trabajo incurriría en una injusticia. La muestra Xul Solar. Panactivista, que conmemorará desde el 8 de marzo en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) los 130 años de su nacimiento, adoptó este supuesto como un verdadero punto de partida.

Xul Solar
La curaduría de Cecilia Rabossi propone un recorrido que se organiza en una serie de núcleos: "Arte y literatura: Xul y sus amigos" revive los años europeos, la vanguardia rioplatense y la amistad con Emilio Pettoruti y con Borges; "Músico visual" es una idea de la musicóloga Cintia Cristiá en su libro crucial sobre Xul, y es el umbral para entender sus aventuras en la invención de instrumentos (el piano de colores) y de notaciones musicales; "el mundo de las lenguas" se concentra en el neocriollo y la panlengua; "Espacios habitables" exhibe sus imaginaciones urbanas; "Lo místico, lo esotérico y lo oculto" incluye desde luego la astrología, pero se desborda al panajedrez y a su teatro de títeres para adultos; por último, la escritura plástica tiene su espacio en "Grafías platiútiles".
"Es cierto que en el caso de Xul no se puede escindir ninguna de sus partes -explica Rabossi-. La intención es entonces mostrar la modificación de todos los sistemas que él quiso cambiar, ya sea la escritura, la lengua, los juegos, la notación musical. Básicamente estarán sus acuarelas y témperas, muchos dibujos, documentos y escritos. Obviamente también va a haber objetos, como los instrumentos musicales, las cartas y el panajedrez. Pero también videos y audios". Serán en total 158 piezas.
Místicos, 1924.
Una enciclopedia visual
Toda esa aventura artística, que para Xul era en realidad una aventura espiritual, precipitó ahora de manera ordenada en la publicación en dos tomos del monumental Catálogo razonado de la obra completa del artista, que se presentará al público en el marco de la muestra. Patricia M. Artundo, la directora del proyecto, explica en la introducción que, en una tarea que consumió seis años, se identificaron en total 1897 piezas. La conclusión que resulta de la investigación es clara: "El universo de obras de Xul Solar es mucho más rico de lo que se manejó hasta ahora".
El vínculo entre ese catálogo que publicó el Museo Xul Solar/Fundación Pan Klub y la próxima muestra en el Bellas Artes es mucho más estrecho de lo que podría pensarse. Según Rabossi, "el catálogo ayudó a pensar la muestra desde otro lugar y aportar obras que no habían sido exhibidas". Un caso es la primera muestra de Xul, en Milán, a instancias de su amigo Pettoruti: fue sólo a partir del catálogo razonado que se pudo saber exactamente qué obras se exhibieron entonces y recuperarlas para esta muestra en el MNBA.
Catálogo razonado, editado en dos tomos por la Fundación Pan Klub.
Hablamos de "obras" aunque, ya se dijo, las pinturas eran una parte más -sólo una- de una curiosidad que no se resignaba a la fijeza de la tela o el papel. Igual que se pudo afirmar mucho más adelante sobre John Cage, Xul fue también un inventor, en el sentido de que se dio cuenta de que los nuevos tiempos reclamaban no sólo nuevas formas, sino también nuevos objetos. Nacieron así el panajedrez (o ajedrez criollo), una lengua nueva (la panlengua), el piano de colores y los juegos de cartas.
Antes del catálogo, Artundo había preparado ya el volumen Entrevistas, artículos y textos inéditos, en el que se incluía, como parte de una de las entrevistas, una definición de la "panlengua": "Actualmente trabajo en una lengua monosilábica, sin gramática, que se escribe tal como se pronuncia, de raíces básicas, unívocas e invariables, combinables a voluntad, de fonética fácil, musical y en la que todos los sonidos pronunciables están registrados". Esta utopía lingüística debe entenderse en el horizonte mayor de la utopía artística, una especie a su vez de "panvanguardia".
Piai, 1923.
Música visual
Pero es probable que de todas las curiosidades de Xul la más emblemática haya sido la música; emblemática porque en ella convergen preocupaciones que de otro modo estarían dispersas. Hacia la mitad del segundo tomo de Alturas, tensiones, ataques, intensidades, el compositor Juan Carlos Paz registra un encuentro con Xul. "A Macedonio [Fernández] se lo veía mucho, especialmente en compañía de Xul Solar. Una noche nos encontramos los tres en una disquería de la calle Corrientes." Paz transcribe sólo la conversación que mantuvo con Macedonio, por lo que se infiere que Xul escuchaba.
En el libro Xul Solar. Un músico visual, Cristiá estudió en profundidad las ramificaciones y continuidades que existían para Xul entre un arte y otro. Para Cristiá, la música parecía ser para él tanto "fuente de inspiración" como "medio de trascendencia", y alega en ese sentido un testimonio de Luis Falcini según el cual, tocando su armonio, "Xul accedía al Olimpo de sus ensoñaciones". Amaba a Wagner, pero la llave de esas ensoñaciones era El clave bien temperado de Bach. Ahí están las marcas con lápiz en la Fuga n°10 en mi menor, pero también en la n° 7 en mi bemol mayor y en la n° 16 en sol menor.
Xul aprendió de la música lo mismo que Paul Klee: la simultaneidad de voces admite una representación en la simultaneidad del plano. Quien considere Impromptu de Chopin (1949) sabrá lo que esto quiere decir. Entre los documentos que se verán en el Bellas Artes están las cartas astrales de Chopin y de Paz. Lo trascendido en el plano, el tiempo, es indicio de una trascendencia existencial.