Con el Archivo Hours se recupera un notable cancionero folklórico Francisco ayerza“El gato-baile” La Academia Nacional del Folklore acaba de subir a su página web las letras y músicas del Archivo Miguel Hours, una obra monumental de nuestro cancionero tradicional. Con ello, se recupera un amplio repertorio de las principales expresiones musicales y poéticas del folklore de la provincia y la ciudad de Buenos Aires de los siglos XIX y XX. La compilación presenta las letras de 277 piezas musicales de distintos ritmos que llegaron hasta el presente por tradición oral, de las cuales 124 incorporan, además, la música grabada. También incluye un análisis de las tradiciones musicales y textos explicativos de los diversos ritmos, con mapa de procedencia y notación de cada tema en particular, además de un video. El mentor e intérprete del archivo es Reynaldo Miguel Hours, de San Miguel del Monte. Maestro de la guitarra y del acordeón y provisto de prodigiosa memoria y capacidad de ejecución musical, por cuarenta años ha venido juntando, custodiando y reproduciendo un material disperso y casi olvidado.. Francisco Luis Lanusse, estudioso y amante de la literatura, la música y las costumbres del campo, fue el artífice de este proyecto. La Academia Nacional del Folklore, le dio oportuna cabida, y el régimen de Mecenazgo Cultural de la ciudad de Buenos Aires lo financió.
Nuestro folklore es producto del mestizaje. Tomando la clasificación del maestro Carlos Vega, Lanusse identifica dos tradiciones musicales mayores: una, criolla-occidental, de raíz española y con origen en la costa del Pacífico, que se formó en el Alto Perú con centro en Lima y Santiago de Chile y fue bajando hasta la región bonaerense por el Noroeste y Cuyo; otra, criolla-oriental, proveniente del Atlántico a través de la mixtura europea y de los ritmos afroamericanos, Su difusión se facilitó por la trashumancia de personas y ganado. La compilación incluye ocho tipos de canciones, el Triste, el Término, el Estilo, la Cifra, la Media Cifra, la Vidalita, la Relación de Sala, y la Milonga, y una selección de diecinueve danzas, entre ellas el Gato, los Amores, la Chacarera, el Pericón, el Malambo, el Minué Federal, la Habanera, la Polca, el Vals y la Ranchera. La interpretación de la música popular a través de las llanuras y del tiempo acompañó la conformación del país, reproduciendo las costumbres criollas y burguesas que también se fundieron con la inmigración. Si bien este archivo es, sobre todo, de especie lírica, con poesía amatoria y galante, heredera del Siglo de Oro español, también incluye la temática gauchesca, que se incorporó en la música, la literatura y el teatro en la segunda mitad del siglo XIX. Este cancionero expone casi siempre a un gaucho socializado, incorporado al trabajo rural, afincado a su tierra, que disfruta del juego de la taba y del baile y la guitarra. Hay una clara resignificación de su figura: es el gaucho pobre, de rancho y a caballo, pero orgulloso, que de perseguido en el Martín Fierro pasó a ser héroe en Juan Moreira y hombre pacífico en Calandria, cuando en el último cuarto del siglo XIX la expansión de la frontera agrícola lo incorporó tranqueras adentro.
Es el gaucho “bueno” de las pinturas de León Pallière y Prilidiano Pueyrredón, y que Francisco Ayerza fotografía con destreza, cuya obra, “El gato - baile”, ilustra este texto. Es el gaucho que canta el poeta en esta Cifra: “Cuando comienzan las yerras en los meses de estación/son días de diversión/de baile y de beberaje/ se da cita el paisanaje/que acude sin dilación./el gaucho que anda peonando/y que tiene su tropilla/ su mejor caballo ensilla/para entrar en el rodeo/llevando listo su apero/y las espuelas que brillan.” La recuperación del Archivo Hours a través de su reproducción escrita y musical permitirá conservar para las futuras generaciones este importante cancionero tradicional. Es un logro que trasciende lo folklórico; un reflejo de nuestra nacionalidad.
Dos líderes, ante la misma tentación Laura Di Marco Los dos heredaron el poder, no lo construyeron. Sus mentores, Macri y Cristina, son los jefes de la grieta. Los dos fueron blancos del bullying político dentro de sus propias coaliciones. Los dos comparten un heterodoxo ADN peronista. Los dos afrontan cuestionamientos internos, desde los sectores más extremistas, cada vez que se acercan al centro o se muestran juntos. La pandemia los ubicó como los dirigentes más populares de la Argentina y cada vez que se sacan una foto en Olivos suben puntos en las encuestas. Los dos sueñan secretamente con el prefijo mágico "pos". Poscristinismo, en el caso de Alberto. Pos-Cambiemos, en el de Horacio. Sin embargo, para parirse definitivamente como líderes de sus coaliciones necesitan "matar" simbólicamente al padre y a la madre. Alberto necesita limitar y trascender a Cristina. Horacio, a Macri. Hermanados en una misma tentación, ninguno de los dos parece dispuesto, por ahora, a dar ese arriesgado paso: el del parricidio político. Más bien, todo lo contrario. Y no se trata solo de la pandemia como prioridad. Hay razones anteriores, más personales y profundas. En sus idas y venidas, el Presidente parece confundir la legitimidad de acceso al poder, que se la otorgó efectivamente su socia, con la legitimidad del ejercicio del poder, edificada a través de su propia gestión frente a la pandemia, con las invaluables herramientas que tiene a mano en un país hiperpresidencialista. Esta segunda e inesperada legitimidad, fruto de un cisne negro, le ofreció también una oportunidad dorada para acotar a su mentora. Es obvio que la tragedia del Covid-19 cambió las prioridades de la Argentina: un argumento potente para la reformulación del pacto inicial: la limpieza de las causas que involucran a los Kirchner. O, al menos, para postergar los plazos para su cumplimiento. Dicho de otro modo, Alberto podría haber convencido a su socia de postergar la reforma judicial -con la posibilidad de ampliar la Corte- que, en medio de la pandemia, solo es una prioridad de ella. Sin embargo, tomó el camino inverso: se sometió a la agenda cristinista, aun en contra de sus propios intereses y los del país. Cada vez que hay liberación de presos por corrupción o por crímenes comunes es Alberto quien paga los costos. Ayer, en General Pacheco, se mimetizó nuevamente, a lo Zelig, con lo más oscuro del cristinismo. Llamó "tontos" a los que no piensan como él sobre la cuarentena. Un mimo tribunero para Kicillof, que estaba a su lado, y para Cristina, que lo miraba por TV. Un detalle político no menor: mientras el Presidente habla con "Horacio", el gobernador bonaerense jamás llamó públicamente a Larreta por su nombre. Solo se refiere a él como "el jefe porteño". Un dirigente del ala moderada de Juntos por el Cambio, que dispara, en la intimidad, contra los generales más duros del macrismo (Bullrich, Macri), lo resume así: "Los extremos siempre tienen mayor atractivo que el centro porque son más ruidosos, pero desde ahí no construís nada. El macrismo duro es a Juntos por el Cambio lo que La Cámpora es al Frente de Todos. Hay una paradoja aquí: a la gente le gusta la prudencia, pero consume la imprudencia. La radicalización es como una droga". A la mesa de los moderados se sientan María Eugenia Vidal, Rogelio Frigerio, Lousteau, intermitentemente algunos gobernadores radicales, Emilio Monzó y el propio Larreta. Se trata, por ahora, de una mesa sin cabecera. Entre los propios moderados también hay dos líneas: los que empujan a Larreta al parricidio político y los que, como Vidal, apuestan a la unidad en la diversidad. "Hay que quitarles dramatismo a las diferencias internas, siempre las tuvimos. Está bien que exista una visión como la de Bullrich y otra como la mía. La única manera de que la oposición pierda el año que viene es que vaya dividida", advierte, con asombroso optimismo, en la intimidad de las reuniones por Zoom. Legalmente, la exgobernadora podría jugar como candidata a diputada tanto en la ciudad, como en la provincia (en un distrito, nació; en el otro, reside). Aún no tiene definido dónde jugará, pero es prácticamente seguro que jugará. Mientras el "frentetodismo" y el mundo cambiemita debaten su liderazgo -o, mejor, su carencia-, en la Argentina se dispara una nueva categoría de pobres: la clase media privada de recursos por la cuarentena, que empieza a acudir a las intendencias del conurbano en busca de lo que jamás habría imaginado: comida. Asomamos a un temerario escenario político que no se parece a nada, tampoco al 2001.
“Una catástrofe es también una nueva oportunidad”: salvó su vida porque perdió un tren y se convirtió en millonarioJohn D. Rockefeller no llegó a subir a un tren que descarriló y donde muy pocos pasajeros sobrevivieron. tres años después del fatal accidente fundó la Standard Oil, la mayor empresa petrolera de la historia. Murió el 23 de mayo de 1937, tenía 98 años y había sido el hombre más rico de la Tierra Por Alfredo Serra John D. Rockefeller (1839-1937) fue el gran magnate del petróleo La historia del protagonista de esta nota puede resumirse en un número: más de 800.000 millones de dólares. Calculados, según la inflación de los Estados Unidos, a hoy, mayo de 2020. Pero podría ser cero. No existir…, si no hubiera perdido el tren de Cleveland a Nueva York, el 18 de diciembre de 1867, por pocos minutos: los que tardó el cochero que lo llevaba a la estación en limpiar una de las herraduras de su caballo. Porque ese tren descarriló, y muy pocos pasajeros salvaron su vida… El episodio le dictó una de sus máximas: “Una catástrofe es también una nueva oportunidad”. Firmado: John D. Rockefeller. La "D" corresponde a “Davison”. Y el nombre completo corresponde al hombre más rico del mundo. El Rey del Petróleo. ¿Cómo llegó a serlo? En principio, llegando al mundo en Richford, Nueva York, el 8 de julio de 1839, hijo del matrimonio de William Avery y Eliza Rockefeller. Familia de clase media, con sangre de inmigrantes alemanes de religión judía, y franceses que hicieron pie en los Estados Unidos en 1733. De William todo puede decirse, menos que fue un esposo y padre modelo. Infiel y aventurero, desaparecía por largo tiempo, y aparecía sin aviso, con un cargamento de regalos para Eliza y para sus seis hijos. Su oficio: impostor. Cabalgaba rumbo a las reservas indígenas y les vendía chucherías al doble o triple de precio, y su bolsillo creció mucho más cuando vendía pueblo por pueblo un brebaje misterioso que, según él, era infalible para curar el cáncer… Una vocación comercial que John D. heredó precozmente: en la escuela primaria –ya enamorado de los números– juntaba piedras, las pintaba, las vendía entre sus compañeros, y guardaba el dinero en un frasco azul: “Fue mi primera caja fuerte”, recordó muchos años después, cuando nadaba en millones… John Davison Rockefeller camina junto a su hijo John D. Jr cerca de 1910 en Nueva York Piedra a piedra, pincelada a pincelada, ahorró 50 dólares –en esos años, una suma respetable–, y los usó para prestárselos, al 7 por ciento de interés, a un amigo de su padre acogotado por las deudas. Episodio que le dictó otra de sus famosas máximas: “No trabaje por el dinero, deje que el dinero trabaje por usted” En esa época, niño aún, inauguró una libreta que llamó “Registro A”, donde anotó cada uno de sus pequeños pasos financieros: un nombre que conservó hasta su retiro, en 1911… pero con muchos tomos: nada menos que el arrasador huracán de su imperio petrolero. Standard Oil. El mayor del planeta. A los 16 años, ya contador y siempre obsesionado por los números, empezó a trabajar en una empresa de comercio de granos, de sol a sol (“Nunca me importaron los horarios”), llegó a ganar 600 dólares por año –era 1857–, y cuando le negaron un aumento de 200, que sin duda merecía, renunció y se lanzó a la aventura del negocio propio. Su capital en ese momento: 800 dólares. Pero le faltaban 1.000 para crear su primera empresa de corretaje de granos. Se los prestó su padre... a un 10 por ciento de interés anual hasta que alcanzara la mayoría de edad. El vendedor de baratijas a los indios y de absurdas pócimas contra el cáncer… era un Rockefeller en estado puro. Fundó con un socio la firma Clark & Rockefeller, ganó 4.000 dólares el primer año, 16.000 el segundo…, pero eterno disconforme, y luego de una inversión en la importación de café, olió algo también oscuro, denso y llamado a cambiar el mundo: Su Majestad el petróleo. Su primer cuartel general: Cleveland. Ciudad que hacia 1861 era una de las más modernas y ricas del país, y sede de enormes industrias. “No tardé en entender –contó muchas veces, ya Gran Emperador del Oro Negro– que ese combustible sería la mayor fuente de energía del mundo”. El año 1862 fue su primera llave: con sus ahorros levantó su primera refinería. En poco tiempo compró otras. Y no paró hasta tener casi todas las de la ciudad: El Dorado con el que vanamente soñaban los descubridores y conquistadores de tierras desde el siglo XV. Su golpe de nocaut fue, en 1870, la creación de la Standard Oil: una empresa-monstruo que en poco tiempo refinó una cuarta parte… ¡de toda la producción petrolera del país! Pero, ¿qué clase de hombre era? Inteligente. Ojo de águila y olfato de perro cazador para los negocios. Insaciable: toda ganancia –hasta las siderales– le parecía poco. Religioso hasta la médula. Republicano en política. Ahorrativo hasta lo increíble: la misma ropa siempre, almuerzo en los restaurantes más baratos, y –según testigos–, “las propinas más miserables jamás conocidas”. Se casó con Laura Celestia Spelman, una profesora de Nueva York, para toda su vida, y tuvieron cinco hijos: Elizabeth, Alice, Alta, Edith y John D., que dejó este mundo en 1960. Una prole cuyos nietos y bisnietos, hasta hoy, mantuvieron encendida la antorcha del poder y del dinero, a diferencia de otras poderosas familias que apenas dejaron huella. Como dándole la razón a su dicho “todas las catástrofes son una oportunidad”, la feroz Guerra Civil Norteamericana fue la última llave que le abrió la más impenetrable de las puertas: lograr, en ese río sangriento y revuelto, convertir la mera extracción de petróleo en un pulpo de varios tentáculos: refinarlo, transportarlo –a pesar de la furia Cornelius Vanderbilt, dueño de los ferrocarriles que hacían ese trabajo– y controlar su marcha hasta el último punto del mapa del negocio. "El que trabaja todo el día, no tiene tiempo para ganar dinero", decía Rockefeller Su golpe de nocaut fue, en 1870, la creación de la Standard Oil: una empresa-monstruo que en poco tiempo refinó una cuarta parte… ¡de toda la producción petrolera del país! Antes, con un impresionante gancho de derecha: compró 22 de las 25 refinerías de Cleveland (la prensa llamó a esa operación “la conquista de una ciudad”), obligó a sus competidores a vender o asociarse con él, y hacia 1878 (apenas 8 años después de su nacimiento), la Standart Oil controlaba ¡el 90 por ciento de todas las refinerías del país! De costa a costa. De Norte a Sur. Y más tarde, a través de una segunda y colosal empresa (Standard Oil Trust), extenderse hasta casi medio mundo. Pero el dueño absoluto del titánico imperio tropezó con las leyes: empezaba a tener peso la reglamentación de la libre competencia entre empresas, y el todopoderoso zar fue acusado de monopolio. Detonó entonces una frase que irritó a los jueces: -La competencia es un pecado. Por eso la elimino… Pero dos tribunales, la Suprema Corte de Ohio y el máximo tribunal de la Nación, fallaron contra él: para la Justicia, su imperio era un monopolio (por lo tanto, ilegal), y ordenó su disolución. John D. apeló sin éxito, ganó tiempo, y en 1899 dividió al gigante invencible… en 37 corporaciones, conservó el 30 por ciento de las acciones de todas ellas, y su familia, el resto. Corolario: la nave de su fortuna eludió todos los icebergs legales sin un rasguño. Tenía apenas 50 años, y era el hombre más rico de la Tierra. Regándola con sus máximas: -El que trabaja todo el día, no tiene tiempo para ganar dinero. -¿Mi mayor placer? Ver cada noche las ganancias que desde la mañana me produjeron mis inversiones. -Puedes rendir cuentas por cada millón ganado…, menos por el primero. -La mayor virtud es la capacidad de tratar con la gente. Yo pago más por esa capacidad que cualquier otro hombre bajo el sol. En 1911 renunció a la presidencia de su inmenso imperio y se mudó a su casa en Ormond Beach, Florida. Allí murió el 23 de mayo de 1937. Tenía 98 años Estaba listo para seguir avanzando, pero su salud se resquebrajó severamente. Su estómago era un caos, perdió el pelo, su cuerpo se achicó y se encorvó. Parecía un hombre veinte años mayor. Apenas podía mantenerse en pie. En 1911 renunció a la presidencia de su inmenso imperio y se mudó a su casa en Ormond Beach, Florida. Allí murió el 23 de mayo de 1937. Tenía 98 años. Fue sepultado en el Lake View Cementery, Cleveland. La ciudad desde la cual llegó a la cumbre… después de ganar, niño todavía, 50 dólares vendiendo piedras pintadas en la escuela. Post scriptum: A pesar de que el lugar común suele mencionarlo como “el hombre más admirado… y más odiado de los Estados Unidos”: un impiadoso, implacable, despiadado barón de la industria, etcétera… John Davison Rockefeller donó casi toda su fortuna a obras de beneficencia, y dejó un asombroso legado cultural: la Universidad de Chicago (cuna de 87 premios Nobel), la Universidad Rockefeller de Nueva York, el Lincoln Center, fundaciones para el progreso de la educación, la medicina y la investigación científica, y un prodigio arquitectónico como el Rockefeller Center –que no llegó a ver: murió antes de la inauguración–. Un complejo de 19 edificios comerciales, que cubre 22 acres entre las calles 48 y 51: acaso el escudo de Nueva York, la ciudad mágica por excelencia de los tiempos modernos. Si a los hombres se los conoce por sus obras (precepto bíblico), ese hombre también fue el mismo al que tantos denostaron. Y todavía hoy, aunque muy tenues, lo alcanzan esos ecos… Poco importa: que cada uno ponga en la balanza las pesas que quiera. Pero, se incline hacia el Mal o hacia el Bien, nada borrará lo maravillosamente bien hecho.
Otro unipersonal que se estrena directamente por streaming UNA está basado en un texto de Pirandello y la actriz lo representará en la web de Timbre 4, en vivo y en cuarentena Miriam Odorico
Son muchos los planes que ha desbaratado esta cuarentena. El de UNA, unipersonal escrito y dirigido por Giampaolo Samá, es otro caso para sumar a la larga lista de postergaciones y reinvenciones dentro del mundo del teatro porteño, que intenta acomodarse de algún modo en este nuevo contexto. Protagonizada por Miriam Odorico, iba a estrenarse en Timbre 4 el 21 de marzo, pero por razones obvias no se pudo. Una semana después, el 28 de marzo, se subió a YouTube una filmación que se hizo un poco a las apuradas. Ahora habrá una nueva posibilidad de verla, a partir del domingo 31 de mayo y hasta el miércoles 3 de junio, pero en un versión pensada especialmente para ser grabada y ofrecida en streaming en la página del teatro de Boedo (timbre4. com), con el sistema de la gorra virtual. Los unipersonales son, en el universo del teatro filmado, los más sencillos para producir y de resultados finales más cercanos a los de una experiencia teatral de cuerpo presente. Miriam Odorico, de todos modos, aclara que extraña las funciones con público. “Primero pensé que podía actuar imaginándome que la gente estaba ahí, que iba a ser lo mismo, pero en realidad yo le hablé a una cámara. Lo que veía era eso, apenas el ojo de una cámara... Sentí una soledad infinita. Y también me inquieta la idea de salas con la mitad de espectadores, por la energía diferente que eso supone y porque los que actuamos por lo general queremos vivir de esto”.
UNA es la adaptación libre, y sintetizada, de Uno, ninguno y cien mil, la novela de Pirandello protagonizada por un hombre que sufre una crisis de identidad por una banal observación sobre su nariz que le hace su mujer mientras se mira en el espejo. A partir de este momento, el espejo le devolverá la imagen del otro, del hombre que no es, sino que parece ser: el individuo que no es uno sino cien mil, alguien con tantas personalidades como los demás puedan atribuir. “Cuando leí la adaptación de Giampaolo me encantó. Estuve mucho tiempo intentando que la pasara al femenino hasta que lo convencí. Es una síntesis exquisita de una novela larguísima”, revela la actriz. “Pirandello decía que es una novela de descomposición del yo. Mi idea fue respetar ese espíritu. La obra es un intento de romper las construcciones que hacemos del otro, de desmontar los prejuicios que tenemos sobre los demás. Las personas tenemos muchas facetas internas. Y la protagonista está buscando encontrar un verdadero yo, al que finalmente llega mediante la fuga hacia la locura. Una locura consciente, pensada como un espacio de libertad extrema que tiene su precio, claro, pero que al fin y al cabo es libertad. Esta mujer se reconoce en una, en ninguna, en cien mil... Me pareció muy fuerte y muy contemporáneo que sea una mujer la que intenta recuperar un yo, una consistencia, algo que no sea lo que le dicen los demás, que busque empoderarse y reafirmarse”, señala el dramaturgo y director. A su vez, agrega que la obra también plantea el interrogante de cuántas realidades existen. “Hoy estamos viviendo una de distanciamiento y proliferación de pantallas. La pregunta es cuántas pantallas ponemos nosotros mismos cuando nos movemos en sociedad sobre la base de los prejuicios sobre los demás”, concluye, y recuerda que aunque la entrada es libre, es a la gorra.
Los 39 escalones, de Hitchcock Diez películas (como identidad desconocida) para adentrarse en el mundo del espionaje y la acción.
Operación red Sparrow (Francis Lawrence, 2018). De bailarina del Bolshoi de Moscú a espía internacional, el camino de Dominika Egorova ( Jennifer Lawrence ) nunca resulta convencional. El riesgo de sus misiones nace de su atrevimiento en la pista de baile, de la fría venganza contra su tío, de su personalidad arrolladora y desafiante. Nada en este thriller es frío y medido como en aquellas grises historias de espías de los años 70. Imaginada para el lucimiento de una estrella como Lawrence, la película es exuberante, con un vestuario rojo furioso, pinceladas de violencia brutal y un virtuosismo en la puesta en escena que siempre imagina a Dominika sobre el más extravagante de los escenarios del mundo. Arriesgada, artificial y excesiva, Operación Red Sparrow es la mejor actualización del espionaje en clave femenina y autoconsciente, despojada de cualquier solemnidad y dispuesta al juego más irresponsable. disponible en cablevisión FLOW.
La caza del Octubre rojo (john Mctiernan, 1990) Ambientada en 1984, un año antes del inicio de la llamada perestroika, La caza del Octubre Rojo comienza con una suspicaz advertencia. La persecución de un submarino soviético, indetectable para los radares de Occidente, ha sido catalogada como una misión clandestina, negada por los gobiernos de los Estados Unidos y la entonces URSS, pieza atractiva para la narrativa de Tom Clancy. Como no podía ser de otra manera, Jack Ryan ( Alec Baldwin ), el anodino analista de la CIA convertido en el gran héroe del universo del escritor, es el artífice de la caza de la escurridiza embarcación y un secreto admirador de quien debiera ser su enemigo, el capitán Marko Ramius (el gran Sean Connery), al frente del Octubre Rojo. El director John Mctiernan construye su aventura en el encierro del submarino, con la solvencia de un gran narrador y el timing perfecto en la dinámica coral de los personajes. Heredera de las tensiones de la Guerra Fría, es una de las grandes adaptaciones del universo de Clancy cuyo capitán Ramius es el escéptico vocero de la nueva era que se avecina. disponible en amazon prime video.
Misión imposible (brian de palma, 1996). La reinvención del universo televisivo de Misión imposible fue fruto de la alianza entre una estrella consciente de su carisma y astucia como Tom Cruise y un director con personalidad para explotar los tópicos de un género hasta el límite como Brian De Palma. Ese encuentro dio origen a una de las sagas de espionaje más populares de los últimos tiempos, nutrida de manera indirecta de la extravagancia de los superhéroes y de la monumentalidad de los escenarios globales. De Palma construyó a Ethan Hunt como un agente solitario y en permanente peligro, gestor de sus misiones más arriesgadas y de su inevitable supervivencia. Esta primera Misión imposible dejó escenas inolvidables como aquella de las trágicas muertes del comienzo, o la suspensión de Cruise de los cielorrasos de las oficinas de la CIA, o la delirante persecución del tren en el final. Y al mismo tiempo consagró el romanticismo trágico del personaje, corrosivo antídoto a la seducción que fue la marca de estilo de un referente como James Bond. disponible en netflix.
Indecisión Fatal (Man hunt, Fritz Lang, 1941). Basada en el serial Rogue Male, de George Household, Indecisión fatal comienza con un prólogo significativo: un travelling tortuoso nos adentra enunbosqueespesoparamostrarnos a un hombre que manipula un rifle de precisión y vislumbra a la distancia la figura de Adolf Hitler. Su aparente comodidad y confianza en el campo de caza contrasta con su escapatoria hacia la gran urbe, definida por Fritz Lang como un laberinto plagado de sombras en el que deja de ser cazador para convertirse en presa. Primera película de la trilogía antinazi del director –que escapó de las promesas de Goebbels de convertirse en el rey del cine alemán–, Indecisión fatal utiliza el mundo del espionaje que Lang ya había explorado en su etapa muda como escenario de incertidumbre política. Orgulloso de su fama de extremo perfeccionista, el director afirmaba: “Me gusta que mis guiones estén listos para ser filmados. Siempre exijo tener los dibujos exactos de los escenarios y decorados, y entonces decido el ángulo con el que voy a filmar. Tengo en mi mente cómo debería ser la escena y entonces le doy indicaciones al decorador y al operador de cámara”. disponible en Qubit tv.
LOS 39 escalones (alfred hitchcock, 1935). Uno de los primeros éxitos ingleses de Alfred Hitchcock junto a la primera versión de El hombre que sabía demasiado, Los 39 escalones podría pensarse como un decálogo del cine de espías. No existe la CIA, ni los agentes dobles, ni el deber y el sacrificio –tópicos que modelarían otros ingleses como Graham Greene y John Le Carré– pero sí el espíritu de ese género tan peculiar al que Hitchcock le dedicó su alma y vida. Claude Chabrol decía que casi todo ese universo había sido inspirado en Los espías, una de las últimas películas mudas de Fritz Lang, y razón no le faltaba. Pero Los 39 escalones está nutrida de humor antes que fatalidad, y ese turista canadiense que se ve envuelto en una trama de secretos y mentiras, esposado involuntariamente a Madeleine Carroll –la primera rubia hitchcockiana– falso culpable por excelencia, solo podría haber nacido del jubiloso imaginario del cineasta inglés. Junto con Agente secreto , de 1936, mucho más lúgubre y ominosa, ambas representan el mejor díptico para entender la matriz de espionaje que nació entonces y todavía sigue viva en el cine de hoy. disponible en Qubit tv.
La conversación (F. Ford coppola, 1974). Nacida como un capricho de autor luego del éxito de El padrino, La conversación fue la película más íntima de Francis Ford Coppola en los años 70, su radiografía aguda y desencantada de aquellos tiempos de paranoia que siguieron al escándalo del Watergate. La escena inicial define la esencia de la película: la reflexión sobre el cine como manipulador de la realidad; la responsabilidad de la mirada y sus efectos mortíferos; y la amenaza de locura que conlleva el aislamiento y la desconfianza. Henry Caul (Gene Hackman) es un especialista en sonido, solitario y escéptico, genio maldito condenado por una culpa que acarrea del pasado. La conversación registrada en una plaza al aire libre se convierte en un acto de repercusiones éticas: Coppola indaga sobre la imposibilidad del carácter aséptico de la mirada y el lento desdibujamiento de las fronteras entre lo público y lo privado. La conversación utilizó la hiperrealidad del entorno para sumergir al personaje en un mundo paralelo en el que sus miedos y paranoias configuran su nuevo presente. disponible en cablevisión FLOW.
Atómica (atomic blonde, david Leitch, 2017) Charlize Theron interpreta a Lorrainebroughton,unaagentedelmi6que es enviada a Berlín a recuperar información sensible para la inteligencia británica, justo en las vísperas de la caída de la URSS. Así que tenemos todos los ingredientes de los clásicos de espías: los años 80, la Rusia comunista, los agentes de inteligencia y una red de secretos que convierte a nuestra heroína en un intrépido camaleón en uno y otro lado del Muro. Lo atractivo de Atómica son las electrizantes escenas de acción que enfrentan a Lorraine a un ejército de enemigos: malos algunos, malísimos otros. Esa lógica de luchas encarnizadas podría haberse reducido a la virtualidad del videojuego, pero la película se afirma en lo físico, la violencia se torna concreta, la sangre derramada. Inspirada en la novela gráfica de Anthony Johnson comparte el espíritu, en clave femenina, con la John Wick del mismo director, nunca demasiado interesado en la lógica de la trama y sí en el vértigo de las acciones más espectaculares. disponible en netflix.
El topo (tinker tailor Soldier Spy, TOMAS alfredson, 2011) Si hay un nombre asociado a la tradición literaria de espionaje es George Smiley, el agente secreto creado por John Le Carré , miembro del MI6, parco y secreto engranaje de un mundo de intrigas y silencios. En esta historia brillantemente filmada por el sueco Tomas Alfredson estamos en los años 70 y corre la sospecha de que existe un infiltrado en los altos niveles del servicio de inteligencia británico. Las miradas se arremolinan alrededor de los acomodados dirigentes de Cambridge Circus, y Smiley se convierte en un imprevisto investigador capaz de rastrear cualquier paso en falso. Nada queda del heroísmo y el glamour del James Bond de Ian Fleming en el universo de Le Carré, quien disecciona el espionaje británico con oficio y sin ninguna nostalgia. Como en El espía que vino del frío, su primera novela exitosa convertida en una de las grandes películas de Martin Ritt, El topo ofrece una radiografía de ese mundo de traiciones y deslealtades, con un suspenso electrizante que convierte a esos hombres importantes en meras piezas de un tablero de ajedrez. disponible en claro video.
Identidad desconocida (the bourne identity, Doug Liman, 2002). El inicio de la saga Bourne, tal vez uno de los universos de espionaje más permeables a los vertiginosos cambios del escenario contemporáneo, recrea el vigor y la paranoia de los thrillers políticos de los 70. Un asesino entrenado por la CIA es perseguido por quienes utilizaron sus servicios y ahora desean borrar su existencia. Doug Liman exprime los recovecos de su guion en virtud de las escenas más extravagantes: persecuciones, caídas, todos los condimentos de una acción espectacular se condensan en un trasfondo amoral en el que buenos y malos responden a las mismas reglas. Esa deliberada crisis de los ideales que escenificaron películas como Asesinos S.A. y Los tres días del cóndor en los tiempos poswatergate, aquí adquiere ecos más modernos pero igual de descreídos. Matt Damon rearma su propia historia como un rompecabezas fatal que da cuenta de su tragedia y lo impulsa sin descanso detrás de su propia supervivencia. disponible en directv go.
Estado de Sitio (costa-gavras, 1972). Cineasta de origen griego que se convirtió en uno de los emblemas del cine político francés de los años 60 y 70, Costa Gavras utilizó las claves del thriller de espías para hacer atractivas una serie de historias que involucran el avasallamiento de los principios éticos y democráticos, el autoritarismo de los sistemas políticos policiales y represivos, y la resistencia de individuos y colectivos desde posiciones que escapan al esquematismo. En Estado de sitio, sobre el accionar de los tupamaros en Uruguay, se muestran las constantes de su cine que ya lo habían consagrado en la exitosa Z: la minuciosa descripción del contexto social, la presentación de puntos de vista complementarios (la de los tupamaros, la de la policía, y la del periodista veterano que sigue el secuestro), y el uso de un montaje vertiginoso, capaz de sellar la atención del espectador pese a lo complejo de los entramados que aborda. Sus personajes, opacos y contradictorios, siempre enfrentan sus propias dudas y nos conducen a una de las miradas más honestas sobre ese mundo convulso. disponible en Qubit tv. P. V. P.
La saga documental del Bardo de Avon una serie // por N. T. Disponible en flow Shakespeare Uncovered es una serie documental que explora la obra del Bardo de Avon con la ayuda de grandes actores como Helen Hunt y Brian Cox, entre otros, que se transforman en anfitriones de un paseo inolvidable. El recorrido de esta tercera temporada del programa también cuenta con fragmentos de las obras y comentarios de académicos dedicados al trabajo del autor de Romeo y Julieta y otros clásicos, y se ocupa, también, de su resonancia en la cultura global, con análisis de piezas como Mucho y ruido y pocas nueces”, “Julio César”,” Medida por media” y “Ricardo III”.
Museos de la región: hay equipo Arte en casa // por C. CH. proa.org Arrancó con 500 entradas agotadas y antes de comenzar tuvo que expandirse de Zoom a YouTube. Ese dato refleja el interés que generó el ciclo de charlas impulsadas por Fundación Proa y tres museos: e l Bellas Artes, el Moderno y Malba, para abordar las formas de “administrar la incertidumbre” provocada por la pandemia en el sector cultural. Comenzará hoy, a las 16, con un encuentro entre Adriana Rosenberg, directora de Proa, y Cuauhtémoc Medina y Amanda de la Garza, que hablarán desde México. Lo sucederán otros tres diálogos entre los directores Andrés Duprat, Victoria Noorthoorn y Gabriela Rangel, con invitados internacionales. La vida íntima de Laura, de Clarice Lispector Un libro para chicos // por N. B. ediciones v&r En este cuento para chicos, la autora brasileña –uno de los nombres fundamentales de la literatura latinoamericana– narra la vida cotidiana de una gallina con gran sentido del humor y mucha ironía. Y lo hace de manera maravillosa desde el punto de vista de la gallina: así, Laura cuenta en detalle cómo es un día en el gallinero, cómo se lleva con el gallo Luis y con las demás compañeras, cómo es la experiencia de poner un huevo y de alimentar con lombrices al pichón recién nacido. Con ilustraciones de Raquel Cané y traducción de Alicia Salvi, es un libro recomendado para lectores que pueden “leer” más allá de lo que dicen las palabras. La pérdida y la música como consuelo Música clásica // por P. G. https://lso.co.uk/whats-on/alwaysplaying.html La reunión en un mismo concierto de Un réquiem alemán, de Brahms, y del Stabat Mater, de Karol Szymanowski, es una idea del director Valery Gergiev que podría tener justificaciones extramusicales. Más que un lenguaje común, está la vivencia de la pérdida y de la música como consuelo. La pieza de Brahms, con pasajes de la Biblia de Lutero, quedaba al margen de cualquier liturgia; Szymanowski, por su lado, usó una traducción al polaco del himno mariano y entendía la obra como un “réquiem campesino”. La versión de Gergiev con la London Symphony Orchestra está disponible desde hoy. Los cisnes siguen en cuarentena Un ballet // por C. B. en el canal de youtube del enb ¿Por qué volver a ver, otra vez más, El lago de los cisnes en esta cuarentena? Hay tantas respuestas para esta pregunta como las que vienen dándose en el último siglo y medio para explicar las razones que convirtieron a este ballet en el clásico más famoso y aclamado del mundo. Sin dudas, la variedad de reinterpretaciones que se hicieron (y se siguen haciendo) de aquel original de 1877 es una espada imbatible de esta obra. Por eso, el English National Ballet “estrenó” ayer en su ciclo #WednesdayWatchParty la versión del británico Derek Deane, con Isaac Hernández y Jurgita Dronina, grabada en Liverpool en 2018. Disponible poco tiempo
Grandes actores hacen La gran apuesta Una película // por M. S. disponible en netfilx Ahora que se piensa en cómo será la economía de un mundo golpeado de manera inesperada por una crisis inimaginable quizás sea el momento más oportuno para reencontrarse con la película más ingeniosa y certera que se hizo sobre la catástrofe financiera de 2008. Un cuento veloz, ágil y lleno de entrelíneas jugosas alrededor de un grupo de personas que lograron anticiparse a los hechos y salir indemnes de un episodio que golpeó a todos sin piedad. Con gran pulso para la sátira política, Adam McKay dirige a grandes actores (Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling) en una historia basada en hechos reales. Tumba de jaguares, de A. Gorodischer Lecturas // por D. G. eudeba Esta novela de la gran escritora argentina contiene varios relatos y narradores: un padre cuya hija ha desaparecido en la década de 1970, una propietaria rural con un marido que fue secuestrado por una tribu en tierras remotas y una anciana novelista viuda que, durante el letargo de una internación, recuerda su vida. Los tres protagonistas de las nouvelles escriben a su vez sobre los otros y sus pérdidas; como el uróboros (la serpiente que engulle su propia cola), “Tumba de jaguares” subyuga a los lectores y los hace ingresar al remolino barroco de la ficción, que no tiene principio ni fin. Reedición con prólogo de Martín Felipe Castagnet. Un aniversario para volver a escuchar Un disco // por H. I. disponible en spotify Un día como hoy, hace ciento diez años nacía T-Bone Walker, uno de los más grandes guitarristas, cantantes y compositores de la historia de los blues. Discípulo de Blind Lemon Jefferson, fue uno de los pioneros de la guitarra eléctrica y autor de clásicos como “Stormy Monday”. De 1969, Everyday I Have The Blues, fue producido por Bob Thiele (colaborador de John Coltrane y autor del hit de Louis Armstrong “What a Wonderful World”) que aporta aquí “Vietnam”, un blues lento con una nota acorde al signo de esos tiempos. T-Bone se luce en piezas como la que da nombre al disco y “Shake It Baby”, de John Lee Hooker. Un canal revoltoso: Panda TV Tecnología // por A. T. instagram: ipandachannel En el imaginario colectivo, los pandas están asociados con muchos significados. Son lindos, simpáticos y estuvieron cerca de extinguirse (hoy se los considera una especie vulnerable, o sea que dependen de la intervención humana para no desaparecer). Eso sí, lo último que podríamos imaginar es que se trata de uno de los animales más traviesos, revoltosos y juguetones que existen. ¿La prueba? Los videos de la cuenta de iPandaChannel en Instagram, con más de 2,2 millones de seguidores que arrancan el día con una sonrisa, cortesía de estos adorables, pero pícaros emblemas de la ecología.
Risotto con tomates cherry y olivas ¿Qué lleva? Una receta // por J. L. M. 1 cebolla colorada, 1 diente de ajo, 1 bouquet de hierbas frescas, 4 tazas de carnaroli o arborio, 2 cdas. de aceite de oliva, 1 taza de vino blanco. Caldo de verduras natural, 1 taza de queso blanco, 1 taza de parmesano. Para agregar encima: rúcula y tomates cherry. ¿Cómo se hace? Cortar la cebolla y el ajo en brunoise. Calentar una olla; dorar las cebollas, el ajo y el bouquet de hierbas en aceite. Incorporar el arroz y sellarlo. Sumar el vino y que se evapore. Ir agregando el caldo de a cucharadas hasta que el arroz esté casi a punto. A último momento incorporar rúcula picada, queso blanco y un toque de parmesano. Servir con cherry dorados por encima. C. B.
Sophia Loren: "Ser bella no está mal, pero además hay que saber brillar" Fabián W. Waintal Esta nota se publicó originalmente el 10 de septiembre de 2006. El nombre de Sophia Loren genera demasiado respeto, admiración, sorpresa. Y no hay palabras que puedan describir el significado de estar sentado a su lado. Una verdadera leyenda en vida, una reina sin título de nobleza. Sola se maquilla, pintándose los labios y peinándose pide un attimo antes de comenzar esta entrevista. Saluda con un beso sobre la mano derecha y demuestra la humildad de los grandes cuando se molesta con su hijo Carlo Ponti Jr. porque derrama una simple gota de leche sobre el sillón que no es de ella. "¡Guarda!", se queja con un dulce acento italiano, mientras ella misma limpia la gotita con su pañuelo, antes de disfrutar el café expreso que le sirvieron. El salón principal del Hotel Four Seasons en Beverly Hills la recibió con distinguidos muebles italianos, adornados con vitrinas que exponen el esplendor de su propia colección de joyas Damiani, donde un solo collar luce más de 1000 diamantes y cuesta US$400.000. Pero el lujo de entrevistarla es todavía mayor. Eso no tiene precio. -¿Sophia Loren se anima a describir a Sophia Loren? -Cuando hago algo, trato de hacerlo lo mejor posible. Soy una persona que ama su tierra, amo la vida que tengo, amo mi familia. En verdad, siempre afronté la vida con humildad y la fama jamás me cambió. -¿Le gusta que la recuerden como uno de los símbolos sexuales más importantes de la historia del cine? -Una es como es. Yo nací con el cuerpo que tengo y siempre hice las cosas sin pensarlo demasiado. Si después la gente me admira por lo que hice, lo respeto. Y, por supuesto, me hace feliz. -¿Se da cuenta de que conserva la misma belleza de siempre? -Si así lo crees, no pienso hacerte cambiar de parecer. El ser bella no está mal, pero además de ser bella, hay que saber brillar. -¿Cuándo vamos a volver a verla en el cine? -Todavía estoy esperando una buena oportunidad, que valga la pena. Pero me parece increíble que la nueva generación de chicos, hoy, todavía sepa quién es Sophia Loren. Es algo maravilloso. -¿Volvería al mundo del cine con Hollywood o Europa? -Si los norteamericanos me dieran una historia que realmente me gustara, no me importaría la nacionalidad. Pero me identifico mucho más con un director europeo, porque allá escriben historias para actrices como yo. He trabajado en España, Alemania y Austria, además de Italia. No pretendo filmar historias americanas para que me quieran en Hollywood. Me parece que necesito un rol que me muestre tal cual soy, como buena europea. -¿Hay algún factor en particular que toma en cuenta al momento de aceptar una película? -Cuando leo un guión, enseguida sé si quiero hacerla o no: si tiene sentido y si me parece que al leerla puede llegar a ser el mejor trabajo de mi vida. -¿Qué les recomendaría a las actrices extranjeras que sueñan con llegar a Hollywood? -Es muy difícil para una actriz extranjera habituarse a la mentalidad americana: es muy fría. Para venir, hay que estar muy tranquila y fijarse en todo, acercarse y mantenerse bien al tanto de todo lo que sucede. Belleza a prueba del tiempo Parece increíble que el próximo 20 de septiembre cumpla 72 años, que para nada se notan. Con el nombre completo de Sofia Villani Scicolone, nació en Roma y se crió en la pobreza, en las afueras de Nápoles, con la única compañía de su madre, Romilda Villani. Durante la adolescencia ya había empezado a trabajar como modelo y aprovechó su belleza para participar en algunos concursos, en los que conoció al productor de cine que le cambió la vida, Carlo Ponti. Con el nombre artístico de Sophia Lázaro apareció como extra en la película americana Quo Vadis? y siguió con otro personaje menor en la primera película de Federico Fellini, Luci del Varietá. Más adelante llegó a filmar ocho películas con Vittorio De Sica, además de tantos otros clásicos con Marcello Mastroianni. También fue recibida con los brazos abiertos en Hollywood cuando se convirtió en un símbolo erótico del cine internacional. Pero no era solo una cara bonita: su calidad como actriz fue reconocida por haberse convertido en la única intérprete de la historia del cine que ganó un Oscar hablando en un idioma extranjero en la película Dos mujeres, de Vittorio de Sica. "Cuando se trata de piedras preciosas, soy muy democrática: me gustan todas. Como decía Simone de Beauvoir, una bella joya es el toque final para transformar una mujer en un ídolo. Me gusta que las joyas hagan sentir más hermosa a una mujer." -¿Sigue la entrega del Oscar todos los años? -Siempre, con un gran entusiasmo. Es una jornada excitante, maravillosa, hermosa. Me encanta la noche del Oscar. La última vez que fui a la entrega fue en 1991, cuando me dieron un Oscar honorario, porque en 1962, cuando lo gané, no había ido. Greer Garson lo había aceptado por mí. Es que siempre trabajé por el placer de trabajar, nunca por los premios. -¿Vota a los ganadores? -Sí, sí. Veo las películas en DVD que me envían a Génova y también le pregunto a mi hijo, que ve bastante cine. -Su esposo, Carlo Ponti, había sido nominado como el creador de la película Doctor Zhivago, que terminó ganando cinco estatuillas aquella temporada. ¿Cómo lo describiría para la nueva generación, que tal vez no lo conoce? -Carlo Ponti ha sido un hombre que ha dejado muchísimo en la historia del cine, de una manera original, probando siempre algo nuevo. La historia de amor de Sophia Loren con Carlo Ponti merece una película aparte. Entre ellos había 22 años de diferencia. Se casaron en 1957 (cuando ella tenía 23 y él, 45), aunque el matrimonio no pudo ser reconocido porque Ponti no había logrado el divorcio oficial de su primera esposa. En un país como Italia, con fuertes tradiciones religiosas, fue todo un escándalo cuando la ley italiana señaló a Ponti como bígamo y anuló el casamiento con Sophia en 1962. Recién en 1966 lograron el consentimiento legal. El 9 de abril volvieron a casarse. Luego (y no sin dificultades para quedar embarazada), llegaron los hijos: Carlo Jr. y Edoardo. Esa pasión por brillar Su historia quedará enmarcada para siempre como una de las grandes leyendas del mundo del espectáculo. Y parte de esa misma historia se refleja en la nueva colección de joyas que hoy lleva su nombre. -¿Cómo nace su pasión por las joyas? -Desde antes de ser famosa, cuando nadie me conocía. Siempre me gustó todo lo que brillara. Nada hace a una mujer más bella que la convicción de ser bella. Y nada mejor que una joya para darle todavía más importancia. -¿Qué le gustan más: anillos, collares? -Me gustan las cadenas grandes como bufandas: tienen que enrollarse alrededor del cuello y coronar el rostro desde abajo. Algunas veces son como tiaras que se llevan debajo y no sobre la cabeza. -¿Alguna piedra preciosa preferida? -Los diamantes son mis favoritos, pero también me encantan las esmeraldas y los rubíes. Cuando se trata de piedras preciosas, soy muy democrática: me gustan todas. Como decía Simone de Beauvoir, una bella joya es el toque final para transformar una mujer en un ídolo. Me gusta que las joyas hagan sentir más hermosa a una mujer. Es un buen momento vanidoso para cualquier mujer. Cuando se regala una joya, también resulta muy importante, porque marca un evento. El momento brilla y perdura. -¿Y cómo es que se le ocurrió crear una colección de joyas con su nombre? -Nunca antes había hecho algo así y me pareció interesante experimentarlo. Con los mismos joyeros que Brad Pitt y Jennifer Aniston habían elegido para el anillo de matrimonio (una relación que finalmente resultó trunca y que ahora solo ha quedado en el recuerdo), la misma marca Damiani que promociona Gwyneth Paltrow desde el aviso publicitario, es la que respalda la colección de joyas de Sophia Loren. Con el inigualable sello Made in Italy, Silvia Damiani y sus hermanos Giorgio y Guido pensaron en Sophia por su carisma especial, "una belleza eterna". Loren siempre estuvo involucrada en el proceso. "Ella decía lo que le gustaba, y también agregaba ideas, como por ejemplo usar oro rosé en vez del amarillo". La actriz asocia las piedras preciosas con las horas del día. "Diamantes y oro blanco para la noche, combinado con oro rojo. Para el día, oro rosado". Para ella las joyas marcan las épocas de Hollywood. "Cuando actuaba junto a Marcello Mastroianni, yo era la luna llena -recuerda Sophia Loren- y él era el anillo de luz que me rodeaba". -¿Qué más le queda por hacer a estas alturas de su vida? -De todo, de todo; recién estoy empezando en mi vida. Más cine, mejor que el que hice. Siento como si recién estuviera empezando. Siempre me acerco a la vida con un gran sentido de optimismo y me voy a dormir pensando que a la mañana siguiente habrá algo nuevo para mí. ¿Por qué la elegimos? Figura estelar del espectáculo, la Loren es emblema de Italia en el cine mundial desde los años 50 y una de las actrices más importantes de todos los tiempos. Esta conversación, de las poquísimas entrevistas con la diva, fue realizada en el marco de un lujoso evento en Beverly Hills cuando ya había recibido el Oscar honorario por su contribución al séptimo arte con una destacada trayectoria. La belleza, Hollywood y la historia no empañan otras de sus características sobresalientes: la inteligencia y el optimismo, representando en su lema "Lo mejor está por comenzar".
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John D. Rockefeller (1839-1937) fue el gran magnate del petróleo /cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/4E7FBL4VNVGLXIMK3V5E5FULYE.jpg)
John Davison Rockefeller camina junto a su hijo John D. Jr cerca de 1910 en Nueva York/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/MMFNYX6GURGHZM5CXAL34TCRBU.jpg)
Su golpe de nocaut fue, en 1870, la creación de la Standard Oil: una empresa-monstruo que en poco tiempo refinó una cuarta parte… ¡de toda la producción petrolera del país! /cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/R3M5FAYY2BB4TMWFKDEHQNQ6BE.jpg)
"El que trabaja todo el día, no tiene tiempo para ganar dinero", decía Rockefeller /cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/SJKYYVN3BVAURHKFU2D5BXU6SA.jpg)
En 1911 renunció a la presidencia de su inmenso imperio y se mudó a su casa en Ormond Beach, Florida. Allí murió el 23 de mayo de 1937. Tenía 98 años 
