VOLVAMOS AL TEATRO

El beso de la mujer araña regresa en su mejor versión
Encomiable puesta de la obra de Manuel Puig a cargo de Valeria Ambrosio, con muy buenas actuaciones

G. LL.
Brillantes trabajos de Pablo Pieretti y Oscar Giménez
Autor: Manuel Puig . Directora: Valeria Ambrosio. Intérpretes: Pablo Pieretti y Oscar Giménez . Voz en off: Héctor Fernández Rubio. Escenografía: José Palumbo. Iluminación: Valeria Ambrosio. Música: Alessio Ambrosio. Teatro: Buenos Aires, Rodríguez Peña 411. Funciones: viernes y sábados, a las 20. Duración: 90 minutos.
De la producción de Manuel Puig El beso de la mujer araña es la obra más singular y exitosa. Nació como novela en 1976, transmutó a texto teatral en 1983, a película en 1985 y a formato musical, en 1993. Es una pieza de cámara para sólo dos actores, que resume en tres actos todas las obsesiones, intereses y fantasías del autor: las divas de Hollywood, la problemática gay, y, sí, también la política; o, mejor dicho, las consecuencias que ella acarrea sobre los más vulnerables.
El argumento se centra en la relación entre Valentín (un joven militante revolucionario) y Molina (un maduro decorador de vidrieras acusado de corrupción de menores) en la celda de una prisión latinoamericana. Al comienzo el contacto entre ambos es el de dos antagonistas, pero, luego, con el correr de los diálogos y sometidos ante un mismo sistema represor, fluye la propia condición humana y se hermanan. Y algo más también, al punto de que la vida de uno quedará signada para siempre a la del otro. Si bien el trasfondo de lo que ocurre en ese ámbito es claramente dramático, El beso… destila todo el humor corrosivo de Puig y permite diversos remansos antes del trágico final.
De las tres puestas del texto teatral, producidas hasta el momento en la Argentina, ésta, la de Valeria Ambrosio, posiblemente sea la mejor. Es tan austera como creativa, realza todas las aristas de los parlamentos y ofrece dos actuaciones encomiables: las de Pablo Pieretti, como Valentín, y Oscar Giménez, en un verdadero tour de force como el atribulado Molina.
Gran contrapunto entre dos actores a los que hay que seguir de cerca

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La noche oscura, una excelente ensoñación entre vivos y muertos
Esta “tragedia santiagueña” de Eugenio Soto es una de las mejores propuestas teatrales del off porteño
G. I.
Blanca Vilouta Rando, en La noche oscura
 Dramaturgia y dirección: Eugenio Soto. Intérpretes: Pedro León Alonso, Paula Baigorrí, Lucas Delgado, Darío Pianelli, Blanca Vilouta Rando. Iluminación: Aquiles Gotelli. Vestuario: María Silvia Pérez Luzuriaga. Escenografía: Nicolás Botte, Félix Padrón, Eugenio Soto. Sala: Teatro del Pueblo. Lavalle 3636. Funciones: Sábados, a las 19. Duración: 85 minutos.
Una mujer ha muerto atragantada por una espina de un pescado que le cocinó su hijo. La muerta afirma que el hijo lo hizo adrede para quedarse con su rancho, venderlo y huir. El hijo afirma que fue accidente. Es así. Aquí, muertos y vivos conviven de forma natural. “Tragedia santiagueña” dice ser La noche oscura y, sin embargo, parece de esas tragedias que ocurren después de lo trágico, esas que se mezclan con la farsa, esas tragedias que se repiten y que reverberan en sus infinitas entradas posibles y que terminan pegando en el aquí y ahora.
Un árbol, un rancho, una tabla, todo de excelente factura así como el cuidadísimo vestuario enmarcan la puesta. Más interesante que todo esto es el uso del espacio, la profundidad que propone, las formas de encontrar recovecos en la sala y darnos la sensación de que en cualquier momento puede aparecer algo nuevo. Porque, al promediar la obra, el espectador entiende que está metido en un sueño de siesta, donde empiezan a abundar las repeticiones, las situaciones que se comprimen, un lenguaje musical a partir de un recurso básico: rimas por el uso de poner al final de la oración el verso en infinitivo. Así, lo que se produce no es el lucimiento dramatúrgico en el que uno ve la pluma del autor sino una cadencia rítmica de la que se adueñan los personajes. Hay abundantes referentes literarios, desde San Juan de la Cruz a Rulfo, pero la unión de elementos es aquí profundamente original. Porque este es un trabajo, también, de laboratorio, en el que hay algo propio de los actores que se comparte y que revaloriza la presencia viva. Tragedia a fuego lento, avanza inexorable y crece en nosotros, con canciones a guitarra y bombo, con abundantes risas. Eugenio Soto había armado en su obra anterior, Bufarra, un asado en escena. Esta vez armó una peña folklórica y encontró formas de abrirla al público y hacerlo participar respetando los protocolos actuales.
La noche oscura puede pensarse como una tragedia de venganza. El problema básico de las tragedias de venganza es dónde terminan. La madre, muerta, quizás asesinada, quiere matar al hijo y por eso se resiste a ser enterrada. Pero cada nueva muerte traerá una nueva venganza. Y en eso, la obra blande su advertencia. Las pasiones de los muertos siguen oprimiendo el destino de los vivos que viven peleados y se transforman en tierra fértil para ser devorada por los de afuera. En un final de fiesta, alegre, triste y hermoso a la vez, la obra propone un mecanismo para seguir masticando lo visto más allá de la sala teatral. Nos recuerda, también, lo que es salir henchidos de teatro, de haber sido parte de algo que no entra en ninguna pantalla.
Darío Pianelli, en La noche oscura

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Ubú patagónico, la desmesura como signo escénico
Con este título estrenado en 2018 se abre la retrospectiva que Mariana Chaud está presentando en el Teatro Sarmiento y que incluirá a otras tres obras
Fernando Tur y Santiago Gobernori, dos de las piezas claves de Ubú patagónico...https://complejoteatral.gob.ar/
 Dramaturgia y dirección de Mariana Chaud, Con Marcos Ferrante, Santiago Gobernori, Nicolás Levín, Fernando Tur y la misma Chaud. Coreografía: Luciana Acuña. Música original: Pablo Dacal. Diseño de iluminación: Matías Sendón. Diseño de vestuario: Gabriela A. Fernández. Diseño de espacio y objetos: Gabriel Baggio. Teatro Sarmiento. Funciones de jueves a domingos, a las 20. Duración: 60 minutos. 
La obra que abre la retrospectiva de Mariana Chaud se estrenó en 2014, en el Cultural San Martín. Tuvo como punto de partida Ubú rey, de Alfred Jarry y su decálogo acerca del teatro. A fines del siglo XIX y principios del XX, el señor en cuestión fue el creador de la patafísica y se lo considera como el antecesor del teatro del absurdo. Su producción está definida por el humor, por la desmesura, por su propia neológica. Chaud se hace cargo de ese mundo y lo lleva a la escena en un montaje plagado de citas a Jarry, referencias, quiebres permanentes y una la fisicalidad jugada al máximo al servicio siempre de lo desbocado.
Hay una primera parte, una segunda y muchas partes con derivas insospechadas. El resultado final es una propuesta que en muchos momentos el espectador puede llegar a perderse así haya leído o no las obras de aquel señor de la vanguardia y la ruptura. Pero hay algo cierto en todo el tránsito de este Ubú patagónico: la potencia, la entrega, la versatilidad y la organicidad interna que crean en escena los cinco intérpretes. Y no están solos ante semejante desafío: el equipo creativo en su totalidad (desde lo coreográfico hasta la puesta de luces pasando por el diseño de objetos) se convierten en los aliados fundamentales para este viaje inclasificable. En todo momento, vendrá un giro insospechado o una microescena que vuelven a abrir las puertas de ese mundo poético.
Queda pensar que, tal vez, no sea el mejor título para abrir la retrospectiva si se piensa en el marco de un ciclo que, desde sus inicios, se la pasó generando y aumentando su audiencia nativa. No era lo planificado, pero la pandemia, su propia neológica, así lo determinó. Sea como sea, a Ubú, tal vez al Rey o el patagónico o la misma Chaud, no le preocupa lo que digan de él (el mismo texto lo dice). De otra forma no se podría haber realizado esta desmesurada propuesta cargada de capas.

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