Arte, diseño y gastronomía en el Boulevard Sáenz Peña de Tigre

Conocé lo nuevo del circuito de arte, diseño y gastronomía en el Boulevard Sáenz Peña de Tigre
Con una renovada propuesta, el circuito de diseño de Tigre vuelve a cobrar fuerza. Cocina artesanal, diseño sustentable, arte y literatura son parte de este nuevo impulso que tiene como epicentro una antigua pensión devenida en paseo.
Ana Markarian y Lucía Benegas y Lucrecia Álvarez
“Nosotros siempre quisimos preservar la identidad de Tigre; hace 14 años que empezó este proyecto y desde entonces mantenemos ese mandato”, cuenta Santiago Torres García sobre el proyecto que su madre, Soledad Benvenuto, empezó hace ya 14 años en torno al Boulevard Saenz Peña, en Tigre.
Abierto de miércoles a domingo de 10 a 20 horas, el nuevo paseo del Boulevard Sáenz Peña llegó para renovar el distrito de arte y diseño de la zona.
Hace solo un mes inauguró El Conventillo, un nuevo pasaje con el que la familia vuelve a apostar por un circuito que empezó con un restaurante, el Mercado Don Toto y el Pasaje Sáenz Peña.
El Conventillo
Una vieja pensión que funcionaba como pie a tierra para los trabajadores del Delta cuando venía la sudestada fue la construcción original que Soledad Benvenuto y su hijo, Santiago, convirtieron en El Conventillo, un particular paseo de compras ubicado sobre la calle Sáenz Peña.
Con la gracia que acostumbra y las piezas de demolición de Mercado Don Toto, Soledad se puso al frente de la reforma de las 14 habitaciones originales de la antigua pensión para convertirlas en tiendas y locales comerciales.
A pesar de su apariencia renovada, la pensión conserva su estructura original.
“Es un paseo de compras enfocado en propuestas de carácter cultural con una buena oferta de diseño y arte no solo en las tiendas sino en los espacios en los que se dictan talleres y capacitaciones”, explica Santiago. Aunque la construcción original se acondicionó para que cumpliera con su nueva función, la reforma se hizo de manera muy manual y con el mayor respeto por su estructura.
En los pasillos del Conventillo se encuentra de todo: desde una pastelería artesanal y una librería hasta textiles sustentables, una galería de arte, un espacio para dictar talleres y una florería.
En Sáenz Peña 1339, Tigre. Miércoles a domingos de 10 a 20 hs.
Estación Libro
Aunque es la quinta sucursal de la librería, la nueva apertura de Estación Libro no tiene nada de genérico. La selección de títulos enfocados sobre todo en arte y diseño de sus bibliotecas monumentales es una invitación a sumergirse en nuevos universos.
Arañas y bibliotecas antiguas respetan al máximo el lenguaje que propone la construcción
Una gran sección infantil es otro de los aciertos en un lugar que suele recibir a familias enteras. Los best sellers y novedades completan la oferta de lo más nutrida.
Plantery
Imposible pasar por alto las flores de todos colores que emergen de la tienda de Plantery e invaden los pasillos del conventillo. Como si se tratara de una gran recepción, los ramos de esta florería y vivero que ya tiene dos tiendas en el Tigre son una puerta de entrada para el universo de la botánica.
Flores de todos colores y perfumes se abren paso desde la tienda de Plantery hasta los pasillos.
Arreglos, ramos, plantas, macetas y floreros son parte de la oferta de Plantery que además tiene cursos y suscripciones de ramos mensuales.
Petit
Atravesando el portón de entrada, lo primero que se encuentra quien visita el conventillo es Petit: la pastelería artesanal de Agustina Mengoni.
Aunque ofrecen servicio take away, la magia ne petit está en sentarse en sus mesas.
Pastelera profesional, pero además familia de Soledad y Santiago, después de años de ofrecer servicios de catering, Mengoni se anima a ofrecer al público sus tortas, alfajores, croissants, panes de masa madre y scons. Para llevar en take away o para sentarse a disfrutar con un buen café en las mesitas del pasillo, la carta tiene opciones dulces y saladas.
Amado Atellier
Diseñadora de indumentaria y asesora de imagen, en su espacio, Clara Salvo ofrece sus diseños y conocimiento a quienes buscan una experiencia de moda sustentable y orgánica.
La diseñadora Clara Salvo, de Amado Atelier, en su máquina de coser
Cada una de las piezas que se ofrecen en Amado Atelier está hecha a mano en textiles orgánicos: una apuesta por la ropa con propósito, propia de una diseñadora joven como Clara.
Apostar por lo nuevo
Los cuartos más chicos de la pensión (ambientes de solo ocho metros cuadrados) fueron destinados a un propósito especial: los emprendimientos de diseño de autor. “Sabiendo que la mayoría de los emprendedores no puede comprometerse con contratos de alquiler tradicionales y montos altos, pensamos en ofrecerles una alternativa más flexible y accesible”, cuenta Santiago.
En los pasillos del conventillo, la diseñadora Clara Sáenz, Santiago Torres García y Soledad Benvenuto.
“Los cuartitos” es el nombre con el que bautizaron a estos locales que, además de contratos accesibles, ofrecen a los emprendedores una gran vidriera. “Son espacios muy chiquitos pero con grandes vidrieras, para que desde los pasillos se veam sus productos”, explica Santiago. La ganancia es doble: los emprendedores llevan al conventillo propuestas originales y distintas mientras que el centro comercial los nutre de un público al que difícilmente llegarían por su cuenta.
Mitai
Siguiendo la línea del consumo consciente, en el cuartito numero 20 se encuentran dos emprededoras con un espacio compartido: Mitai, una marca de juguetes hechos en madera, y Solsikke, una de ropa sustentable para niños.
Juguetes de madera y ropa sustentable, la mejor combinación infantil.
En el sector de “los cuartitos” las propuestas de consumo consciente se imponen. Emprendedores con búsquedas muy distintas entre si comparten un nuevo paradigma en el que sustentabilidad y respeto están en la base de las propuestas-
Buenos Vientos
Cuadros bordados, mantas hechas en telar, esculturas de cerámica y barro y tejidos de chaguar son algunas de las piezas únicas hechas a mano por distintos artesanos de todo el país que Buenos Vientos reúne bajo su curaduría en el cuartito 18 de El Conventillo.
La selección de Buenos Vientos incluye piezas únicas y artesanales de todo el país
Vecinas del sector, justo en el espacio 17, las ceramistas Paula y Valeria ofrecen sus piezas en gres y cerámica en combinación con una variedad de plantas en Odara.
Bienvenidos a Odara
A veces en formato de floreros, otras de macetas, la combinación de piezas artesanales y botánica es el corazón de la apuesta de Odara.
Cabutia
Volviendo al Boulevard, un clásico entre los vecinos es Cabutia: un lugar en el que la comida saludable y creativa, con productos frescos, se convierte en una experiencia única
Sillas en verde y muebles de época son parte de la estética fresca y personal
Aunque en el corazón de la propuesta están las comidas caseras y saludables hechas en el momento con ingredientes de estación, la pastelería y panadería con opciones integrales o sin gluten no se quedan atrás. En verano, las puertas abren muy temprano pero cierran a las cinco de la tarde. Quienes buscam disfrutar de un buen desayuno o almuerzo en un lugar sencillo pero con buen clima y ambiente, Cabutia es una gran opción.
Además de restaurant, Cabutia tiene su mercadito en el que se pueden encontrar productos frescos, artesanales y gourmet que reflejan su pasión por la comida y la calidad.
En Sáenz Peña 1249 y 1255. Lunes a Viernes de 8 a 17 y Sábados de 9 a 17.

La particular decoración, atractiva y relajada, hace que el ambiente sea de lo más cálido.
Cima
Joyería pero también escuela y semillero, hace cuatro años que el orfebre Nahuel Spinelli y Milagros Castets de Cima empezaron juntos Estudio Cima.
Nahuel y Mila, al frente de Estudio Cima.
Escaladores y amantes de la montaña, en su trabajo buscan honrar la montaña y la naturaleza de donde viene el metal. Del tallado de las propias alianzas al perfeccionamiento de distintas técnicas, la pareja invita a quienes se animen a explorar con metales y crear piezas únicas.
En Sáenz Peña 1365, Tigre.
Pasaje Sáenz Peña
El Pasaje Sáenz Peña fue y sigue siendo uno de los puntos icónicos en el circuito tigrense. Difícil pasar por alto este mural soñado, literalmente: “Una noche me desperté a las 3AM con la imagen de un árbol verde. Quise materializarlo en mosaico para agradecer todo aquello que está roto en uno: en definitiva, es lo que nos hace únicos”, cuenta Tati Uriburu, dueña de Almacén de Tigre, sobre la obra comisionada a Marcelo Gaggino como director y maestro, y de la que participaron más de 200 vecinos.
El pasaje, con su mural, es uno de los lugares más pintorescos del Boulevard
Almacén de Tigre
El restaurante de Tati Uriburu y Luchi Collazos está en una típica casa ribereña de madera y atiende en el salón, en la vereda y en el patio. Acá hay de todo y, lo mejor, la cocina está abierta todo el día, todos los días.
Se puede comer en la vereda, junto al mural o adentro.
Ensaladas gourmet, burrata con tomates dulces (riquísima), bruschettas, una tarta de puerros, que es favorita entre los habitués, y tentadoras tortas y postres clásicos son parte de la propuesta. Como acompañamiento salen botellas con distintas versiones de limonada y licuados.
Dónde: Boulevard Sáenz Peña 1336. Todos los días, de 9.30 a 20.
Locas por los Trapos
Ana Markarian, estilista de Living y vestuarista de cine y teatro, es nuestra guía en este recorrido. Pionera de la moda circular, ya en 2004 vendía sus tesoros en bolsas recicladas. Hoy, en la sede tigrense de Locas por los Trapos tiene ropa desde los años 30 hasta la actualidad. Y claro, está el plus de su curaduría y asesoramiento.
Ana Markarian en su tienda del pasaje Sáenz Peña.
Mención especial para su colección permanente de vestidos negros, con joyitas de diseñador y etiquetas internacionales; todo impecable y a precio de feria.
En Boulevard Sáenz Peña 1338. Jueves, viernes y sábados en Tigre o con cita previa (locasporlostrapos@gmail.com)
Mala Prensa
Analía Brown es fotógrafa y serigrafista, Ramiro Laprida, diseñador gráfico y también fotógrafo y juntos se embarcaron en la creación de Mala Prensa, una tienda-taller destinada a abrir y romper las estructuras del arte tradicional a través de una propuesta accesible. Así, quienes se sienten atraídos por los afiches callejeros (su producto estrella) son animados a pasar y revolver fanzines, postales, textiles y otros soportes serigrafiados, xilografíados y cuanta forma de impresión artesanal sea posible.
Analía es fotógrafa y serigrafista; Ramiro, diseñador gráfico y también fotógrafo.
Eso sí, la oferta es efímera: aunque el nombre se debe al éxito de la frase “el ocio tiene mala prensa”, esta dupla no descansa, está siempre investigando y renovando stock.
“Procuramos que haya mucha circulación para poder traer cosas nuevas”, aseguran los impulsores de una maquinaria que no se detiene.
En Boulevard Sáenz Peña 1338. Vie. y sáb., de 14 a 20.
Tibuk
Hace ya ocho años que Tibuk abrió sus puertas y rápidamente se ganó un lugar entre los clásicos del Boulevard, al punto de ser premiado con el reconocimiento a la mejor propuesta gastronómica de Tigre.
La mítica esquina de Sáenz Peña y Albarellos ahora ofrece la cocina de Julián Tiberio.
Julián Tiberio es el chef detrás de esta propuesta de autor que recientemente se reubicó en la mítica esquina de Sáenz Peña y Albarellos. La carta sigue ofreciendo clásicos infalibles como la bondiola braseada o el pollo Tibuk (marinado estilo marroquí) que se pueden acompañar con una de las más de 20 etiquetas de la carta de vinos.
Boulevard Saenz Peña 1400. Miércoles a sábado de 09:00 a 00:00. Domingo de 09:00 a 19:00.
Compañía Nativa
Esta empresa familiar lleva más de dos décadas trayendo de Asia materia prima, muebles y objetos “con historia, con esencia y con calidad”, según describen los dueños de Compañía Nativa. Su inmenso local bastaría para hacer de éste un punto ineludible en nuestro recorrido, pero es la riqueza y amplitud de su propuesta lo que importa.
Todo un clásico del Puerto, Compañía Nativa
En los últimos años, sumaron bazar, cestería y textiles, ampliaron su oferta de macetas y lámparas (tienen una variedad que sólo se compara con un mercado asiático) y desarrollaron su línea de jabones y fragancias para el hogar.
En Sarmiento 130. Lun. a vie., de 10 a 18. Sáb. y dom., de 10 a 19.

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ARTE, HISTORIA Y PERSONALIDAD

Cómo será Pinta, la feria enfocada en lo latinoamericano
Más de 45 galerías de más de una docena de países de América y Europa participarán de la 18ª edición, en Coconut Grove
Victory Scene (2024), bordado de Nicole Mazza gentileza Crudo
Más de 45 galerías de más de una docena de países de América y Europa participarán de la 18ª edición de Pinta Miami, desde el jueves hasta el domingo próximos en The Hangar, en Coconut Grove.
Curada por Irene Gelfman, la única feria dedicada exclusivamente al arte ibero y latinoamericano durante la semana del arte de Miami incluirá las secciones Next, en la cual quince artistas emergentes serán presentados por Giuliana Vidarte; Radar, a cargo de Angélica Arbelaez, que resaltará diálogos en la producción de artistas contemporáneos y la principal, que con una selección de obras de más de un centenar de artistas latinoamericanos. Además, el proyecto especial Painting the Beings of The Forest, curado por Vidarte y Gelfman, se centrará en artistas contemporáneos de la comunidad Shipibo-konibo de la Amazonia peruana.
El Foro reunirá las voces de más de veinte reconocidos expertos en arte latinoamericano contemporáneo: artistas, curadores, investigadores, coleccionistas y representantes de instituciones culturales. El programa contará con presentaciones de publicaciones y proyecciones de cortometrajes que establecen conexiones entre la creación contemporánea y las tecnologías ancestrales, así como mesas redondas sobre gestión, coleccionismo, mercado del arte y diseño de interiores. Entre los oradores convocados se cuentan Ella Fontanals-Cisneros, María Sancho-Arroyo, Rafael Torres, Bernardo Montoya, Sofía Culzoni, Kaitlyn Carter, Andre Paul Croteu, Pablo Rodríguez Fraile, Luky Cancio, Giuliana Vidarte y Thelma Lazo-Flores.
Con el apoyo de EFG Wealth Management, Pinta Miami forma parte de una plataforma líder para promover el arte latinoamericano. Impulsada por Diego Costa Peuser, incluye además las ferias Pinta BAphoto y Pinta Lima; la editorial Arte al Día, fundada en 1980, e iniciativas como las Semanas del Arte Pinta en distintos países de la región.

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Mitre y la Justicia
Roberto Azaretto

“B usqué a los hombres que en la Corte Suprema fueran un contralor imparcial e insospechado de las demasías de los otros poderes del Estado y que, viniendo de la oposición, dieran a los conciudadanos la mayor seguridad de la amplia protección de sus derechos y la garantía de una absoluta y total independencia del alto tribunal… De hoy en adelante la propiedad particular, la seguridad individual, los derechos todos que la Constitución acuerda a los habitantes de la república, sin distinción alguna, colocados al abrigo de un poder moderador, estarán garantidos contra las invasiones a las que la exaltación de las pasiones políticas tan fácilmente pueden conducir a los poderes públicos induciéndolos a ultrapasar el límite de sus atribuciones respectivas”. Con esas palabras, Bartolomé Mitre explicó las designaciones que propició y el Senado aprobó para integrar la primera Corte Suprema de Justicia de la Nación.
Asume Mitre la presidencia de la Nación el 12 de octubre de 1862 y de inmediato inicia la formación del Poder Judicial de la república, obteniendo del Congreso a los pocos días la aprobación de la ley 27. El 14 de septiembre de 1863, el Congreso aprueba otras tres leyes que termina de organizar la Justicia Federal: la 48, sobre organización y competencia de los tribunales federales; la 49, sobre los delitos federales, y la 50, sobre los procedimientos ante los tribunales federales. Él solo contaba con unos 450 abogados, más de la mitad radicados en la provincia de Buenos Aires. Una parte de los abogados de las provincias no habían completado sus estudios, pero se les había otorgado licencia para ejercer esa profesión.
Esa carencia de abogados, junto a los problemas fiscales de la Confederación de las 13 provincias, impidió al presidente Urquiza poner en funciones a la Corte Suprema, a pesar de haber sido designada y organizar la Justicia Federal, que fue creada por la ley 182 sancionada en 1858 por el Congreso de Paraná. El miembro informante Diego de Alvear afirmaba “que la influencia benéfica del Poder Judicial en Norteamérica estaba fuera de discusión toda vez que se encontraba respaldada por setenta años eminentemente celoso de sus franquicias y el más conocedor de sus derechos entre los antiguos y modernos...”.
También la Comisión del Estado de Buenos Aires Examinadora de la Constitución Federal, que preparó los cambios que se incorporaron a la Constitución de 1853 en 1860, como consecuencia del Pacto de San José de Flores, expresamente reconoció su inspiración en la organización del Poder Judicial en Estados Unidos. Por eso, algunos tratadistas señalan que de las instituciones tomadas de la organización institucional del país del norte ninguna arraigó tanto en nuestro sistema institucional como la relacionada con la Justicia.
Mitre propuso para la Corte a Valentín Alsina, que no asumirá, para permanecer en el Senado. El primer presidente será Francisco de las Carreras, nacido en Buenos Aires, legislador, ministro en la provincia, constituyente en 1860. Agustín Delgado, mendocino, diputado en el Congreso que sancionó la Constitución de 1826 y la de 1853. Salvador María del Carril, sanjuanino, gobernador de San Juan en 1825, ministro de Rivadavia, vicepresidente de Urquiza; José Barros Pazos, nacido en Córdoba, tuvo que exiliarse en Chile durante el gobierno de Rosas, en el que fue obligado a vender su quinta de Palermo al gobernador. Después de Caseros integró el tribunal que juzgó en ausencia a Rosas, fue jefe del departamento de escuelas del Estado de Buenos Aires, rector de la UBA, constituyente en 1860. En junio de 1865 ingresa para completarla José Benjamín Gorostiaga, nacido en Santiago del Estero, cuya familia emigró con el retorno de Felipe Ibarra al gobierno de la provincia luego de la captura del general Paz. Quedó huérfano a los 10 años, por el asesinato de su padre cuando viajaban de Santiago a Buenos Aires. Constituyente en 1853, fue protagonista de la redacción de la Constitución. También participó en la Convención de 1860. Renunció en 1868 para ser ministro de Sarmiento y fue designado nuevamente en 1871. Gorostiaga influyó en la doctrina de la Corte en su rol de intérprete de la Constitución.
El gobierno del presidente Mitre, además de constituir la Corte Suprema, cumple con la ley 27 y organiza la justicia seccional o federal. Los fallos de los jueces federales eran apelados ante la Corte Suprema. Llama la atención que no se crearan cámaras de apelación cuando ya había iniciativas para establecerlas tanto en la Confederación como en el Estado de Buenos Aires. Probablemente la escasez de abogados con estudios universitarios haya influido en esa decisión. En la segunda presidencia del general Roca serán creadas en 1902, con la sanción de la ley 4055.
La formación de una Justicia Federal tiene consecuencias positivas en los conflictos civiles argentinos. Los sublevados con Felipe Varela en 1867 no fueron víctimas de degüellos, como era habitual en nuestras guerras civiles, sino que fueron procesados y condenados a diversas penas de prisión. Muestra la mejora de la calidad institucional entre el inicio de la presidencia de Mitre y su culminación, seis años después.
Al proponer a los integrantes de la Corte, Mitre aplicó los criterios que recomienda Jorge Vanossi: “El primer requisito o la principal condición para ser juez de la Corte Suprema es la conducta cívica; luego hace falta tener una gran probidad intelectual. Todo ello presupone el señorío antes que la profesionalidad, pues doctores hay muchos, pero señores son pocos…”.

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Sebreli, un argentino indomable
Jaime González Castaño
La hipérbole es un recurso frecuente, a veces inevitable, en un lugar que entierra particularmente bien como la Argentina. Sin embargo, resulta muy difícil abstraerse de la colosal pérdida que supuso para el país la muerte de Sebreli, acaso su pensador más importante del último medio siglo. Autor de una obra ingente, desconcertante y provocadora, a ratos visionaria; que tuve la suerte de conocer en mi juventud, porque sus libros podían encontrarse sin dificultad en Madrid. El asedio a la modernidad, Los deseos imaginarios del peronismo o Comediantes y mártires son piezas esenciales para comprender, si es que tal cosa es posible, la singularidad austral.
En 2022 yo vivía en Rosario y tuve la suerte de que mi amigo Marcelo Gioffré nos organizara un encuentro. Acababa de leer Desobediencia civil y libertad responsable, que me pareció un ensayo de una solidez apabullante, a contracorriente, marca de la casa. Siempre fui refractario a conocer a personas a las que admiro, porque el riesgo de decepción es enorme. Con Sebreli no pasó. Nos vimos un jueves de marzo en La Biela, sacarlo de allá era imposible. Yo andaba nervioso preparándome un parlamento sobre Kojève, el estructuralismo y qué sé yo para, si no impresionar al Maestro, al menos no matarlo de aburrimiento.
Uno suele preguntarse cuáles son los atributos del genio. Es seguro que cada uno de nosotros tiene su propia escala. En mi caso, por avatares de la vida y mi trabajo, he tenido la suerte de conocer a mucha gente muy interesante. Algunos me han causado una honda impresión. Dicho lo cual, genios (sacando a Paulo Futre) solo he conocido a dos: Juan José Sebreli y José Luis Garci.
Curiosamente, o quizá no tanto, ambos comparten una facultad sobresaliente: a pesar de su enorme prestigio profesional e intelectual, nunca perdieron la curiosidad.
Las veces que me junté con Sebreli en La Biela, que no fueron pocas después de aquel café fundacional, siempre, esto lo digo con cierto sonrojo, me tocó hablar a mí más que a él. Bajo ese aspecto vulnerable de profesor crepuscular, se escondían dos ojitos pequeños que querían saberlo todo, de las novedades políticas en España a la última película que había visto o lo que andaba leyendo; no había detalle que por nimio que pareciera considerara menor. Yo quería que me explicara su aversión al populismo, lo mala que era Silvina Ocampo o por qué cuarenta años de urbanismo y despersonalización habían herido de muerte a Buenos Aires. No hubo forma. En esto me recordó a Garci, que siempre me hace lo mismo: sólo pregunta.
Me enteré de su muerte en Teherán y la sentí profundamente. Su ausencia nos deja a muchos, en particular a su patria, un vacío inmenso. Como dice Dylan, la dignidad es siempre la primera en marcharse, y no es nada habitual ver a una misma persona aunar simultáneamente la rebeldía, la decencia y la brillantez intelectual.
Al final de Cinema Paradiso, el propietario del cine le da un consejo al oído al chico protagonista cuando está por abandonar el pueblo: “No cedas a la nostalgia”. No lo tengo ahora precisamente fácil para visitar la Argentina ni tampoco me gusta llevarle la contraria a Tornatore, pero en cuanto ponga un pie en Ezeiza voy a ir directo a Presidente Quintana frente al Gomero, sentarme en un costadito con la espalda pegada al ventanal y recordar que algunos de los mejores momentos de mi vida los pasé en ese lugar, trasegando un café espantoso, sentado a la mesa de un argentino indomable.

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LUIS FELIPE NOÉ, ARTE, RECORRIDOS Y LIBROS

Triple homenaje a Luis Felipe Noé, el artista que retrató la pandemia
Luis Felipe Noé y las tres galeristas que participan del homenaje: Clara Martínez, Mariana Povarché y Gachi Prieto 
"Es el desconcierto: un clima de no saber qué se viene", dice Luis Felipe Noé, con su rostro cubierto por un barbijo, al describir esas obras que realizó en los últimos meses y que a partir de hoy se exhiben al público en la galería Rubbers. "No asocio color con alegría -aclara-, sino con la intensidad de vivir, que es distinta y hasta puede ser dramática".
Y si hay algo que tuvo este año, fue intensidad. Sobre todo para "Yuyo", este artista de 87 años que a pesar de haber estado internado por coronavirus presentó un libro (mientras escribe otros); protagoniza Ménage à trois, un homenaje con muestras en tres galerías, y lanzará la semana próxima una fundación dedicada a su legado.
"Soy un vejete pero me siento joven. Está bueno que lo pueda ver en vida", comenta con su habitual sentido del humor, tras haber visto lo que pocos logran: desde su rol pionero en el grupo Nueva Figuración hasta la representación del país en la Bienal de Venecia, los premios Konex de Platino y Brillante, y decenas de muestras alojadas en varios de los principales museos del mundo.
Dos mil veinte, obra que ilustró en septiembre la tapa de un suplemento especial  sobre la pandemia, integra la muestra actual en Rubbers 
Desconcierto es lo que siente ahora al repasar sus obras recientes en Rubbers, donde expone cada año, que se presentan desde hoy al público con cita previa. Ocho de ellas pertenecen a la serie El virus reina, poblada de imágenes alusivas a la pandemia, palabra definida por Noé define como el "único acto de socialización universal". "Lo único que hoy está socializado en el mundo es una enfermedad", había dicho en septiembre que cuando una de esas pinturas ilustró la tapa de un suplemento especial dedicado a reflexionar sobre esta nueva era.
Como si esto fuera poco, otras dos muestras en las galerías Gachi Prieto, en Palermo, y Jacques Martínez, en San Isidro, completarán esta semana un homenaje inusual. Lo más parecido a este circuito en postas fue la muestra Perspectiva, de Jorge Macchi en 2016, que tuvo su eje en Malba pero abarcó también instalaciones en el Museo Nacional de Bellas Artes y en la Universidad Torcuato Di Tella.
"Es una oportunidad de hacer algo distinto, un gesto al sistema: mostrar cómo se puede cambiar de paradigma hacia una lógica de cooperación, para llegar a todo tipo de audiencias", dice Gachi Prieto, que presentará desde el jueves obras realizadas por Noé en la última década. En una muestra titulada, justamente, Apto para todo público.
Detalle de A cara tapada, una de las obras realizadas por Luis Felipe Noé durante la cuarentena 
"Ha pasado tanta agua bajo el puente. en los recientes años -observa en su texto curatorial el artista Andrés Waissman-. Se ha ponderado tanto y se ha derribado tanto, que casi ha sido y es una caricia para el protagonista del arte, poder ver desde el desconcierto y la contradicción, la propia producción y la de aquellos que han sorteado los temporales sin doblegarse, sin sumarse a los cantos de sirena".
La extensión de ese recorrido se hará aún más evidente desde el sábado próximo, cuando la galería Jacques Martínez inaugure la exposición titulada Porque pintó lo que pintó, dejó de pintar lo que no pintó y pinta ahora lo que pinta. Allí se reflejará su retorno a la pintura, en 1975, tras haber fundado el Bárbaro -bar que se convirtió en un símbolo la vanguardia artística y cultural- y un año antes de instalarse por más de una década en París con su mujer y sus dos hijos.

Esta última muestra incluye dibujos compilados en el libro En terapia (Rubbers, 2018), producto de aquellas sesiones con el psicoanalista Gilberto Simoes que le permitieron transformar en imágenes su dolor. Por ejemplo el que le provocó en 1971 la muerte de su gran amigo Jorge de la Vega, uno de los integrantes del grupo Nueva Figuración.
Vivir cotidiano, otra de las obras realizadas por Luis Felipe Noé durante la cuarentena
"Eran tiempos en los cuales muchos artistas habían dejado también de hacer obra plástica para comprometerse con lo político -recuerda Noé en aquel libro-. Sin tener el quehacer artístico y en crisis militante, asumí mi gran angustia y la necesidad de una terapia psicológica".

Por aquellos años Noé había iniciado otro libro que quedó en suspenso hasta su publicación, hace dos meses. El arte entre la tecnología y la rebelión: en torno al '68, editado por Argonauta, se sumó así a la larga lista de los que lleva publicados.

 Entre ellos, el célebre Antiestética (Van Riel, 1965) y Mi viaje. Cuaderno de bitácora (El Ateneo, 2015), autobiografía que pesa cinco kilos.

Ahora, mientras sigue escribiendo y planea "terminar algunos más", se dispone a presentar la semana próxima la Fundación Luis Felipe Noé, organización sin fines de lucro con sede en su casa de Monserrat. A través de proyectos de investigación, editoriales y educativos, su familia y sus asistentes se dedicarán a "la preservación, promoción y transmisión" del legado de "un artista que ha marcado la historia del arte latinoamericano con su pensamiento crítico".

Para agendar:
Dosmilveinte. El virus reina
Galería Rubbers
(Av. Alvear 1640, www.galeriarubbers.com)

Del 3 de noviembre al 31 de diciembre
Apto para todo público
Galería Gachi Prieto
(Uriarte 1373, www.gachiprieto.com)

Del 5 de noviembre al 8 de diciembre
Porque pintó lo que pintó, dejó de pintar lo que no pintó y pinta ahora lo que pinta
Galería Jacques Martínez
(Roque Sáenz Peña 267, San Isidro, www.galeriajacquesmartinez.com)

Del 7 de noviembre al 5 de diciembre
Activaciones en Instagram Live:
Viernes 13 de noviembre a las 17: Charla de Yuyo Noé con las tres galeristas
Viernes 20 de noviembre a las 17: Charla de Yuyo Noé con Andrés Waissman
Viernes 27 de noviembre a las 17: Charla de Yuyo Noé con Mercedes Casanegra

C. CH.

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ARTE, SOLEDAD Y AISLAMIENTO

Edward Hopper. ¿Por qué la obra del pintor nos habla tan de cerca en estos días?
Sus escenas de soledad y de aislamiento parecen instantáneas proféticas de nuestro presente
“Automat”: la noche y la cafetería vacía
MADRID.– Cuando vivía en Chicago, frecuentaba el Art Institute para admirar los cuadros de Edward Hopper, especialmente Nighthawks. Más tarde hacía lo mismo en Nueva York, en el Whitney; ambos museos cuentan con una excelente colección del pintor.
Recordé esas visitas cuando, en pleno confinamiento, las redes se llenaron de imágenes de Hopper. Me preguntaba: ¿por qué Hopper nos habla tan de cerca estos días?
Edward Hopper es pintor de la soledad. De la soledad y el aislamiento. En algunos idiomas hay dos palabras que se traducen al castellano como soledad. En inglés hay la pareja solitude-loneliness, significando la segunda una soledad triste, no buscada. La misma pareja lingüística se encuentra en checo: Smota-osamelost. Puede haber distintos puntos de vista, pero a mi entender Hopper pinta ambas soledades.
Nighthawks representa a cuatro personajes en un bar nocturno: un hombre y una mujer que no enfermos  pareja, sentados juntos, otro hombre más alejado en la barra, cada uno de ellos sumergido en su melancolía. Completa la imagen de la desolación el camarero, que lava las copas, y aunque contesta lo que le preguntan, su actitud muestra que no pierde el tiempo en habladurías: le urge que esos últimos clientes se marchen; en cambio ellos saben que si abandonan la ruidosa soledad del bar, su desolación no hará sino crecer.
Los personajes de Nighthawks son un ejemplo de soledad en su acepción de loneliness. También lo es Hotel Room: una mujer que lee, cansada, en una habitación de hotel, con las maletas aún sin deshacer, detalle que proporciona un aire de provisionalidad al espacio. La mujer en Automat está sentada de noche en una cafetería vacía; su zozobra es patente también debido al hecho de que la chica se ha quitado un solo guante.
Melancolía, desequilibrio, desasosiego: ese es el estado de ánimo que expresan muchos cuadros de Hopper. Sus pinturas son un excelente ejemplo del llamado espacio liminal. El término liminal deriva del latín: limen significa umbral, de modo que espacio liminal se refiere al espacio que está más allá de lo familiar. En los espacios liminales uno tiene la sensación de encontrarse fuera de órbita, en lo desconocido. Es un espacio-tiempo transicional que puede llegar a transformar a la gente. Los bares, aeropuertos, viajes en tren o avión y hospitales pueden ser ejemplos de espacios liminales que casi siempre son viajes en el tiempo. Al igual que lo es el sanatorio de Davos en el que Thomas Mann situó su novela La montaña mágica, donde los intentan curarse de la tuberculosis y mientras lo hacen se transforman.
Durante el confinamiento, contemplaba los cuadros de Hopper en la pantalla de mi ordenador y encontraba que se sitúan en espacios liminales. Me doy cuenta de ello con más agudeza tras la cuarentena que acabamos de pasar. Se trataba de un tránsito entre dos realidades: una conocida, la normalidad que dejamos atrás hace más de tres meses; la otra, ignorada, la que nos espera cuando se acabe el tiempo de nuestra soledad. En ese espacio liminal de recogimiento obligado, mientras los medios nos bombardean con mensajes sobre el mundo temible que encontraremos al salir del encierro, nos sentimos como los personajes de Hopper: solos y desasosegados por lo que nos aguarda.
En nuestro mundo inestable, que Zygmunt Bauman describió con lucidez como líquido, Hopper es el pintor que mejor expresa nuestra ansiosa soledad. Sus cuadros hoy resultan proféticos.

M. Z.

ARTE

El encierro creativo de Yayoi Kusama
Pintura de pared, esmalte, arena y cola sobre bolsas de semillas. Con esos materiales que tenía a mano en Japón hace siete décadas, en austeros tiempos de posguerra, Yayoi Kusama dio su primer salto creativo en una carrera que la convertiría en una de las artistas más famosas del mundo. A los 91 años tiene hoy su propio museo en Tokio y ocupó hasta hace poco el podio de las muestras más visitadas del Malba .
Los traumas de su infancia, cuando comenzó a producir infinidad de dibujos porque su madre los destruía, la llevaron a internarse en un psiquiátrico. Convertido en su hogar desde 1977, tras haber participado con osados happenings durante la revolución pop en Nueva York, inició allí un "encierro creativo" inspirador en estos tiempos de cuarentena . "Lucharemos contra este terrible monstruo", dijo desde allí días atrás, en un mensaje de unión global contra el coronavirus .
Yayoi Kusama, una de las artistas más famosas del mundo, difundió un mensjae de apoyo contra la pandemia del coronavirus
"Por medio del arte, he superado mi infelicidad", dijo en una entrevista con Philip Larratt-Smith en referencia al trastorno obsesivo-compulsivo que la llevaría a transformar su deseo de suicidio y el pánico al sexo y la comida en obras literarias, dibujos, pinturas, collages, instalaciones, videos e intervenciones en el espacio público.
Obsesión infinita se tituló la muestra que llenó de puntos en 2013 la superficie del Malba y hasta los árboles de la vereda. Una sala blanca, ambientada como el living de una casa, fue mutando en un espacio multicolor gracias a las calcomanías circulares pegadas por más de 200.000 personas.
Una de las instalaciones de Kusama que se volvieron virales en redes durante la muestra en Malba
"Los lunares son un camino al infinito -dice Kusama citada por Frances Morris, directora de la Tate, en el catálogo de la exposición-. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad y nos borramos en el amor".
Eso se siente al entrar en sus salas espejadas, como las que aloja en Miami el flamante Museo Rubell. El propio reflejo se multiplica sobre pelotas de espejos similares a las que ofreció en la Bienal de Venecia , en 1966, junto a un cartel que decía: "Tu narcisismo en venta". Ese atrevimiento le valió la expulsión de la bienal, donde representaría a su país casi tres décadas después.
La sala intervenida por el público en el Malba
Convertidos en una marca registrada que llegó a asociarse con Louis Vuitton , los puntos fueron aplicados sobre cuerpos desnudos, animales e incluso sobre el agua en los psicodélicos años sesenta, cuando celebró la primera boda homosexual. En su rol de sacerdotisa reemplazó entonces con sus lunares el contacto de las manos, hoy tan anhelado.

C. CH.

ARTE, ESTADÍSTICAS Y MUCHO DINERO

El enigma detrás del Van Gogh que salió de la Argentina
Según un informe de Indec, "El zuavo" fue exportado con un valor de 300 millones de dólares
El enigma se reveló. La pintura de Van Gogh exportada por un valor estimado en 300 millones de dólares que hizo disparar el rubro de arte y antigüedades en el informe del INDEC para noviembre de 2019 se llama El zuavo y, pese al hermetismo total alrededor de esta pieza, se pudo determinar en base al cruce de datos fehacientes del coleccionismo argentino que estuvo en la colección Blaquier desde los años 70.
Durante el breve y tormentoso período en el que trabajó junto a Gauguin en el sur de Francia, Vincent Van Gogh pintó al soldado Milliet, tropa del regimiento de infantería al que se conocía como zuavo desde 1830. La pintura, óleo sobre tela de 80,6 por 64,8 cm, está fechada en 1888. Para mediados de los '60 pertenecía a la notoria colección de Albert D. Lasker, un publicista texano devenido filántropo, y llegó a Buenos Aires en 1968 como parte de la muestra "De Cezanne a Miró" que patrocinaba el MoMA de New York. Días atrás, se difundió un informe del INDEC que ponía al rubro "Pinturas y dibujos, hechos totalmente a mano" al tope de las exportaciones en el mes de noviembre de 2019 con una facturación insólita de 484.202.497 dólares. Se supo entonces que semejante cifra surgía de la exportación de dos Nymphéas de Monet (unos 100 millones de dólares) y de un Van Gogh en 300 millones a Luxemburgo y Estados Unidos. Una fuente inobjetable relacionada con el coleccionismo argentino reveló que el misterioso Van Gogh era el mismo que se había exhibido en Bellas Artes en el 68 y aportó también varias pistas para llegar a determinar la procedencia de la obra. El Van Gogh, uno de los muy pocos que han estado en colecciones argentinas durante el siglo XX, integraba un conjunto que sobresalía por sus dos mil piezas de platería francesa.
En el segundo volumen del libro Coleccionismo de Arte en Buenos Aires 1924-1942, el historiador Marcelo Pacheco (ex director del Malba) repasa la peripecia de Sarah Wilkinson y José Santamarina, un romance objetado con una rica colección detrás. En la página 257 cuenta: "En Wilkinson-Santamarina el mayor interés circuló en las elecciones del mobiliario, la tapicería, el arte oriental y la platería francesa del XVII. Varias piezas elegidas por Sarah Wilkinson, pasaron luego a formar parte de la colección de Nelly Arrieta de Blaquier que armó, desde los años 50, uno de los conjuntos más importantes de platería francesa del 700, que hay en el mundo". Esta misma fuente agregó que El zuavo pertenecía a una familia muy tradicional por ambas partes con cinco herederos. Todo llevaba a la valiosa colección Blaquier que, formada entre los años 60 y 70, ha permanecido cerrada por casi cinco décadas. La exportación no significa necesariamente su venta en el mercado privado, pero tampoco puede asegurarse que al día de hoy siga teniendo el mismo dueño.
Según esta misma fuente, la tasación de ese Van Gogh no es en absoluto exagerada. "Es una obra muy valiosa, en términos simbólicos podría decirse que está apenas por debajo de Los Girasoles". Hay dos versiones de El zuavo, pero la que fue exportada desde Buenos Aires es la más valiosa. La otra es una acuarela (también pintada en Arlés en 1888) que lleva el mismo nombre y forma parte de la colección del Metropolitan Museum de la Gran Manzana. Tras su exhibición en la muestra "De Cezanne a Miró" (que itineró por New York, Santiago de Chile y Caracas), El zuavo pasó al mercado internacional y en los primeros 70 habría sido adquirido para los Blaquier a través de los oficios de una galería inglesa que abastecía de impresionismo y pos impresionismo a la colección argentina formada por Carlos Pedro Blaquier, Nelly Arrieta y sus cinco hijos.Se  contactó a Claudio Stamato, secretario personal de Carlos Pedro Blaquier, para conocer la versión de la familia, pero solo pudo dar certezas sobre la sección latinoamericana de la colección donde "no hubo ningún cambio". De la parte internacional manifestó no tener conocimiento y dijo que es manejada bajo un estricto protocolo familiar. Ignacio Duelo, encargado de la comunicación de la empresa Ledesma, se excusó por desconocer el caso. Al cierre de esta edición,No se no consiguió acceder directamente al testimonio de los herederos.
El paso por el Bellas Artes
El zuavo se reproduce en blanco y negro en la página 14 del catálogo de la muestra "De Cezanne a Miró", disponible en la biblioteca del Museo de Bellas Artes. Allí, el "director de la exhibición" (hoy diríamos curador) Monroe Wheeler citaba a Van Gogh, que quería pintar "hombres y mujeres con ese algo de lo eterno que simbolizó una vez la aureola y que nosotros tratamos de lograr con la sola iridiscencia y vibración de nuestro colorido". La obra de Van Gogh se exhibió aquí entre cincuenta piezas calidad museo que formaban parte de la colección del MoMA, el Guggenheim y colecciones privadas como las de Nelson Rockefeller, Lasker, Samuel Marx y los Burton.
Pintado en 1888, el cuadro se vio en la Argentina en la década de 1960
La lista de obras y artistas quita el aliento: un dream team del impresionismo y pos impresionismo francés, cinco Picasso, Malevich, Mondrian, De Chirico, Magritte, Modigliani y un inabarcable etcétera. "De Cezanne a Miró" fue lo que se dice un blockbuster, tal como lo indica una noticia breve publicada en este diario el 5 de junio de 1968, donde se anuncia que, en el día de cierre de la muestra, Bellas Artes permanecería abierto hasta la medianoche
Van Gogh se vio en Buenos Aires por primera vez en una muestra de la galería Georges Petit de París, que se hizo en Witcomb a principios del siglo XX. Luego, en 1926, en la Asociación Amigos del Arte, en el marco de una muestra de impresionismo. En 1934, Bellas Artes adquirió Le Moulin de la Galette a través de la galería Müller. En su trabajo, Marcelo Pacheco señala que hubo muy pocos en las colecciones tradicionales argentinas. Los Santamarina, por caso, incorporaron uno en la década del 30.
En su momento, el mismo Van Gogh consideró a la obra El zuavo como "fea y poco exitosa". Ahora, este retrato del soldado movió la aguja para que el rubro artes y antigüedades supere en facturación a otros más usuales como maíz en grano, porotos de soja, carne bovina y aceite de soja en bruto. Se sabe, el arte es alimento espiritual.
Récords de subastas
El precio de El zuavo no surgió de una subasta pública sino de su valor de exportación. Para darse una idea de la cotización de este tipo de obras vale repasar los precios más altos surgidos en subastas públicas. La pintura más cara, Salvator Mundi, de Leonardo Da Vinci, salió en 450 millones de dólares y tiene el récord histórico en un remate de arte. En el top five también están Las damas de Argel, de Picasso (179 millones), dos Modiglianis (de 170 y 157 millones) y Tres estudios de Lucian Freud, de Bacon (142 millones). Con Giacometti, Munch, Picasso, Monet y Basquiat sigue la lista.

F. G.

ESPACIO SANTOS DUMONT, ARTE,

Espacio Santos Dumont

Arte y Filosofía

La vida secreta de las obras

Artistas de los siglos XIX, XX y XXI

A cargo de Gabriela Francone

En este curso dedicamos dos clases a diferentes épocas de la historia del arte. Durante este año veremos a Miró, Picasso, Uccello, Damien Hirst, Chagall, Guerrilla Girls, entre otros.
Como en los documentales de Film&Arts, "La vida secreta de las obras", en estas clases nos dedicamos a abordar las siguientes preguntas: ¿qué ha llevado a que esta imágenes sean tan populares? ¿cómo fue que llegaron a existir? ¿cómo fueron encargadas e ideadas?
Examinamos cada trabajo desde su concepción hasta su forma final, su recepción por el público de la época y su influencia sobre otros artistas.

Duración: cuatrimestral
Horario: miércoles de 17 a 19 hs.
Comienzo: miércoles 20 de marzo
Arancel: $ 1700 (cada 4 encuentros)

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Gabriela Francone

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www.gabrielafrancone.com.ar

15-3661-1848

Germán Rúa

germanrua@hotmail.com

15-6356-1346

ARTE, VEJEZ Y DOLOR

Arte y pulsión vital: cuando el pincel consuela de la vejez y del dolor
"Yuyo". Pide tres años más
Tres maestros argentinos -Carlos Alonso, que inaugura el 12 una muestra en el Bellas Artes, Julio Le Parc y Yuyo Noé- explican cómo la pintura los salva de la angustia de la finitud
¿Puede el arte convertirse en un aliado para mantener a raya el dolor y la muerte? Más aún: ¿qué relación existe entre el proceso creativo y la vida? Una serie de casos y testimonios confirman el vínculo entre estas variables: la singular capacidad del arte para activar y potenciar la pulsión vital.
Si bien Francisco de Goya trabajó como pintor de cámara del Rey por más de medio siglo, fue en sus trabajos personales donde dejó una marca indeleble y crítica sobre el clero, los militares, el abuso de poder y la guerra. En la Quinta de Sordo, en las afueras de Madrid, Goya encontró alivio de la opresión fernandina. En ese sitio recoleto, desplegó su más pura cepa sin temerle al inquisidor fiscal del Santo Oficio, que ya había retirado de circulación la primera edición de los Caprichos. Enfermo y golpeado por las frecuentes convulsiones y la sordera, Goya se refugió en el arte, logró formar una pareja y tuvo una hija. En medio de fuertes crisis anímicas, pintó en los muros de esa casa las Pinturas negras, una de sus obras más impresionantes. En este submundo desolador, con Dos viejos comiendo, Dos mujeres y un hombre, y Duelo a garrotazos alude a la disgregación social y a la injusticia. La imagen de Saturno devorando a su hijo, en este caso ya hombre, se aleja del mito clásico y deviene símbolo de maldad.
Tras una infancia violenta, Alicia Penalba (San Pedro, Argentina, 1913 - París, Francia, 1982) también resurgió con el arte como aliado. De chica soportó un padre hiperviolento, la muerte de uno de sus hermanos, el suicidio de su hermana de 17 años y también el de su hermano, que se inmoló.
Viajó a París, dejó atrás su primer apellido (Pérez) y se hizo llamar Alicia Penalba; nunca más habló en español y se alejó de su marido. Abandonó la pintura para convertirse en una de las primeras mujeres en hacer obra escultórica monumental y alcanzar un lugar destacado en el siglo XX.
Alonso. Cree que la pintura "acelera el ser"
Sus obras integran, entre muchas otras colecciones, la del Centro Pompidou, el Museo de Brooklyn y el Museo Hakone de Japón. Aquí en la Argentina, tienen obra suya Colección Fortabat, el Malba, el MNBA, Fundación Klemm y el Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.
A los 90 años, Carlos Alonso está ajustando los detalles de su próxima muestra en el MNBA. Organizada en cuatro ejes -los maestros, la realidad social, la historia del arte y las obras inéditas-, "Carlos Alonso. Retrospectiva" inaugura el 12 de abril, junto con la reapertura del museo. Gracias al apoyo de la Asociación de Amigos, nuestro mayor museo contará con nuevas salas dedicadas al arte precolombino y colonial, así como con una ampliación de las salas de arte argentino del siglo XIX. Tendrá fachada remozada, nueva circulación en la planta baja (para que los visitantes recorran el museo de modo más ágil), y una gran tienda con salida a la calle.
"La pintura, en mi caso -dice Alonso- actúa como un acelerador de mi ser. Con la pintura entendí el valor del trabajo con ahínco, querido. Fui descubriendo la relación secreta entre la materia y la emoción: cómo se entrelazan y complementan. Cómo las ideas encuentran su forma y su espacio, y cómo los colores su temperatura".
En su caso, cuenta, la desaparición de Paloma (detenida desaparecida en 1977, a los 21 años) lo dejó paralizado durante más de seis años. "No quería transformar mi dolor en algo estético o cultural. La pérdida de mi hija era un dolor que tenía que tener una salida diferente. Me di cuenta de que dibujar era la única herramienta que tenía para quedar un poco afuera del dolor: hacer los 47 dibujos que integran Manos anónimas me dio fuerzas", dice.
"El día en que se inauguró el Museo Evita-Palacio Ferreyra (Córdoba), donde está expuesta la serie, sentí que había cumplido un sueño gracias al dibujo: pude dejar testimonio de nuestro dolor y de la ferocidad asesina del proceso militar".
Maestro del arte cinético y lumínico, Julio Le Parc, que el año pasado festejó sus 90 años, dice, desde París, "Trabajar me hace mantener cierto optimismo y tranquilidad. Me absorbe de una manera positiva, reduce los problemas y preocupaciones que puedo tener en mi vida, todo se va acomodando alrededor: desde una cuestión práctica como pagar un impuesto hasta un tema personal, un pesar".
Y agrega: "La muerte de un amigo, que provoca una gran tristeza, o situaciones parecidas pueden ser contrarrestadas con el trabajo".
Le Parc. A los 90, el trabajo le da "optimismo"
Le Parc tendrá una gran muestra antológica en el CCK (julio) del estilo de las que se realizaron sobre su obra en el Palais de Tokio o en el Pérez Art Museum Miami (PAMM). En el MNBA presentará Le Parc. Transición Buenos Aires- París 1954-1959 (a mediados de agosto), que incluye sus primeras cajas de luz, que solo se mostraron en Le Parc Lumière (en Casa Daros, Río de Janeiro), y 150 gouaches.
Yamil Le Parc, al frente de todos los proyectos de su padre, adelanta que estas muestras luego viajarán al Museo de Arte Moderno de Río, al Museo Nacional de Brasilia y al Museo de Porto Alegre.
"Yo voy a cumplir 86, soy el más pibe de los tres", dice con tono risueño Luis Felipe "Yuyo" Noé, que, durante las vacaciones, pasó tres meses en París y viajó a Colmar, a Lisboa y Suiza.
Noé está terminando varios proyectos de escritura (uno de ellos se publicará a fin de año). Trabaja también en un diccionario de definiciones que se llamará, por sugerencia de Eduardo Stupía, Abrapalabra. En abril tiene dos muestras en Rosario: "Luis Felipe Noé -Vicente Zito Lema Memoria del presente 1976- 2019", en el Espacio Multicultural de la Mutual del Personal, y "Noé Mirada prospectiva", en el Museo Castagnino. En la galería porteña Rubbers hará una exposición de dibujos.
Cuando comenzamos, Noé cita a Spinoza: "El hombre libre en nada piensa menos que en la muerte, su sabiduría es una meditación no de la muerte sino de la vida". Y aclarará: "La muerte está ahí. Y en realidad la muerte forma parte de la vida".
Su postura va en sintonía con el planteo del filósofo alemán George Simmel. Cada paso en la vida, sostiene Simmel, es un acercamiento temporal a la muerte, pero, paradójicamente, todo lo que hacemos es para evitar ese momento. "La muerte -dirá Simmel- aparece a la mayoría de los hombres como una oscura profecía que pende sobre su vida, pero que, sin embargo, tendrá algo que ver con la vida por vez primera en el instante de su realización".
"Yo no le tengo miedo a la muerte, al contrario, quizás me produce cierta curiosidad: al final es la gran pregunta -considera Noé-. Pero a mí me parece que mientras se viva, se tiene que vivir: en el sentido de que tenés que llenarte de proyectos, de desafíos, estar siempre con la misma actitud de interrogarte sobre el mundo. Mientras viva, creo que eso es fundamental. Por eso la producción artística es muy adecuada".
Y continúa: "Si estás en el proceso creativo no tenés que parar: a mí pintar y dibujar me da siempre un gran placer y un descanso. Voy a cumplir 86. Yo me doy 3 años más; desearía 3 años más para poder concretar cosas. Creo que 3 años más es posible".

M. O.