“𝐌𝐞𝐟𝐢𝐬𝐭𝐨́𝐟𝐞𝐥𝐞𝐬”..8 DEL 12 A LAS 18 ,13 DEL 12 A LAS 20:30, 𝐓𝐞𝐚𝐭𝐫𝐨 𝐋𝐮𝐳 𝐲 𝐅𝐮𝐞𝐫𝐳𝐚 - 𝐏𝐞𝐫𝐮́ 𝟖𝟐𝟑 (𝐒𝐚𝐧 𝐓𝐞𝐥𝐦𝐨)

La 𝐂𝐨𝐦𝐩𝐚𝐧̃𝐢́𝐚 𝐀𝐫𝐭𝐢́𝐬𝐭𝐢𝐜𝐚 𝐂𝐥𝐚́𝐬𝐢𝐜𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐒𝐮𝐫, declarada “𝐃𝐞 𝐈𝐧𝐭𝐞𝐫𝐞́𝐬 𝐂𝐮𝐥𝐭𝐮𝐫𝐚𝐥” por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, cierra su temporada 2024 con 𝐌𝐞𝐟𝐢𝐬𝐭𝐨́𝐟𝐞𝐥𝐞𝐬, una de las óperas que con mayor fidelidad y audacia abordan la leyenda de Fausto, en versión de concierto, y anuncia los títulos de su 𝐓𝐞𝐦𝐩𝐨𝐫𝐚𝐝𝐚 𝟐𝟎𝟐𝟓, para ir agendando.

“𝐌𝐞𝐟𝐢𝐬𝐭𝐨́𝐟𝐞𝐥𝐞𝐬”
(𝐀𝐫𝐫𝐢𝐠𝐨 𝐁𝐨𝐢𝐭𝐨)
VERSIÓN CONCIERTO
𝟐 𝐔́𝐍𝐈𝐂𝐀𝐒 𝐅𝐔𝐍𝐂𝐈𝐎𝐍𝐄𝐒
8 de diciembre a las 18
13 de diciembre a las 20:30
𝐓𝐞𝐚𝐭𝐫𝐨 𝐋𝐮𝐳 𝐲 𝐅𝐮𝐞𝐫𝐳𝐚 - 𝐏𝐞𝐫𝐮́ 𝟖𝟐𝟑 (𝐒𝐚𝐧 𝐓𝐞𝐥𝐦𝐨)
Entradas anticipadas hasta 24 hs. antes a $15.000.-, a través de WhatsApp +54 9 11 6429-1853 o en el Teatro a $18.000.-, en la previa de cada función
𝐅𝐈𝐂𝐇𝐀 𝐓𝐄́𝐂𝐍𝐈𝐂𝐀
Dirección Musical: César Tello
Producción General: Juan Carlos Montamat
𝐌𝐞𝐟𝐢𝐬𝐭𝐨́𝐟𝐞𝐥𝐞𝐬
Bruno Sciaini (8/12)
Esteban Hildebrand (13/12)
𝐅𝐚𝐮𝐬𝐭𝐨
Nicolás Sánchez
𝐌𝐚𝐫𝐠𝐚𝐫𝐢𝐭𝐚
Eugenia Coronel Bugnon (8/12)
Margarita Kobysheva (13/12)
𝐌𝐚𝐫𝐭𝐚
Mónica Koggionis
𝐖𝐚𝐠𝐧𝐞𝐫
Miguel Alberto Balea (13/12)
Gonzalo Mena (8/12)
𝐂𝐨𝐫𝐨 𝐲 𝐎𝐫𝐪𝐮𝐞𝐬𝐭𝐚 𝐄𝐬𝐭𝐚𝐛𝐥𝐞 𝐝𝐞 𝐂𝐥𝐚́𝐬𝐢𝐜𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐒𝐮𝐫
Director: Maestro César Tello
𝐂𝐨𝐫𝐨 𝐝𝐞 𝐍𝐢𝐧̃𝐨𝐬 𝐝𝐞 𝐂𝐥𝐚́𝐬𝐢𝐜𝐚 𝐝𝐞𝐥 𝐒𝐮𝐫
Directora: Maestra Natalia Vivas
𝐁𝐚𝐧𝐝𝐚 𝐒𝐢𝐧𝐟𝐨́𝐧𝐢𝐜𝐚 𝐝𝐞 𝐆𝐞𝐧𝐝𝐚𝐫𝐦𝐞𝐫𝐢́𝐚 𝐍𝐚𝐜𝐢𝐨𝐧𝐚𝐥
Director Titular: Segundo Comandante Lic. Fabián Antonio Di Mattia
Director Asistente: Alférez Lic. Sebastián Quiroga
[Clásica del Sur - Compañía Artística]

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José Luis Espert dijo que en 2025 habrá números mejores y pidió una transformación en PBA: “Kicillof es un deforestado mental” Y Yakinilo esquina del Mercado de Pulgas

José Luis Espert dijo que en 2025 habrá números mejores que este año y pidió una transformación en PBA: “Kicillof es un deforestado mental”
El diputado afirmó que la recesión “ya terminó” y aseguró que el objetivo del oficialismo nacional es “sacar al kirchnerismo” de la provincia de Buenos Aires
Espert tildó a Axel Kicillof de "deforestado mental"
En línea con el discurso que brindó el presidente Javier Milei el jueves en la Cámara de Comercio, el diputado de La Libertad Avanza (LLA) José Luis Espert replicó las declaraciones del titular del Poder Ejecutivo y celebró el “final de la recesión”. Además, no solo afirmó que el próximo año habrá números mejores que en 2024 durante los 12 meses, sino que pidió que se apliquen medidas en la provincia de Buenos Aires, gobernada por Axel Kicillof.
“La recesión ya terminó, se tocó fondo y a partir del año que viene vamos a estar por arriba de 2024 los 12 meses”, expresó el parlamentario en una entrevista con José del Río por la pantalla de LN+. “Hay una luz de esperanza, las cosas que se están haciendo son las que se hacen en los países donde la gente vive bien”, agregó.
En tanto, ejemplificó la gestión de gobierno con una situación coyuntural: el conflicto con gremios aeronáuticos. “Acá hay mafias que arman fondos fiduciarios y empresas estatales para hacer negocios y donde la prestación de servicios es secundaria. Lo que le hicieron a la gente a la que debemos servirle es una cosa inaudita. No ocurre en ningún lugar del mundo”, sostuvo y advirtió que Milei “no permitirá que se perjudique a los ciudadanos”.
El excandidato presidencial dijo que la única pretensión del Presidente es que el presupuesto 2025 respete el déficit cero y sostuvo que estas medidas llevarán a mejoras en el país. De esta manera, desarrolló: “Pinta un muy buen año económicamente. Ya empezó a crecer, todos los meses del año que viene vamos a poder decir que está creciendo con una economía más baja”.
Espert se refirió también al concepto de “soberanía” y señaló que la población “ha salido del termo”. “Se trata de ser feliz en el país donde vivís, tener un salario digno, seguridad social, salud, educación, que no les laves el cerebro, que salgas y no corras riesgo de perder la vida”.
También aseguró que el punto de la discusión es garantizar un servicio favorable a los ciudadanos: “No importa si la aerolínea es uruguaya u holandesa, si la gente no se lleva ni una hélice. Lo que importa es que se viva bien y que el Estado se dedique a lo que tiene que hacer para vivir bien”.
En esta línea, festejó las estadísticas económicas y apuntó al gobernador bonaerense, a quien tildo de “deforestado mental” y un protector de Fernando Espinoza, intendente de La Matanza. “Es necesario que esta transformación llegue a la PBA, hay que ganarla para poder sacar al kirchnerismo del poder en el 2027″, indicó el diputado.
Por otra parte, Espert cuestionó la carga impositiva que rige en la Provincia -y en cada municipio- y consideró que no se debería abonar tanto. “¿Por qué se cobran tasas municipales en la provincia? Si ya pagan impuestos a nivel nacional. ¿No le alcanza a las provincias la plata que viene de los impuestos nacionales? Hay que poner esto sobre la mesa”, manifestó.
Por último, habló sobre la victoria de Donald Trump ante Kamala Harris por la presidencia de los Estados Unidos y analizó que el resultado es favorable ya que el republicano “está jugando a favor de Argentina”. También sumó que el presidente electo se siente muy a gusto con personas como Mauricio Macri y Milei

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Se llama Yakinilo y tiene una carta con sushi y yakitori, una brochette de pollo que se come en el país asiático. Su propuesta evoca el espíritu de los izakaya, los bares japoneses para relajarse después del trabajo.
Diego Jemio
En la esquina del Mercado de Pulgas, en el límite entre Palermo y Chacarita, hay un pequeño restaurante -muy pequeño- que en su entrada tiene un sobrio cartel blanco. En un extremo del letrero hay un gran punto rojo y en tipografía japonesa dice Yakinilo.
Los yakitori (brochette de pollo a la parrila) son la estrella de la casa: hay 12 variedades.
Adentro, no hay mesas: sólo una barra con banquetas y lugar para 12 comensales. En una bandeja suena un vinilo de jazz. Afuera, la calle es tranquila, todavía de casas bajas. Quizá por poco tiempo. José Delgado, chef del restaurante thai y vietnamita Cang Tin, hizo dos viajes al Japón. Y al poco tiempo de regresar encontró este local.
Pensó que los planetas se alinearon y decidió montar este pequeño local al estilo izakaya, esos restaurantes informales donde van los japoneses después de sus jornadas de trabajo. El menú está basado en sushi y yakitori, una brochette de pollo al estilo japonés, con ingredientes locales e importados selectos. La unión de las palabras yakitori y vinilo dio origen al nombre del lugar.
El pequeño local se encuentra en la esquina del Mercado de Pulgas, en el límite entre Palermo y Chacarita
“La idea surgió después de buscar y buscar nuevos emprendimientos con un par de amigos. Tomé el descubrimiento del local y mis viajes a Japón como una señal. Es el espacio ideal para armar uno de esos ‘sucuchitos’ de los que soy fan. La comida japonesa -una cocina muy noble- es algo poco explotado en Buenos Aires”, cuenta José Delgado, chef y uno de los socios de Yakinilo.
Para Delgado, los yakitoris son lo que más identifica a la propuesta. Dice que quieren convertirse en “especialistas” en la ciudad, aunque al sushi “lo cuidamos muy bien como un gran complemento”. “Creo que mi yakitori favorito es el Tsukune. Es una albóndiga de pollo, que hacemos con pata-muslo y usamos el cartílago; lleva tare (salsa dulce tradicional japonesa) y yema de huevo curada”, dice sobre una de sus creaciones. La carta tiene otros yakitoris con jenjibre, aceite de verdeo y shiso, que se la conoce como la “albahaca japonesa”. También hay sopa de miso elaborada de manera casera con trozos de pesca del día, ostras frescas de Bahía Blanca y una selección de sushi, elaborado con chernia, besugo, lisa y anchoa de banco.
El sushi es otro punto fuerte del menú, pero no el principal.
Sobre los ingredientes japoneses, Delgado cuenta que tiene “una colección importante de sakes”. “También traigo las pimientas japonesa sansho y otra sichuan, con un toque alimonado; lo mismo con las mayonesas y un par de aceites de allá, además de algunos picantes”, detalla.
A la noche, por sus dimensiones, Yakinilo sugiere que se realicen reservas en tres turnos. Los comensales son pocos y, en la noche, surge la conversación de una punta a otra de la mesa, algo que le fascina a Delgado. “La gente se integra y a mi me encanta. Se creó un ambiente lindo y agradable, en el que la gente se siente cómoda. La idea es que sea chiquito y la atención siempre personalizada. Por ahora no le encuentro nada malo al lugar reducido. Quizá sólo una cosa: si fuera más grande, podríamos facturar más”, se ríe.
Kaisen Donburi: bowl de arroz con pesca fresca y misoshiru
La música está omnipresente en Yakinilo. No sólo en el nombre del restaurante, sino también en el pequeño salón, con la bandeja de vinilos sonando como protagonistas y no sólo como telón de fondo. “Cuando vengas, vas a escuchar mi colección personal de vinilos. Para mí la música es importante a la hora de comer porque crea un ambiente. Tengo una colección que se va agrandando con el tiempo. Quizá apunto más al jazz y al rhythm and blues, también hay rap y poco de rock; más rock del viejo, como Pink Floyd y The Doors”, dice sobre su selección musical.
Delgado cuenta que ve series sobre la escena gastronómica de Japón y que disfrutó mucho de sus viajes al país asiático. Y decidió, finalmente, abrir un restaurante inspirado en ese país. “Me fascinaron muchas cosas: el orden cívico, la forma de comportarse, la educación… En cuanto a la gastronomía, es algo muy sorprendente. ¡Es muy difícil encontrar algo malo! Donde sea que camines y te metas en un lugar, vas a encontrar un cuidado del producto muy alto, que hace que casi todo salga muy bien. Tienen estándares más elevados que los demás a la hora de cuidar la comida”, relata.
Dos versiones de yakitori.

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ANIVERSARIO Y LECTURAS (Antoine de Saint-Exupéry,)

A 80 años de la muerte de Antoine de Saint-Exupéry, creador de un ícono global
aniversario. En julio de 1944, el avión piloteado por el autor de El Principito desapareció en el sur de Francia; su relación con la Argentina y el relato que anticipó la tragedia aérea

Daniel GigenaEl avión de Saint-Exupéry desapareció en 1944 y por cinco décadas no hubo pistas BBC Mundo
Creador de un ícono global con El Principito (como se pudo comprobar en la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos en París, donde se vio al joven príncipe acompañado por su amigo el zorro), Antoine de Saint-Exupéry (1900-1944) fue, además de aristócrata francés, escritor, aviador y representante de una empresa aérea internacional en la Argentina, cronista y héroe de guerra en la Segunda Guerra Mundial.
Hoy se conmemoran 80 años de su desaparición a bordo de un Lightning P-38 durante una misión de reconocimiento de una base aérea en Córcega, de la que jamás volvió y que su conmovedor relato de 1930, Vuelo nocturno, acaso había prefigurado. Tenía 44 años. Su cuerpo fue hallado varios días después al este del archipiélago Frioul, al sur de Marsella.
A lo largo de los quince meses en los que residió en la Argentina, entre 1929 y 1931, además de trabajar para la empresa Aeroposta, filial de la Générale Aéropostale de Francia, Saint-Exupéry conoció a quien sería su esposa, la escritora, artista, millonaria y joven viuda salvadoreña Consuelo Suncín de Sandoval, para algunos intérpretes de El Principito, la “rosa” especial del jardín del seductor escritor francés. También recibió las insignias de caballero de la Legión de Honor y publicó Vuelo nocturno, donde se relata el viaje fatal de un piloto francés por la Patagonia.
A finales de 1929, Saint-Exupéry tuvo que aterrizar de emergencia en las afueras de Concordia, en Entre Ríos. El aviador y escritor fue rescatado por dos niñas, Suzanne y Edna Fuchs, de la familia FuchsValon, y trasladado al palacio San Carlos. Este encuentro imprevisto fue abordado por Nicolás Herzog y Lina Vargas en el film Las Principitas. La historia de las argentinas que inspiraron El Principito, de 2019, y en el documental Oasis. Saint-Exupéry en Concordia, de Danilo Lavigne.
“La relación con Victoria Ocampo no pasó de un almuerzo en Villa Ocampo –contó Juan Javier Negri, de Fundación Sur–. Pero el ingeniero y aviador Vicente Almandos Almonacid, el único argentino cuyo nombre figura inscripto en el Arco de Triunfo en París y que fue cofundador de Aeroposta Argentina, lo llevó a las reuniones del Rotary Club de Buenos Aires que se hacían en la Galería Güemes, donde también vivía Saint-Éxupery”.
“Quienes hayan leído El Principito sin conocer la vida de Saint-Exupéry no se sorprenderán al descubrir que el autor fue un consabido aviador –dijo a Francisco la nacion Aiello, docente e investigador–. El accidente aéreo que abre el argumento permite enlazar este texto mundialmente conocido con el resto de su obra, en especial con Vuelo nocturno, que además elabora otro núcleo de su trayectoria vital: la relación con la Argentina, donde trabajó para una empresa postal francesa como responsable del desarrollo de una red que llegara hasta la Patagonia”.
“Un aspecto poco visibilizado de Saint-Exupéry, quizá por cierta romantización de su figura como autor de El Principito, es que antes que escritor era aviador, con todo lo que esto significaba en aquel contexto: abrir rutas aéreas, realizar hazañas, correr grandes riesgos y morir como héroe de guerra, pero también observar críticamente el rumbo de la humanidad”, explicó la investigadora y profesora Gabriela Villalba.
“Si se toma distancia de sus textos y se los mira como un mapa, se puede ver en todos ellos una preocupación común por los fascismos imperantes en Europa –destacó Villalba–. Desde Tierra de hombres, Vuelo nocturno o Carta a un rehén hasta sus crónicas como reportero en la Guerra Civil Española, reunidas en España ensangrentada, pasando por El Principito, se configura un humanismo férreo, basado en una confianza en la solidaridad, en una ética, no una moral, de la responsabilidad personal hacia el otro: ‘Cada uno es responsable por todos’, se lee en Piloto de guerra. Es lo que hace a la universalidad de su obra y lo vuelve de una potente actualidad”. Villalba tradujo en 2014 El Principito para la editorial Estrada y en 2018 lo editó en lenguaje inclusivo en su sello EThos.
El escritor y empresario Alejandro Roemmers prosiguió con la historia de El Principito en dos novelas juveniles: El regreso del joven Príncipe y El joven Príncipe señala el camino. “No tengo pruebas, pero tampoco dudas de que Saint-Exupéry ha sido y continúa siendo un gran referente para mi generación y las actuales –aseguró–. El Principito ha logrado llegar al corazón y la mente de millones de niños. La literatura de Saint-Exupéry siempre es una experiencia fresca, con una palabra que ilumina y desprovista de prejuicios, que se fija en los afectos más profundos, sin influencias de ideologías bélicas y voraces”.
La traductora y profesora Cecilia Verdi sostiene que toda la obra de Saint-Exupéry se puede englobar en el título de una de sus primeras lecturas ilustradas de infancia: Histoires vécues (Historias vividas). “Claro que se trata de las experiencias de uno de los pioneros de la aviación de riesgo, conocido por haber sobrevolado el Sahara y haber emprendido los primeros vuelos transatlánticos. Más allá del claro guiño a la vida del autor, dado que en 1935 su avión cayó en el desierto de Libia cuando intentaba unir París y Saigón, tanto la trama como la simbología de El Principito dejan entrever un enfoque transnacional en el modo de hacer literatura”.
“Cabe preguntarse si fue una decisión estratégica del autor al servicio del mensaje universal que deseaba comunicar o una decisión a la vez estética, en la medida en que lo hizo desde la literatura, inscribiéndose en la tradición de la fábula y del cuento poético y filosófico, pero desmontando algunos clichés, como el hecho de presentar al zorro no como un animal astuto, sino como el portavoz de enseñanzas sobre la importancia de crear lazos”.
Verdi señala que la “perspectiva trasnacional” está inscripta en el origen del libro, donde convergen escenarios y elementos diversos. “Desde las circunstancias en las que fue escrito, en Nueva York, en el exilio y en pleno conflicto bélico mundial, hasta el hecho de ser publicado primero en inglés, en 1943, y después en francés –dice–. Recordemos que la edición francesa de Gallimard es de 1946, es decir que el autor no vio el libro publicado en su tierra natal”. La primera publicación en español se hizo en Buenos Aires, en la editorial Emecé, en 1951, con traducción del editor e historiador Bonifacio del Carril.

Obras1926: El aviador
1928: Correo del Sur: Saint-Exupéry, A. (1967). Correo sur. Argentina: Goncourt. Trad. de Susana Saavedra / Marco A. Galmarini.
1931: Vuelo nocturno: Saint-Exupéry, A. (1942). Vuelo nocturno. Esplugues de Llobregat, Barcelona: Plaza & Janés. Trad. de Juan de Benavent.
1938: Tierra de hombres: Saint-Exupéry, A. (1939). Tierra de los hombres. Buenos Aires: Sudamericana. Trad. de Rafael Dieste.
1942: Piloto de guerra: Saint-Exupéry, A. (1943). Piloto de guerra. Buenos Aires: Sudamericana. Trad. de María Teresa López.
1943: El principito: Saint-Exupéry, A. (1951). El principito. Buenos Aires, Argentina: EMECÉ. Trad. de Bonifacio del Carril.
1944: Carta a un rehén: Saint-Exupéry, A. D., & Galmarini, M. A. (1944). Carta a un rehén. Argentina: Goncourt. Trad. de Marco A. Galmarini.
1948: Ciudadela: Saint-Exupéry, A. (1951). Ciudadela. Buenos Aires, Argentina: EMECÉ. Trad. de Bonifacio del Carril.

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UNA PICADA DE ANTOLOGÍA EN URIBELARREA (Pueblo Escondido,)

Paradas ruteras. La carpintería de 1904, a solo una hora de la ciudad, que se volvió un templo de la picada
Miguel Carello y Gabriel Narvaes hacen chacinados italianos
Pueblo Escondido, en Uribelarrea, se dedica desde 2003 a hacer chacinados con recetas familiares italianas
Leandro Vesco
Uribelarrea es un destino a mano. A una hora de la ciudad de Buenos Aires, se consolidó como una parada obligada para quienes disfrutan de caminar por un pueblo de pocos habitantes que ofrece una sustanciosa oferta de comedores de campo que utilizan productos locales, la tranquilidad y la dinámica rural han resistido el avance de los turistas y todavía conserva su alma pueblerina.
Allí, en la que fuera la carpintería del pueblo, datada en 1904, nació en 2003 Pueblo Escondido, con un propósito claro: hacer chacinados con recetas familiares italianas y poner el foco en ampliar el horizonte de fiambres para que los fanáticos puedan elevar la experiencia. De esta manera producen no solo los clásicos sino algunos que son desconocidos para el público masivo, como la nduja, un salame untable picante, o la Capocollo, una bondiola típica del sur de Italia. Delicia para paladares que se emocionan con aromas del mediterráneo. “Es posible transformar la picada en un plato principal –dice Gabriel Narvaes, uno de los creadores de Pueblo Escondido–. La picada debe valorizarse más”.
La esquina de 1904 donde se levantó la casa de picadas
En un país en donde la picada es una ceremonia con señales sacras, Pueblo Escondido fue creciendo en estos años y la mejor publicidad fue la de boca en boca. Los viajeros reincidieron, compartieron su experiencia y atrajeron a devotos de los fiambres y quesos. En un mundo en donde el sabor es un elemento en extinción, aquí se ofrecen todos y de la mejor manera, en un salón que deja a la vista antiguas piezas de la carpintería o al aire libre, con la dorada tibieza del sol otoñal.
“Los ingredientes más importantes son la paciencia y el tiempo de maduración adecuado utilizados para que cada producto exprese sus mejores características”, dice Narvaes.
La cocina de Pueblo Escondido
Miguel Carello, el otro pilar que sostiene esta idea, es ingeniero agrónomo y ex jefe de Industrias de la Escuela Agrotécnica Don Bosco, reconocida institución que aún produce quesos y fiambres. De origen italiano, su padre le legó recetas y conocimiento, el menú expresa esa herencia, pero también una búsqueda hacia la recuperación de sabores que trajeron los inmigrantes italianos.
Muchos fiambres y salazones que se consumían a fines del siglo XIX y principios del XX, y que se dejaron de hacer, aquí tienen una segunda oportunidad. Las especialidades pueden resumirse en sopresatta siciliana, longaniza calabresa con anís, napolitana (picante con ají y pimienta de cayena), salames, chorizos secos y salazones como el jamón serrano, bondiola, lomito y solomillo ahumado. Todos los productos que se ofrecen en la picada están también a la venta.
Los chacinados se hacen en base a recetas familiares italianas
Desde 2016 se aliaron con el crítico gastronómico y escritor Pietro Sorba para hacer una línea de fiambres tradicionales italianos, como la mencionada nduja, la finocchiona, una especialidad de la Toscana, el guanciale, hecho con la papada de los cerdos. El lardo, tocino curado con sal y especias. La pancetta affumicata (ahumada) la bresaola, carne vacuna curada y especiada, y los speck que son salazones típicos del norte de Italia. “La nduja untada en un pan de campo tostado es una explosión de sabores en la boca”, confiesa Narvaes.
“Fiambres con sabores distintos y nuevos”, resume Narvaes la experiencia. No es algo menor, junto con el asado, la picada es un bastión de la identidad gastronómica argentina. Pueblo Escondido pretende elevarla de categoría. Sacarla de su espacio de ser una comida “previa” a la principal, para conjeturar una prolongación de ese estado hasta convertirla en única y protagónica.
La picada perfecta
¿Es posible una picada perfecta? “Claro que sí”, dice Narvaes y ensaya la fórmula. “Debería tener una variación de fiambres y quesos que permitan contrastar y apreciar diferentes sabores”, argumenta. El guion de esta picada consumada debería tener tres embutidos, como salame, una longaniza y una sopresatta. Tres salazones: jamón crudo, bondiola y lomo curado. Tres chacinados cocidos, un jamón cocido natural, mortadela con pistachos y leberwurst, y una variación de quesos blandos: (brie o camembert), semiduros (Gouda o Gruyere) y duros como reggianito o parmesano.
Las picadas
Purista, consagra aún más el concepto: picada en pasos. “Podríamos deconstruirla en dos categorías y a su vez en subcategorías”, cuenta Narvaes. La primera en fiambres y quesos, y la segunda: embutidos, salazones y cocidos. La picada perfecta puede ser ejecutada en seis pasos, esta ópera gastronómica comenzaría con los quesos, “acompañados con un sauvignon blanc o chardonnay, y luego los fiambres con un pet nat rosado o rosado de malbec”, concluye Narvaes.
“La charcutería y la quesería argentina han evolucionado y hacen posible armar una picada de alta calidad que reemplaza a cualquier plato principal”, confiesa Narvaes.
Uribelarrea se ha convertido en un polo gastronómico. Se encuentra a 85 kilómetros de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, tiene acceso por ruta nacional 205. La plaza concentra la atención, fue diseñada por el arquitecto Pedro Benoit y tiene la particularidad de ser octogonal. Es de 1889, la iglesia es neogótica y fue inaugurada en 1890. El pueblo fue usado como locación para filmar la versión de “Evita” del director Alan Parker.
La vieja esquina fue construida en 1904. Desde 1915 hasta 1970 funcionó la carpintería de Uribelarrea. Bajo su techo siempre se hizo un trabajo manual; en la actualidad, fiambres, en el pasado, gran parte de los muebles que decoran el interior de las casas del pueblo. Tuvieron que hacer un gran trabajo de restauración, el resultado está a la vista: elementos simples, primitivos y eternos.
Conservaron el techo original de ladrillo abovedado, lo mismo con los tirantes de pinotea. Las barras del salón principal y de la cocina se hicieron con viejos tablones de cedro. Una de ellas está hecha con una hoja de una puerta de 15 centímetros de grosor que había sido pedida para la iglesia, y que nunca se llevó. Suma conocer estos detalles. La mirada del visitante protagoniza un momento de emoción al ver una inmensa mesa que domina el salón. Nos recuerda a un altar, por su aplomo. Tiene dos metros de largo. Parte de la historia de Uribelarrea se cuenta en estos muebles.
Una de las mesas al aire libre
En la búsqueda a la experiencia absoluta de goce. En Pueblo Escondido tienen un secreto que no ocultan: los ingredientes del sándwich perfecto. “El mejor del mundo es el que nos hacemos cuando llegamos a nuestra casa y lo armamos con lo que tenemos”, anticipa. Sin embargo, profundiza el concepto. “Es importante dejar volar la creatividad a la hora de armarlo”, comenta.
Sin más, ofrece dos fórmulas: sandwich de finocchiona (salame toscano), queso suave tipo gouda y tomates secos condimentados en aceite de oliva y de porchetta (cerdo arrollado asado y condimentado con especias y hierbas donde destaca el hinojo) con salsa verde (puede ser un pesto de albahaca o de alcaucil). “Si el pan es focaccia lleva a cualquier sándwich a la perfección”, concluye Narvaes.

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ANDRÉS RIVERA.....ESCRITOR POLÍTICO (NOVELAS, CUENTOS Y FILMOGRAFÍA )

ANDRÉS RIVERA, EL ESCRITOR POLÍTICO
UNA INTENSA INVESTIGACIÓN EXPLORA LA NARRATIVA DEL AUTOR QUE INDAGA EN LA MEMORIA INDIVIDUAL Y COLECTIVA

 Gustavo Grazioli—

Los contextos sociopolíticos son parte de la materia prima de un mapa literario que agrupa autores que hicieron de su obra una lucha de ideas. Uno de los tantos destacados, que comienza a divulgarse en la década del 90, ha sido Andrés Rivera (Marcos Ribak). Un escritor que trabajó su prosa, atravesado por la relación entre literatura e historia, y se entreveró en los trasfondos del poder, la violencia, la crueldad, el proletariado y el gremialismo. Con más de una veintena de libros publicados, entre novelas y cuentos, el autor de La revolución es un sueño eterno, El amigo de Baudelaire, El farmer o Punto final, entre otros, ha conseguido reconocimiento de escritores y críticos destacados, de la talla de Ricardo Piglia, Juan José Saer, Beatriz Sarlo.
Revisar su obra es abrir una caja de herramientas que contiene recursos estéticos que irradian experiencias histórico-política, donde aparece una juventud vinculada al escenario sindical, su trabajo como obrero textil, interrogantes con la historia oficial y procedimientos que construyen una voz potente. Su instrumento son las palabras y se acompaña de una corrección obsesiva para dar con un artefacto narrativo que golpea en la mandíbula de la quietud y la pereza intelectual, que se afinca en el sonido de los silencios, la repetición y dialoga con textos de Roberto Arlt, William Faulkner, Víctor Hugo y Norman Mailer.
Graciela Simonit (Resistencia,1965), profesora de Letras y doctora en Literatura Hispanoamericana, decidió abordar el universo Rivera para su tesis doctoral y después de conseguir el diploma, el trabajo académico se convirtió en su libro Las palabras y lo hechos. La narrativa de Andrés Rivera. El motor de su investigación se centró en su corpus narrativo, en la interrogación histórica, la memoria, el poder y la materia autobiográfica. “En el 2000 me fui a vivir a España, me puse a estudiar un doctorado y en esos años estaba fascinada con la lectura de Rivera. Había empezado por La revolución es un sueño eterno e inmediatamente leí 3 o 4 obras más –comenta Simonit–. Desde entonces no dejé de leerlo, me fascinó y me impresionó su escritura sobre esos temas. Al escribir una tesis, podía optar por otros escritores más reconocidos o consagrados, pero había que elegir autores que no se conocieron tanto y me enteré que de Rivera en España solamente se había publicado La revolución… entonces dije, hay que divulgarlo, hay que hacerlo conocer. Mi directora de tesis que es de Córdoba, pero desde la dictadura vive en España, me preguntó si me animaba a trabajar con Rivera y enseguida acepté. Me parece que puede llegar a ser útil este trabajo para reivindicar su obra”.
Simonit sitúa tres momentos de escritura en Rivera y para describirlos, habla de una etapa de confluencia entre historia y literatura, en el que construye un texto heterogéneo, donde la verdad del relato oficial queda suspendida. Por otro lado, describe una parte autobiográfica, en donde el narrador se distancia del presente para meterse en su pasado y revisar la genealogía de una familia judía y obrera, educada con la liturgia de izquierda y un claro concepto claro de la cultura: “instrumento de emancipación”. Y, por último, aparece el escritor político que recupera el siglo XIX, romántico y liberal, para confrontar esas ideas a través del presente.
“Empecé por analizar la relación entre literatura-historia, literatura y política, pero me hicieron notar que fui tomando otro camino, que me quedé con la retórica, con los procedimientos retóricos, porque en definitiva a los que trabajamos en literatura nos interesa esto: cómo escribe un autor, cuál es la forma. Me quedé ahí, me focalicé en esas cuestiones que me parecen más interesantes de poder ver y descubrir – explica sobre la cocina de este trabajo que emprendió hace más de 20 años– Cuáles son las herramientas del escritor y cómo fue ese proceso”.
Sobre la tentación de encorsetar a Rivera en la etiqueta del subgénero narrativo de novela histórica, parte otro de los interrogantes a resolver y la discusión recorre otros autores que han sabido justificar ese pretendido encasillamiento. “Las novelas de Rivera no son novelas históricas. No interesa eso. Está en las antípodas de eso, no tiene nada que ver. Quien pretenda aprender historia que no lea a Andrés Rivera, tiene un montón de profesores de historia que van a poder ilustrarlo. Andres Rivera es un escritor con mayúscula. Eso es lo que importa. Tiene su propia música, su propio tono”, supo decir Eduardo Belgrano Rawson.
“Partí de esa idea de no leerlo así, pero el género está, no hay que desdeñar el hecho de que se aproxime bastante a la novela histórica, lo que no hay que confundir es la mala literatura con la buena. En el mercado hay una oferta muy amplia de novelas históricas, de biografías, que sobre todo se focalizan en los romances de los próceres, hay que separar esas aguas. Pero no se puede leer como si no fuera historia –explica Simonit–.De hecho, tuve que estudiar historia argentina”.
Debatir las problemáticas
En la conclusión de su trabajo habla de una confrontación con el discurso político y estético del siglo XIX, “siglo de la configuración y apogeo de los grandes relatos modernos y de la construcción de la Nación Argentina –detalla–. Al asumir la postura de escritor político, recupera el pasado decimonónico, romántico y liberal, para debatir las problemáticas de su presente, y lo hace, además, reelaborando géneros característicos de ese siglo: la novela histórica y la autobiografía. En este sentido, el lector de estas ficciones no puede eludir la materia ni el discurso historiográfico”.
–Se puede pensar que la voz de Rivera cambia cuando también incorpora otras lecturas que se había prohibido por cuestiones ideológicas. Por ejemplo, lo que significó la lectura de Jorge Luis Borges.
–En su primera etapa que publica El precio y después una serie de cuentos que remite a la vida sindical, a la política, que empieza en 1957, cambia, hay un realismo social en esas obras. Y en el 72, Piglia lo anuncia. Hace una reseña de Ajuste de cuentas y dice que hay un cambio bastante notable en Rivera y es a partir de esos cuentos, donde se advierten nuevos procedimientos. La lectura de Borges es fundamental, él reconoce que aprendió muchísimo. Hay procedimientos que tienen que ver con lo cinematográfico, vanguardistas, y ese realismo se opaca en beneficio de la forma. Es interesante ese trabajo y me encantan esos libros y me encantaría que en algún momento se reediten.
–En el proceso de reescritura de Rivera, destaca que “recupera materiales narrativos originarios para reelaborarlos en nuevas creaciones”. ¿En esta búsqueda qué otras cosas le llamó la atención?
–La escritura en sus cuadernos, después los pasaba a máquina, nunca usó la computadora, no quería, entonces era un trabajo muy meticuloso de corrección, incluso es notable como un cuento “Así todavía” lo transforma en “Estaqueados” en el 2008 y lo corrige y corrige estas cuestiones, incluso corrige como se leería ese cuento en 2008, por eso el título “Estaqueados”, la referencia a Malvinas, la referencia a los desaparecidos es también muy atento a ese contexto lector.
–Su vínculo con lo sindical y gremial es muy fuerte y además de la formación cultural, y si se quiere intelectual, también parece haber sido una especie de laboratorio para empezar a escribir…
–Él dice que aprendió a escribir porque ayudaba a su padre en los actos gremiales, en las reuniones. Se convirtió en el escriba de su padre, por eso en el periodismo escribe notas gremiales también. Esas notas periodísticas las rescatan Martín Latorraca y Juan Ignacio Orúe en su libro Andrés Rivera. El obrero de la literatura que publicó editorial Sudestada. Y a su vez, desde el periodismo conoció y pudo conectarse con la política y conocer a muchos personajes que después va a incluir en sus cuentos. Es un intelectual, pero no es un intelectual de participación muy activa en el campo literario, siempre en la política.
“En los textos autobiográficos emplea los mismos dispositivos –describe Simonit en el texto–. En ellos, Rivera invierte la dirección del proceso reflexivo: del presente se distancia para inmiscuirse en su pasado. En este proceso tiene cabida el ejercicio pleno de la memoria individual y colectiva, zonas de autenticidad. La historia, en su escritura lacónica, se articula con la memoria mediante el anacronismo. Incluso la voz narradora deja la huella de la memoria y su intento arduo por reconstruir la genealogía familiar, política, literaria, para reivindicar la voz del Otro, o de quienes no tienen voz”.
–Jorge Ribak, hijo de Rivera, hace poco acuñó una frase de su padre como radiografía de la actualidad política: “que la esperanza no se escriba en el agua”. A casi 8 años de su partida, ¿Qué diría Rivera hoy?
–Hubiera dicho que ya está todo plasmado, al menos en su literatura nos hubiera dicho “yo les avisé que esto iba a pasar”. Se hubiera asombrado mucho, porque es muy particular lo que sucede, los personajes parecen inventados, si a uno se le ocurre escribir sobre esto, es inverosímil.
–¿Ves algún continuador de la prosa política de Rivera?
–Está todo muy cooptado por el mercado, por modas. En la literatura, si pensamos quienes serían discípulos de Rivera hoy, cuesta reconocerlos. Por ahí, María Teresa Andruetto que hacía taller con Rivera o Perla Suez, en Córdoba. O Leopoldo Brizuela que falleció muy joven y seguía en esa ruta. Me parece que la discusión es pobre, lo veo mucho a Kohan en ese rol de hablar un poquito de política o retomar estos discursos cuando hay un evento importante, como el discurso de (Liliana) Heker en la apertura de la Feria del libro.
–Este libro, además de mantener vigente la voz de Rivera, ¿Es una forma de reivindicarlo?
–La tesis se publicó digitalmente y el año pasado, a 40 años de la democracia, pensé: hace tiempo que no oigo hablar de Rivera y me parece que hay que hacerle un homenaje. La tesis solo la leen los interesados y dije es el momento de homenajear a este hombre y no olvidarnos de las grandes obras que ha escrito. Por eso el libro.

Novelas

El precio, Editorial Platina, Buenos Aires, 1957, ©1956
Los que no mueren, Nueva Expresión, Buenos Aires, 1959
Nada que perder, CEAL, 1982
En esta dulce tierra,Folios Ediciones, Buenos Aires, 1984 (Alfaguara, 1995)
Apuestas, novela breve, Per Abbat, Buenos Aires, 1986
La revolución es un sueño eterno, novela breve sobre los años finales de Juan José Castelli, Grupo Editor latinoamericano (GEL), Buenos Aires, 1987 (Alfaguara, 1993)
Los vencedores no dudan, novela breve, (GEL), 1989 (reedición corregida en 2002 bajo el título de Para ellos, el paraíso)
El amigo de Baudelaire, novela breve, Alfaguara, Buenos Aires, 1991
La sierva, novela breve, Alfaguara, 1992
El verdugo en el umbral, Alfaguara, 1994
El farmer, novela breve sobre los años finales de Juan Manuel de Rosas, Alfaguara, 1996
El profundo sur, novela breve, Alfaguara, Buenos Aires, 1999 (Veintisiete Letras, Madrid, 2007)
Tierra de exilio, novela breve, Alfaguara, 2000
Hay que matar, Alfaguara, 2001
Ese manco Paz, novela breve, Alfaguara, 2002
Esto por ahora, novela breve, Seix Barral, Buenos Aires, 2005
Punto final, , Seix Barral, 2006
Traslasierra, Seix Barral, 2007
Guardia blanca, Seix Barral, 2009
Kadish, Seix Barral, 2011
Cuentos[

Sol de sábado, Editorial Platina, Buenos Aires, 1962. Contiene 9 textos:«Sol de sábado»; «El apóstol»; «La marea»; «Página de diario»; «Otro adiós»; «Día de fiesta»; «32 grados»; «Los libertadores»; y «El que siempre llega»
Cita, Ediciones La Rosa Blindada, Buenos Aires, 1965. Contiene 3 textos:«Cita»; «Alejandro» y «Junio»
El yugo y la marcha,Editorial Merlín, 1968. Contiene 5 textos:«En la noche»; «Medias lunas y café con leche»; «El hombre de la radio a transistores»; «Trasbordo»; y «El yugo y la marcha»
Ajuste de cuentas, cuentos policiales, Centro Editor de América Latina (CEAL), Buenos Aires, 1972
Una lectura de la historia,Libros de Tierra Firma, Buenos Aires, 1982
Mitteleuropa, Alfaguara, 1993
La lenta velocidad del coraje, Alfaguara, 1998
Cuentos escogidos, Alfaguara, 2000. Con prólogo de Guillermo Saavedra; contiene veintinueve textos de Rivera, divididos en cuatro apartados:Una lectura de la historia: «Bialé»; «La paz que conquistamos»; «Pescados en la playa»; «El país de los ganados y las mieses»; «Un tiempo muy corto, un largo silencio»; «Una lectura de la historia»
Mitteleuropa: «Campo en silencio»; «Willy»; «Mitteleuropa»; «El perro del hogar»; «Tránsitos»
La lenta velocidad del coraje: «La lenta velocidad del coraje»; «Eso es lo que vale»; «Un asesino de Cristo»; «Tres tazas de té»; «Cómplices»; «Tualé»; «Un largo pasillo iluminado»; «En la mecedora»; «Con un esqueleto bajo el brazo»
Preguntas: «Lento»; «Los hijos del Mesías»; «La espera»; «Preguntas»; «Puertas»; «Apetitos»; «Visa para ningún lado»; «El corrector»; «La pequeña enfermera del Privado»'Para ellos el paraíso' y otras novelas, Alfaguara, 2002. Contiene 4 textos:Cita (1965), Apuestas (1986), Para ellos, el paraíso (reedición corregida de Los vencedores no dudan, 1989) y Guido (2002)
Cría de asesinos, Alfaguara, 2004
Por la espalda, Seix Barral, 2007
Estaqueados, Seix Barral, 2008. Contiene 8 textos:«Country»; «Estaqueados» (reedición con nuevo título de «Así, todavía»); «La seño»; «Diente de oro»; «Estela Canto: un retrato»; «¿Quién come en esta mesa?»; «Reinserción»; y «Pirí»

Filmografía

2004: Marcos Ribak alias Andrés Rivera, documental biográfico dirigido por Eduardo Montes Bradley, Argentina2010: "La Revolución es un sueño eterno" Ficción histórica dirigido por Nemesio Juárez, Argentina
Reparto: Lito Cruz, Luis Machín, Juan Palomino, Ingrid Pelicori Sinopsis: Después de una dura campaña al frente del Ejército del Norte, Juan José Castelli cae en desgracia como revolucionario y muere, solo y empobrecido. Mientras está enfermo, rememora los momentos claves de su vida y los hechos históricos en los que su presencia fue decisiva. Basada en la novela de Andrés Rivera. ‧

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ESTRENO DE "EL NIÑO Y LA GARZA "AYER...(.Hayao Miyazaki, )

Hayao Miyazaki, o cómo una infancia atormentada alimentó al último realizador de cine en creer en la bondad humana
El estreno de su nueva y última película, El niño y la garza, aporta un cierre perfecto para una obra que demoró en encontrarse con Occidente, pero terminó hallando un público capaz de maravillarse frente a su poética fantasía nipona y universal
Leonardo D'Esposito
Hayao Miyazaki, o cómo una infancia atormentada alimentó al último realizador de cine en creer en la bondad humana
Este jueves llega a los cines de la Argentina El niño y la garza, la nueva y última película de Hayao Miyazaki, el maestro de la animación que había anunciado su retiro en 2013. El film logró la hazaña de quedar primera en taquilla en los Estados Unidos, acaba de ganar el Globo de Oro a mejor largometraje animado y va camino al Oscar, premio que el autor ganó en 2003 por El viaje de Chihiro. La pregunta que puede hacerse es si tal éxito responde a las bondades de la película o al nombre del autor. Spoiler: la película justifica los ditirambos. Pero lo más interesante del caso es que Miyazaki es el único autor de animación contemporáneo que llena salas con su nombre. Y de los pocos directores en general que son imán para la taquilla, como Christopher Nolan, Quentin Tarantino y poco más. Que un hombre de 83 años, que hace dibujos animados a la manera tradicional y sin traicionar la compleja tradición narrativa japonesa, genere devoción universal y millonaria es un auténtico milagro.
La obra completa de Miyazaki y la del estudio que fundó con Isao Takahata en los setenta -Ghibli- puede revisarse en Netflix. Es una suerte porque, si bien casi toda su filmografía se fue viendo en nuestro país en muestras y ocasionales apariciones en salas comerciales, la mayoría de las películas no aparecieron en las pantallas argentinas en el momento en el que fueron realizadas. Tampoco en gran parte de Occidente por decisión del propio realizador. Sin embargo, “conocimos” a Miyazaki a mediados de los años setenta, cuando la serie Heidi arrasaba en el rating del entonces Canal 7 todas las noches. El director era allí diseñador de fondos y de personajes, pero también en ocasiones director. Y se nota el estilo: la narración sin ripios, los movimientos simples y nunca enfáticos o demasiado dramáticos, la síntesis en los rostros para, con pocos trazos, crear una emoción. Y también, de modo complementario, el detalle de la naturaleza y el paisaje. Quizás pase inadvertido en general para el ojo no entrenado, pero quienes sólo conocían el animé por Astroboy, Meteoro o Mazinger, Heidi era “otra cosa”: algo más poético y complejo. El creador real de la serie fue Takahata, que compartía -falleció en 2018- la sensibilidad humana de Miyazaki.
Miyazaki, a través de la fantasía y de una poética similar al cuento de hadas, narró su propia historia. Nació en 1941, y era hijo de un ingeniero aeronáutico que fabricaba los timones para los cazas Zero japoneses con la Miyazaki Airplane. Pertenecía, pues, a una familia acomodada que, antes de que él cumpliera los cuatro años, debió huir de la ciudad de Utsunomiya debido a un bombardero incendiario que, según contó el realizador, le generó un recuerdo imborrable. En El niño... hay escenas que lo recuerdan, pero los momentos de violencia y fuego del final de Nausicaa en el valle del viento (1984) y los bélicos de El increíble castillo vagabundo (2004) muestran impresiones de aquellas catástrofes causadas por las bombas incendiarias estadounidenses. Cuando el niño comenzaba la primaria, su madre contrajo tuberculosis espinal y pasó en cama y sanatorios de 1947 a 1955 (falleció finalmente en 1980). La angustia de la madre enferma, de su ausencia y la incertidumbre ante su falta es uno de los temas principales de Mi vecino Totoro (1988), el film que se considera su obra maestra.
El manga (en realidad, la pura historieta) y su derivado, el animé, son productos del “milagro japonés”. Antes de la guerra, existía animación japonesa: Kon Ichikawa, luego realizador de Fuego en la planicie, La condición humana y El arpa birmana, había comenzado allí. Y también el relato gráfico (el emonogatari), pero la destrucción de la guerra terminaron con esa industria, que recomenzó cuando los ocupantes estadounidenses trajeron revistas. Miyazaki, se aficionó a la historieta, pero -según comentó en 1993 a la revista francesa Positif- “no sabía dibujar”. Estudió ciencias políticas y economía, que son sus títulos, y perteneció al Partido Socialista de Japón. Pero se obligó a aprender a dibujar: quería diseñar máquinas voladoras, con las que siempre estuvo fascinado por herencia paterna. De esa vocación aérea surgen los increíbles y bellísimos diseños de máquinas de Nausicaa..., Castillo en el cielo (1986), Porco Rosso (1992) y es el tema de su única película no fantástica -y la más adulta- Se levanta el viento (2013), homenaje a su padre.
Su primer largo, y el único que no realizó para Ghibli, fue El castillo de Cagliostro (1979, disponible en HBO Max), que pertenecía a la exitosa serie animada Lupin III. Es diferente de todo lo que hay alrededor del nieto de Arsenio Lupin, en general aventuras humorísticas y de acción. Porque sí, tiene acción y tiene aventuras, pero también habla de un pasado mítico e incluye no poca fantasía. Esa película, además, generó un vínculo interesante con Hollywood. La persecución de carritos en Indiana Jones y el Templo de la Perdición, de Steven Spielberg, se inspiró en ella. Y Miyazaki devolvió favores en otra persecución de trenes y vagones en Castillo en el Cielo. A propósito: la razón por la cual no se vieron en Occidente hasta mucho después las películas de Miyazaki consiste en que Nausicaa... fue remontada y destrozada por el distribuidor internacional. El autor no cedió más sus derechos, hasta que Disney -su primer distribuidor tras un largo hiato en los EE.UU.- le aseguró que no iba a tocar un fotograma. Aunque cambiaron algo en una película: en La princesa Mononoke, dos personajes que pasan una noche juntos (en camas separadas) son definidos en la copia americana como “hermanos” aunque en el original se enamoran.
Es importante igual el vínculo con Occidente porque una de las preguntas que el realizador se hace en cada film es qué es “lo japonés” y qué relación tiene con el resto del mundo. Por eso ha adaptado novelas juveniles e infantiles de autores europeos (El delivery de Kiki, de 1989, El increíble castillo... o Ponyo y el secreto de la sirenita, de 2008). Y en sus películas hay elementos que provienen de ese mundo “occidental”: Alicia en el País de las Maravillas se refleja en Chihiro; Mononoke -su primer gran éxito mundial de 1997- contiene elementos de El libro de las Tierras Vírgenes de Kipling (la relación de la princesa con los lobos, la guerra entre humanos y animales), y Nausica... tiene mucho de El Señor de los Anillos, de Tolkien, especialmente en la batalla final, muy parecida a la del Abismo de Helm en Las dos torres.
Sin embargo, prima lo japonés. Totoro, ese oso/perro amable que aparece para consolar a las dos niñas que esperan en el campo que su madre, hospitalizada, vuelva y se cure, es un kami, un espíritu surgido de la gran tradición animista del shinto, la religión japonesa. También son kami todos y cada uno de los rarísimos personajes de Chihiro, película clave: la niña deja su nombre y los signos de su “occidentalidad” (el auto, la ropa, las golosinas con marcas en inglés) para atravesar un universo puramente japonés, recuperar su nombre y salvar a sus padres, es decir, a su origen. Pero Miyazaki, en lugar de ser un nacionalista, se pregunta qué es lo universal en ese elemento japonés. Lo encuentra: el shinto habla del equilibrio entre la naturaleza y el hombre, equilibrio que, cuando se quiebra, lleva a la catástrofe. Es lo que pasa en Mononoke cuando llegan a Japón las primeras armas de fuego; es lo que sucede en Castillo en el cielo cuando una piedra antigravedad se usa para crear un robot destructor. O cuando los aviones de Porco Rosso dejan de ser parte del bello deporte de correr en los aires para volverse un arma (no por nada la película se ambienta en la Italia fascista). A Miyazaki se lo ha definido como un “ecologista”, pero es inexacto: su amor por los aviones demuestra que no está contra la tecnología (como sí Tolkien, para comparar con otro “fantasista” del siglo XX) sino contra su mal uso (como James Cameron, para comparar con otro cineasta contemporáneo).
Hayao Miyazaki
Pero toda esta acción, a veces llena de humor (Cagliostro, Castillo en el cielo), a veces de tragedia (Mononoke, Nausicaa), está construida con el uso de la animación a mano (aunque sí, hay algunas tomas realizadas con una computadora, como el andar del castillo ambulante o ciertas tomas en cámara subjetiva de Mononoke). Esto es mucho más que una hazaña técnica: por un lado, el respeto a un artesanado que hoy parece cada vez más escaso. Por el otro, una búsqueda total de precisión a la hora de crear una imagen que retrate al detalle la naturaleza y la creación humana.
Literalmente, Miyazaki retrata un mundo y crea otro que lo complementa. Aunque haya un ejército de animadores e intervalistas (los que hacen cada “dibujito” entre dos posiciones de un personaje para que parezca que se mueve, profesión en la que Miyazaki aprendió a dibujar), traza él mismo las ideas principales. Y lo hace a un ritmo que es distinto del del animé tradicional. Nunca usó animación restringida (es decir, esas imágenes fijas y de fondos vibrantes tan comunes en las peleas de series como Dragon Ball), sino que se mantuvo atento al detalle. Aunque sus personajes son de “ojos grandes”, como indica la tradición, son de enorme variedad en rostros y posiciones.
Esta complejidad gráfica es paralela a la complejidad moral. Porque si bien todo es cuento de fantasía en general y hay fuerzas contrapuestas, en el mundo de Miyazaki no hay buenos y malos. Los “malos” (la dueña de la casa de baños de Chihiro, la reina equivocada de Nausicaa, la regente que fabrica rifles en Mononoke, etcétera) tienen motivos e incluso pueden convertirse o mostrar su lado “bueno”. Hay mucho doble personaje “bueno/malo”, y lo que decide es siempre el contacto con alguna forma de la inocencia.
Que es, ni más ni menos, el quid de Miyazaki. La pregunta de por qué tantos de sus filmes son protagonizados por niños o, más específicamente, niñas o preadolescentes femeninas, se responde por ese lado: inocencia en el sentido de no ser culpables de los males del mundo y tener aún ilusiones. Kiki quiere convertirse en bruja y trabaja haciendo delivery de una panadería en su escoba para conocer el mundo. Nausicaa protege a su pueblo y comprende que salvarlo implica convivir con seres vistos como monstruos. Chihiro rescata a sus padres después de un par de actos de piedad. Ponyo y su amigo salvan a la Humanidad gracias a su mutuo amor y comprensión.
Miyazaki es uno de los pocos -quizás el único- artista contemporáneo que cree realmente en la bondad humana. Que no esquiva sus errores ni horrores (abundan ambos en El niño y la garza), pero tiene una fe inquebrantable en que las personas, en contacto con la inocencia, pueden redimirse. Resuelve así una de las preguntas más difíciles: ¿para qué sirve el arte, para qué sirve la imaginación? Al ejercerla sin límites en cada película, responde que crear un mundo bello es una forma del consuelo. Es decir, un acto de amor.

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