PALAIS DE GLACE...A PARTIR DE HOY

¡ATENCIÓN!
El sábado 18 de marzo no habrá visitas guiadas a las muestras

Patrimonio XXI
Dibujo, Escultura y Pintura (2000-2016)
Desde hace 105 años, el patrimonio del Palais de Glace se conforma con obras adquiridas por medio del concurso Salón Nacional de Artes Visuales.
Esta selección de dibujos, esculturas y pinturas que reúne disímiles estéticas y lenguajes artísticos de producción reciente, da cuenta del programa de puesta en valor de las obras del patrimonio que el Palais de Glace desarrolla mancomunadamente entre sus distintas áreas.
Días y horarios: viernes de 12 a 20 hs; sábado y domingo de 10 a 20 hs
Entrada libre y gratuita

Patrimonio Fotográfico
Adquisiciones 1975 – 2016
Exhibición de obras de Fotografía que integran el patrimonio del Palais de Glace y del Ministerio de Cultura de la Nación.
Días y horarios: viernes de 12 a 20 hs; sábado y domingo de 10 a 20 hs
Entrada libre y gratuita

Mujeres son las que miran:
video contemporáneo español
17, 18 y 19 de marzo a las 19 hs
Entrada gratuita y libre hasta colmar la capacidad de la sala
Kino Palais presenta un programa de video contemporáneo de tres artistas españolas. Eli Cortiñas, María Cañas y Roser Caminal forman parte de una generación de artistas que trabajan el video como disparador de preguntas que explotan en mil direcciones: la identidad española (con sus toros y sus santos), la figura del inmigrante, el machismo, el lugar de la mujer en la sociedad, la familia y el amor. Así, en este universo de cuestiones que tienen en vilo a nuestro mundo, cada una propone un marco de trabajo, que va desde el collage rabioso hasta el documental de observación, pasando por la performance y el autorretrato. Un ciclo imperdible, con la presencia de Eli Cortiñas en forma exclusiva. Agradecemos a Julián D’Angiolillo. Con el apoyo del CCEBA.
PROGRAMA I - Viernes 17 de marzo a las 19 hs
“La que camina” (Quella che cammina), 2014, España, Dir. Eli Cortiñas, 10 minutos.
Este cortometraje gira en torno de la protagonista de un episodio de la película neorrealista “L'amore in città” (1953) del director italiano Carlo Lizzani. La figura de una prostituta romana envejecida es el personaje clave dentro de una nueva reflexión auto-referencial y asociativa de imagen, texto y sonido. Cortiñas conduce sin descanso un monólogo interior que gira en última instancia en torno del papel de la mujer, la artista, la percepción de uno mismo en un dilema entre las convenciones impuestas y el deseo de satisfacción de las libertades personales.

“Marca M para madre” (Dial M for Mother), 2008, España, Dir. Eli Cortiñas, 11 minutos.

Dial M for Mother es un tour de force por las profundidades de la psiquis humana. El conflicto entre madre e hija que aparece en la superficie emerge cada vez más como una lucha por la identidad y la autonomía, una lucha por un papel en la vida dentro de un círculo vicioso, en una interminable batalla por la supervivencia. Su última solución será sumergirse en una puesta en escena para salvarse del abismo y caer sobre el suelo del escenario.

“Lo más dado de lo dado” (The most given of givens), 2016, España, Dir. Eli Cortiñas, 9 minutos.

Cortiñas explora en esta pieza el mito racista de las películas de Tarzán y la representación del continente africano desde una perspectiva occidental. Las imágenes filmadas de manera etnográfica frente a los estudios de cine bien iluminados donde el reparto blanco actúa frente a la proyección etnográfica constituyen -junto con fragmentos de Les Statues meurent aussi (el mítico film de Chris Marker y Alain Resnais)- el pilar central de este video. Cortiñas utiliza diversas fuentes de material propio y ajeno para deconstruir restos y artefactos de la civilización occidental, yuxtaponiendo las ruinas griegas a la naturaleza después de ser explotadas por los humanos y cuestionar la proyección maltratada de un continente que no pudo producir un imaginario cinematográfico hasta liberarse de las colonias.

“Paraíso Animal”, 2015, España, Dir. Eli Cortiñas, 8 minutos.

En esta pieza, Cortiñas trabaja enteramente con imágenes propias abriendo su lenguaje fílmico y su metodología a una nueva etapa. En “Paraíso Animal” se pone una máscara de oso, deslizándose en el papel de un animal que ha sido privado de su hábitat original y desplazado cada vez más hacia un entorno urbano. Las imágenes de la ciudad solitaria alternan con las de un paisaje natural exuberante. En su supuesto entorno originario, la bestia parece perder su vitalidad y encontrar su lugar en la urbe en la que aprende a representar a modo de camuflaje.

PROGRAMA II - Sábado 18 de marzo a las 19 hs

“My Pigman”, 2005, España, Dir. María Cañas, 2 minutos.

Oda social breve e intensa que forma parte de la serie “El Perfecto Cerdo”. Está narrada por un falso presentador de la antigua televisión, en la que se analiza un parecido natural fundamental: el de los hombres y los cerdos. Construida en su totalidad usando material de archivo en blanco y negro, “My Pigman” ayuda a denunciar la pavorosa situación de ambas especies y nos ofrece herramientas, elementos e imágenes para encontrar una posible armonía entre las dos partes. Disfrazada de simple reportaje, “My Pigman” es en realidad una pequeña obra maestra vanguardista y clandestina.

“Moribundia”, 2006, España, Dir. María Cañas, 2 minutos.

La sangre es la vida: hipnótico y desconcertante discurso sobre la Sangre Sabia. Parte del proyecto “La cosa nuestra”.

“The Toro´s revenge”, 2005, España, Dir. María cañas, 2 minutos.

La muerte humana en forma de fiesta, que el cuerno entre y la música suene… ¿Quién dijo que la venganza del toro no podía ser divertida? Parte del proyecto “La cosa nuestra”.

“Dios se ríe en las alturas”, 2011, España, Dir. María Cañas, 2 minutos.

Hermanamiento de las apariciones marianas y el fenómeno ovni. Los platazos de luces no habían desatado tanto fervor entre las chicas pías de toda edad y condición desde el cruel adiós del nunca suficientemente llorado E.T. Los ovnis serán la catedral del futuro, y todos seremos dioses…

“Holy thriller”, 2011, España, Dir. María Cañas, 2 minutos.

Muestra a Michael Jackson mártir pop, homenajeado en una versión sacro pop por una banda cofrade de Semana Santa. Un hilarante video que hermana el histérico fenómeno fan de la cultura pop y las solemnes manifestaciones de la pasión religiosa, al tiempo que enfatiza cómo ambos espectáculos sumergen a su audiencia en un éxtasis colectivo. La santidad coreografiada por Michael. Y es que Jacko que estás en los cielos: “sólo podría creer en un Dios que supiera bailar”. Sí, amigos, el tío Federico (Nietzsche) y Emma Goldman (“Si no puedo bailar, tu revolución no me interesa”), tienen más razón que un santo: sólo podemos creer en un dios bailongo, y por eso, querido Michael, te adoramos, a ti que estás en los cielos...

“Sé villana. La Sevilla del diablo”, 2013, España, Dir. María Cañas, 40 minutos.

Es un muestrario-rebelión sobre la industria de los fanatismos y un homenaje a la humanidad más “aperreá”. A la creación popular, a la fuerza de los débiles, perros verdes, poetas, exiliados, locos, prostitutas… Al pueblo no sólo como cantera de materiales folklóricos sino como auténtico protagonista de la historia que tiene el poder de detener el tren de la Historia.

“La mano que trina”, 2015, España, Dir. María Cañas, 11 minutos.

La vida es eso que pasa mientras miramos el celular. Pronto no necesitaremos leer ni hablar idiomas, nos bastará con saber aullar. “La mano que trina” es un muestrario sobre el lado oscuro de la tecnología, el sentimiento de “tecno-paranoia”, la religión de la selfie, las “tecnopatías”, la demencia digital, la obsolescencia programada, la e-waste, el “poshumanismo”... es una sátira sobre cómo los smartphones, las tablets y las computadoras están acabando con la poca masa crítica (por no decir con la poca masa gris) de nuestra sociedad, cada vez más banal e infantilizada, en gran parte por culpa de la “smartphone´s addiction”. Reflexiona además sobre el camino meteórico hacia una “datificación” total: es que tal vez nos estemos convirtiendo en datos a merced y bajo el control de megacorporaciones en las que no prima el arte ni la libertad de los usuarios sino el afán de lucro salvaje y voraz, en una época de vértigo, en la que ya no hay tiempo para ver, leer y escuchar con atención crítica...

PROGRAMA III - Domingo 19 de marzo a las 19 hs

“Moi, un noir. Reloaded”, 2015, España, Dir. Roser Caminal, 65 minutos.

“Moi, un Noir. Reloaded” es una actualización libre de la película que el antropólogo francés Jean Rouch realizó en 1957. Mientras que la película original estaba destinada a satisfacer la curiosidad de la mirada occidental hacia la alteridad desde la seguridad de la distancia fílmica, su versión “reloaded” minimiza las diferencias culturales y evita lo exótico. Bajo estas premisas, la película se sumerge en la vida cotidiana de los personajes y en sus reflexiones sobre sus experiencias como sujetos inmigrantes, negros y musulmanes en la Europa actual.

“Unfolding Penelope”, 2017, España, Dir. Roser Caminal, 20 minutos.

“Unfolding Penelope”, establece un paralelismo divergente entre Penélope de la Odisea y las esposas de los inmigrantes senegaleses. Paralelismo referido al tiempo de espera por el retorno del marido. Divergencia dado que nuestras protagonistas no sólo ocupan el lugar de Penélope, sino que lo subvierten tomando el poder de la enunciación. Ellas, que no son personajes secundarios, sino protagonistas de sus narraciones, toman la palabra para contarnos cómo negocian con la presión social, que al igual que ocurría en la Odisea, desearía desplazarlas a un segundo término.

“Ever folding”, 2017, España, Dir. Roser Caminal, 3 minutos.

Video anti-etnográfico que funciona como contrapunto de “Unfolding Penelope”. Si por un lado “Unfolding Penelope” despliega las historias de las mujeres, “Ever Folding” las repliega de manera infinita, pliegue sobre pliegue. Un intento de recuperar su invisibilidad no satisfaciendo la mirada occidental ávida de conocimiento y dominio sobre la alteridad. “Ever Folding” repliega la imagen de manera que el espectador no recibe información. Así, las protagonistas sólo despliegan las partes que a ellas les interesan, aquellas que rompen los estereotipos de género y alteridad sobre las que occidente ha construido el conocimiento que ostenta su dominación sobre la alteridad.